APUNTES


LOS PROBLEMAS DE COMUNICACIÓN SON HABITUALES DURANTE LOS PROCESOS DE ENSEÑANZA/APRENDIZAJE: TRATEMOS DE AYUDARNOS MUTUAMENTE:
USTEDES TRATANDO DE ABRIRSE A LA PROPUESTA Y NOSOTROS PONIENDO MUESTRA MEJOR PREDISPOSICIÓN PARA COMPRENDER LO QUE NOS EXPRESAN.












UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
FACULTAD DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y URBANISMO

DISEÑO DE INDUMENTARIA          CÁTEDRA BROCHER


“TIPS PARA VIDRIERAS”

Para hacer una vidriera que aumente las ventas
 Por el Prof. Rupert Brocher, comercializador visual desde el año 1974
                        SI
                       NO

·        Algo está funcionando muy bien: ni innovar. Explotarlo hasta que se empiece a agotar.
·        Pensar la vidriera en torno a los artículos que necesita poner, si o si, en vidriera.
·        Elegir los artículos priorizando la necesidad comercial, sobre el gusto personal.
·        Descartar productos que no tenga en stock (salvo rubros muy suntuarios). No se confié en que pronto recibirá la reposición de algo único.
·        Hacer una lista detallada de los posibles artículos a exhibir, que no incluya los artículos de su actual vidriera y tampoco los que se venden solos.
·        Si  tiene que repetir un producto que puso en su vidriera anterior, cámbielo de color o lugar y forma de exhibirlo.  
·        Exhibir en vidriera lo que no se vende fácil. La gente piensa que lo que está en vidriera es lo último. Mézclelo y expóngalo de manera diferente.
·        Preparar los productos un día antes: plancharlos, desembalarlos, armarlos, limpiarlos, desplegarlos, etc. De acuerdo al rubro.
·        Concientizar que la vidriera es mi mejor vendedor, comunica y no falta, se queda después de la hora de cierre y también trabaja en feriados.





·        Limpiar celosamente  la vidriera desde arriba hacia abajo. El vidrio al final, primero por dentro.
·        Guardar los elementos y artículos de la vidriera anterior antes de realizar la nueva.
·        Cambiar el color del piso, fondo y paredes cada mes.
·        Tiene vereda y/o calle ancha requiere altos contrastes entre los productos y sus fondos (producto complicado: fondo simple; producto claro: fondo oscuro)
·        Mostrar un mismo producto varias veces, en distintas combinaciones y en la misma vidriera, motiva más.
·        Si su negocio está en una zona de alto tránsito el producto se puede cambiar una vez por semana ¡no menos!
·        Llamar la atención, no importa cómo.
·         Incorporar el humor, da estupendos resultados.
·        Provocar el deseo.
·        Crear misterio.
·        Que lo superfluo se vuelva imprescindible.
·        Poner algunos productos sobre sus cajas originales, denota la marca y da altura.
·        Buscar la altura y el ángulo en el cual el producto luzca más. Y que se entienda de que se trata.
·        Los productos escalonados siempre se ven bien. Grande y alto atrás, bajo y chico adelante.
·        Reponer los focos quemados apenas lo note.
·        Cubrir las luces de techo con viseras, para que no encandilen.
·        Cruzar los haces de luz para lograr mayor rendimiento lumínico.


·        Escribir mediante pequeños textos cortos, características del producto.
·        Poner un artículo de cada tipo, acompañado de un cartel que diga: “También en otros colores”.
·        Coloque pequeños carteles de procedencia.
·        Precios normalizados, ej. Siempre abajo, a la derecha; pero con una cercanía que no dé lugar a  confusiones.
·        Poner un precio a cada artículo, pero afuera o en el borde del mismo. Adentro lo abarata.
·        Algunos brazos y piernas pueden quebrarse para dar vida a una prenda, no para aprovechar más el espacio. Hágalo sólo en los codos y rodillas.
·        Una vidriera puede compartir distintos target, pero con espacios que los separen.
·        Mostrar el mismo producto de distintas marcas y precios en una misma vidriera estimula las ventas de todos.
·        Sea creativo y original.
·        Organizar vidrieras con distintos agrupamientos cada mes (función, color, forma, target, sexo, etc.)
·        Agrupar por funcionalidad: bufandas, guantes, tapados, camisetas, polainas; denotan la función de abrigo.
·        De vez en cuando hacer una vidriera con una gran variedad de productos que respondan a un libreto.
·        Grupos de artículos por asociaciones de ideas temáticas: tablita, cuchillo, sacacorchos, parrillas, mostaza, ensaladera; denotan la idea de asado.
·        Agrupar por conjuntos a principio de temporada o en target muy alto.
·        Conjuntos cerrados en target muy alto. 



·        Conjuntos abiertos, en fines de temporadas.
·        Tipologías sueltas en vidrieras conmemorativas (regalos).
·        Una ambientación no debe competir ni ser más importante que los artículos (sirve para llamar la atención y destacar o dar vida al artículo).
·        La ambientación es mucho más efectiva si guarda relación con el o los productos exhibidos.
·        Que cada vidriera sea muy distinta 
     a la anterior pero, que guarde un estilo.
·        Cambiar la ambientación una vez por mes, ¡no menos!
·        Una buena ambientación crea situaciones de acción y/o asombro.
·        Hacer la misma vidriera en todas las sucursales el mismo mes. Que la imagen en los medios sea la misma y en sincronicidad con las vidrieras.
·        Cree, recree pero no copie.
·        Dejar espacio entre grupos distintos de productos. El espacio no es vacío.
·        Exhibiciones dentro del local, crear pequeñas exhibiciones de la misma estética de la vidriera.
·        Siempre la direccionalidad hacia la
     puerta del local. De lo contrario manda
     el público al comercio vecino.
·        Permanecer atento a la competencia para hacer algo distinto. No tratar de imitarla o pretender copiarla. 
·        Hacer un organigrama anual de todas las vidrieras, sus temas y artículos   fundamentales. Hágalo aprovechando la historicidad de su local, tenga en cuenta la opinión de sus vendedores, ellos conocen los ciclos de venta que se repiten.



·        Guardar ordenadamente partes del producto exhibido que no están en vidriera (pares, caja, embalaje, piezas accesorias, instrucciones, garantía etc.) rotular que está en vidriera.
·        Aumente la periodicidad de cambios si su vidriera es muy chica y tiene muchos productos ¡nunca inferior a una semana!
·        Tiene varias vidrieras o una muy grande justifica ampliar la periodicidad de cambio ¡nunca mayor a dos meses!
·        Pensar que la vidriera no es el único responsable de las ventas. Estas dependen del buen trabajo en equipo.
·        Diviértase, el buen ánimo predispone resultados positivos.


·       Pensar que lo que hace la mayoría es lo correcto.
·       Tratar de imitar a lo que usted considera  su competencia.
·       A la monotonía, provoque cambios.
·       A lo standard, pasa desapercibido.
·       Basta de flores en primavera y hojas secas en otoño. Piense otra cosa.
·       Insistir en exhibir productos que no se venden. Buscar la causa, corregirla y probar nuevamente.
·       Al cambio de vidriera que se transforma en limpieza y vuelve a ser lo mismo, en el mismo lugar. O solo cambia el color.
·       Desarmar parcialmente la vidriera.
·       Poner en vidriera artículos únicos o que no tenga en la cantidad que espera vender.
·       Poner todos los artículos en vidriera, sino ¿qué pone el próximo mes?
·       Seguir creyéndose que cuantos más artículos ponga en la vidriera mayor serán sus ventas.
·       Creer que sabe lo que le conviene, aprenda a seleccionar, el producto es una carnada que los peces (clientes) comen. Hay que saber con que y cuando se encarna de acuerdo al pez que quiera pescar.




·       Improvisar sobe la marcha, los artículos para poner en vidriera.
·       Ser rígido, puede agregar o quitar algunos artículos que no estaban programados.
·       Poner en vidriera lo que se vende solo, use ese lugar para otro artículo.
·       Ubicar la luz en el centro o fondo, iluminando la vereda y/o encandilando al observador (posible cliente).
·       Dejar las lamparitas agotadas durante años, encienden pero no iluminan.
·       Tener un sofisticado sistema de iluminación apagado o mal direccionado.
·       Use iluminación de color para la luz puntual, sobre todo si el color es parte fundamental del diseño que vende.
·       Dejar vidrios rotos o con restos de pinturas viejas, etc. etc.
·       Poner los stickers sobre el vidrio de la vidriera. Hágalo en la puerta. Quien busca un logo lo encontrará. Use los más chicos sin color, en esmerilado.
·       Tratar de limpiar los vidrios uno para ahorrarse el limpiavidrios.
·       Hacer agrupamientos, solo por precios.
·       Escribir los precios a mano. Use un sistema. Es más rápido, queda mejor  y da mejo aspecto al producto.
·       Agrupar varios precios en un portarretratos. Es más fácil y rápido, pero no es claro.
·       Confeccionar los precios al terminar la vidriera; prepárelos antes, no pierda ventas.



·       Poner un precio para dos o más artículos. Confunde y no es honesto.
·       A precios demasiado grandes que tapen características que el público necesita ver del producto.
·       Acompañar el precio con datos innecesarios.
·       Ponerle precios separados a un conjunto cerrado (que se vende todo junto).
·       Achicar el artículo para que entren mas
Productos.    
·       hacer siempre lo mismo, en el mismo lugar. Si tiene dos vidrieras, rótelas. Y de vez en cuando mézclelas. O dedique las dos a lo mismo en la fecha correcta.
·       Superponer artículos, tapando características importantes de diseño.
·       Usar maniquíes: con dedos rotos y mal 
     pegados, restáurelos. Mal parados, no
     les mezcle las bases, cada una tiene un
     número; respételo y verá la diferencia.                                                                              
          Descalzos, maniquíes con ropa de calle
          o fiesta.   
·       Pensar que si compra un maniquí más y lo agrega a la vidriera, va a vender más.
·       En vidrieras deportivas, usar maniquíes de poses que no marquen acción.
·       Usar un maniquí que no responda al rubro y target, los hay para cada especialidad.
·       Corbatas o cualquier artículo en abanicos o pilas. Es demasiado popular y gastado el recurso, abarata su imagen.
·       Brazos y piernas en acordeón. Colocar cinturones como reptiles o con varias ondas o nudos.  (cuanto menos torture al producto, más luce).



·       Caer en recursos trillados: pilas o abanicos de artículos, columna de yeso como soporte, o gráfica plana como fondo y producto adelante.
·       Usar la vidriera como una vitrina que adorna su casa (no decore, ambiente o complemente con accesorios).
·       Armar un altar invocador de ventas (agregados: religiosos, supersticiosos, fetiche).
·       Forrar la vidriera con papel.
·       Poner artículos de muchos colores distintos: hasta tres está bien, cuatro ya es mucho.
·       Pensar que cuanto más colores ponga quedara más divertida.
·       Rellenar los espacios entre grupos de productos con más productos.
·       Armar una ambientación más llamativa que el artículo.
·       La vidriera una estética y el local otra.
·       Descartar  los artículos por estacionalidad si tiene público turista. Que busca cosas de contra temporada.
·       Poner el talle más chico o el tamaño más pequeño. Elíjalo de acuerdo al stock, disponible en cantidad.
·       Poner torsos, maniquíes o bases de igual tamaño, color y forma, uno al lado del otro; alineados de forma demasiado ordenada, rígida y monótona.
·       Mostar el producto muerto, quieto. Frío, solo.
·       Hacer que la vidriera dure más de lo programado, para ahorrar en la inversión que produce.
·        Use cinta adhesiva plástica, mancha, se cae a los pocos días. Peor sobre el producto.


·        Pensar que la vidriera es una bolsa en la que se ponen cosas y cuando no entra más se aprieta todo se agrega algo más y se cierra.
·       Deje que sus exhibiciones de producto acumulen polvo, una vidriera cerrada dura bien un mes; si es hermética dos pero si es abierta o semi cerrada debe repasarse casi a diario use para esto pequeñas aspiradoras inalámbricas y/o plumeros especiales para escaparatismo.
·       Creer que la gente compra los artículos, solo compramos muy pocas cosas por real necesidad. Las compras responden
     a otros motivadores.

Glosario:

Ambientación: toda cosa que no sea producto (no debe ser decorativa) dice algo, comunica un mensaje es expresiva.

Agrupamientos: unión de los artículos generada por una idea rectora. 

Periodicidad: tiempo almanaque de cada vidriera. Frecuencia de cambio.

Superfluo: no necesario, suntuario, más allá del standard.

Suntuario: artículo de lujo. Que no es de primera necesidad. Por su materialidad y calidad constructiva es más caro que el popular.

Escaparatísmo: voz española, departamento visual, que hace vidrieras, vidrierísmo. Arte de provocar el deseo.

Comercialización visual: evolución de la profesión de vidrierista a un concepto más holístico, incorpora elementos de las disciplinas de ventas, marketing y arquitectura. No se limita solo a la vidriera. 


Conjunto abierto: repite artículos (con variantes), da distintas opciones.
Conjunto cerrado: no repite artículos, sin opciones, es así; salvo que las piezas se vendan por separado.

Direccionalidad: líneas fuerza/ritmos de una composición que provocan una dominante de la dirección a seguir con las miradas y el caminar.

Target: grupo de pertenencia que considera varios aspectos (edad, poder adquisitivo, ubicación geográfica, sexo, estética, etc. etc.)

Los datos de este artículo están protegidos por el derecho de la propiedad intelectual © su reproducción parcial o total están penadas por la ley salvo autorización expresa del autor (rupertbrocher@hotmail.com)

Rupert Brocher:

Posee los títulos de escultor, escenógrafo y caracterizador.
Ganador de numerosos becas y premios.
Representó a la Argentina en varios eventos europeos y estadounidenses.
Inventor de “METROPOLIS” en el año 1992, que revolucionó los conceptos de maniquíes alternativos en el mundo del escaparatismo.  
Profesor titular de la UBA – FADU (Universidad de Buenos Aires); docente adjunto en el IUNA - artes dramáticas (instituto universitario nacional de artes); profesor invitado de UdeSA(Universidad de San Andrés); desde el año 1978 dicta cursos de comercialización visual (escaparatismo) en “El Taller” (escuela de oficios con diseño).
Trabaja en comercialización visual desde el año 1974 para importantes marcas en diferentes target y rubros: Dior, Nina Richi, Anne Chabrol, La Coupole, Ferretería Francesa, peleterías Ido Caldana, joyería San Remo supermercados Llaneza y Coto, jugueterías Colón y Duende azul, Geo bazar, Maestro de cocina, Estudios Disney, Bergdorff & Goodman, Gemmini mannequins, etc.








Pop-up Shop o Retail:
Comercialización, crítica, mercado:

Es un concepto que nació aproximadamente en los finales del año 2000, como una salida desesperada de diseñadores emergentes. Para captar un público  que de otro modo les resultaba imposible acceder. Eran clandestinos, nómades y con mucho diseño en sus presentaciones. Ofrecían un producto innovador a un costo justo. Los pequeños locales estaban materializados con elementos reciclados o de bajo costo, pero muy ingeniosos y atractivos. Irrumpían en una playa de moda, en una esquina emblemática, o tomaban un terreno  o sitio para abandonarlo al día siguiente o solo estar allí unas horas. Eran combatidos por los inspectores, ya que no pagaban impuestos ni tenían permisos para la venta callejera.  Estaban rodeados de un ámbito ilegal, como los grafiteros. Algo intermedio entre un mantero y una góndola de  shopping.
Hoy día (2014) el concepto está totalmente aburguesado y aprovechado por las grandes marcas internacionales. ¿Recuerdan Palermo, aquí en Argentina, antes de la invasión de las marcas de moda? o la Feria del Buen Día. NO ES ESO...
En Inglaterra el estado fomenta su implementación con espacios comerciales de alto rendimiento que cede a los diseñadores jóvenes  para una inserción comercial por un alquiler simbólico. Conserva su esencia, no es una feria de diseño a la argentina.  
En Estados Unidos ya son un clásico de marcas internacionales, en las ciudades principales, permisos públicos y pagos  mediante.

También suelen instalarse dentro de grandes tiendas por departamento.


La originalidad en la presentación visual, es capital al momento de exhibir el producto. Debe dar la impresión de ser permanente, pero con materiales económicos.
A la argentina aún no lego masivamente. Seguramente irrumpirá, porque solemos copiar a Norteamérica y Europa. 












En Tokyo, el britanico, Duncan Shotton, se ha inventado una nueva pop-up store y la  instalalo en Cat Street, en el barrio de Harajuku. 
El motivo ha sido promocionar la venta de sus Pins inspirados en la figura de Pinocho.





https://www.youtube.com/watch?v=vHRYFK-3Q0E

https://www.youtube.com/watch?v=3bLgbVSu5aE

https://www.youtube.com/watch?v=PPzTZpFpWqk

http://vishopmag.com/pop-up-store-2/19/adidas-stan-smith  





TINCAN POP-UP RESTAURANT


LONDRES.
Enmarcada dentro de las actividades del Festival de Diseño londinense, la arquitecto, Amanda Leven ha presentado este restaurate pop-up donde latas de pescado y marisco se presenta al público a través de un gran escaparate.
Los clientes que lo desean pueden entrar a degustar alguna de las deliciosas conservas de Portugal, España o Irán, que son servidos directamente en la propia lata. Un restaurante donde no se cocina y que le fue inspirado a Leven durante su última visita a Lisboa.
Tincan estará abierto durante los próximos seis meses.

                                         


                                                                                                                                     RUPERT


Consejos para mis alumnos:

Lamentablemente la globalización, la tecnología y el occidentalismo tienden a borran las distintas culturas, perdiendo más que ganado. No me refiero con esto a valores monetarios, sino netamente culturales. Que son muy ricos y adaptados a creencias y costumbres que responden especialmente a factores, religiosos, climáticos, étnicos; entre otros.
Al igual que nos preocupamos por especies animales y vegetales que se extinguen. ¿Por qué no lo hacemos con la humanidad? Muchos siglos de cultura se extinguen con esta loca utopía de la occidentalización. Tendemos a pensar que la educación de valor, es la occidental, despreciando todas las características particulares de las distintas culturas.
Creo que el mundo va por un camino que se opone a la natural evolución de la especie humana.
Las democracias, no son perfectas si bien son el sistema de mayor consenso popular aceptado internacionalmente. “Describe tu aldea y conquistaras el mundo” ¿Parece carecer de sentido?
Antes, el invertir en educaron era un valore indiscutible. Hoy no son garantía de futuro venturoso. Solo se valora a la gente por sus posesiones materiales. ¿Será el camino correcto a seguir?; ¿Donde queda la espiritualidad?, ¿Soy más feliz, cuanto más posesiones materiales acumule durante mi vida? Por supuesto que dan aparente prestigio y poder. ¿Son reales valores a conquistar?  El goce, el compartir, el saber, la fantasía, el amor, la imaginación. ¿Ya no son necesarios para la especie humana?
Dejo las preguntas abiertas, tampoco yo tengo la solución del problema. Pero creo que el camino marcado, no lleva a un sitio seguro.
La competencia para ser ganador, no lleva a todos a un final feliz. Hay más perdedores que ganadores. Y estos (los ganadores) son un modelo a imitar, no siempre es posible para todos, también c/u tiene sus propias limitaciones. ¿Si no soy el ganador, no sirvo? La educaron, la televisión, el trabajo, nos conducen a la competencia para ganar; y si pierdo, que me queda. El premio (con todas las cosas positivas y negativas) se lo lleva el que gana. Y yo perdedor, ¿con que me quedo? ¿con nada?
Depende de nuestro temperamento para salir airoso, saber perder es muchísimo más difícil que ser el ganador. Nada nos prepara para ser segundos, todo esta pensado para ser el primero, el mejor.
En la familia (o algo que la reemplazo) están las pautas, o tal vez algún maestro excepcional. Si tenemos reales valores, inculcados desde muy temprana edad, sabremos seguir adelante. Si no estamos destinados a pensar en factores como la suerte, el acomodo, la transa, el curro, zafar; como la solución. O sumarnos a alguna de las tantas  y muy cercanas, adicciones disponibles para evadirnos de la realidad.
Y la honestidad, la lealtad, la fidelidad, el trabajo, el patriotismo, la fe, la satisfacción de lo hecho con humildad y pasión; ¿ya no sirven?; ¿Eran mentira? Se que no, entonces, hay que ponerse a trabajar, lento y seguro con convicción y por una causa noble. El reconocimiento llegara solo, sin buscarlo como una meta. 
Hasta la moda esta desapareciendo (siglos de permanencia se esfuman). A partir del año 2000 se esta cambiando por las tendencias, con las cuales estoy totalmente de acuerdo y las considero mas populares, menos elitistas, mas  democráticas. Son un signo más de la globalización.
Nadie, nos regalara nada gratis. El costo por buscar el éxito, a largo plazo puede ser muy peligroso.
Hay que hacer. Hagamos, con una sonrisa sarcástica, sabiendo que es el camino, lento pero correcto.
No se encandilen con las luces de bonitos y brillantes colores, se desvanecen muy rápido.
Los caminos cortos o herramientas rápidas, solo sirven para hacernos creer que llegamos.
Nunca se llega, por suerte es una constante búsqueda.
Estoy en mi techo; o sea que ya no tenes ninguna aspiración, con esto te conformas, más allá es imposible llegar. Que triste futuro. Siempre hay que pensar que podrían superarse y elevar el cielorraso. Tu como ser humano y por consecuencia tus obras.
      
                                      
                                                                                                                     Rupert.






“ADHERENCIAS”


Solo es una clasificación de volumen indumentario, que nos será muy útil para comunicarnos.  No es 1ra, 2da y 3ra piel por superposición. COEXISTE CON ESA DIVISIÓN DE CAPAS.

PONE EL FOCO EN LA DISTANCIA DEL INDUMENTO A LA PIEL



CONTENEDOR       3eras. Pieles,  abrigo amplio, poncho, capa, prótesis. Muy lejos de la piel del humano que lo porte. Generalmente de telas  planas gruesas. Se da en alta costura.                              


INTERMEDIA           Sastrería. Pret a porter.   No aprieta, ni es amplio. Generalmente de telas planas.


REVESTIMIENTO   Ropa interior. Algunas deportivas. Algunas tipologías  para jóvenes. Calzas. Esta en contacto con la piel del usuario. Generalmente telas de punto con elastómero o tafetán al bies.


COMPRESIÓN         Trusa, faja, corsé, cinturón, corselete, corpiño reductor, bincha. Cintura de las  
                                   tipologías, puños.
Aprieta sobre el usuario. Posibilita modelar, cambiando el cuerpo.


Hay tipologías y líneas que comparten distintos grados de adherencia.
Generalmente todo lo apretado (revestimiento y compresión) denota: ordinario, barato, mersa, cahi; salvo que sea en un cuerpo y/o actitud muy sexy o se use para modelar.                                                                                            







RECURSO:

En 2013 comenzamos una nueva etapa dentro de la cátedra, eliminamos varios pasos en el proceso que el alumno hace para llegar al diseño. Eliminarlos es una extraña denominación ya que están incorporados en nosotros y los seguiremos usando, tal vez no tan racionalmente. Incluso en algunas ocasiones el docente les pedirá alguno de dichos procesos (por que, notara falencias).
Por la experiencia acumulada y los tiempos que corren, decidimos simplificar nuestro método hacia un abordaje más emotivo y menos racional.

¿Qué es un recurso constructivo indumentario de diseño?  Algo que nos sirve para dar una estructura al indumento. Pretendemos que no sean los tradicionales y archiconocidos recursos existentes en el mercado hace ya varios siglos (costura, sisa ovoide, tiro por curvas, pinza, tabla, frunce, ojal/botón, cremallera, etc. Queremos que sean otros sin nombre aún, también deseamos que no sean muchos, solo unos pocos bien aprovechados. Para una prenda o pequeña  serie uno, para una colección tres es suficiente, que deriven de uno solo (con variantes).
El  buen diseño (salvo honorables excepciones) se caracteriza por la economía de recursos (al igual que la naturaleza): Simplicidad, satisfacción, originalidad, asombro, innovación, sustentabilidad, alto impacto, placer, coherencia, continuidad, lógica, ser agradable, orgásmico, cómodo y despertar el deseo de posesión/uso/admiración.

Si seguimos fomentando el uso de múltiples y ya antiguos recursos, no estamos apuntando hacia la dirección correcta.
Si se pueden resolver problemas de una manera más sencilla, para que seguirnos complicando, usando lo que resolvieron otros. Creemos nuestras soluciones.

A partir de una sensación/percepción elaboro un cuadro de idea (apunte ad- hoc) luego pienso en la materialidad ideal para hacerlo, o una acción manual a ejercer sobre una materialidad inexistente, o creo una materialidad para mi acción, o a partir de la observación de la naturaleza recreo un proceso morfológico. O, o, o, o, o (los “o” son infinitos).

Desde muy pequeño yo Rupert Brocher vengo experimentando dichos procesos con bastantes buenos resultados. Y quiero compartir ese conocimiento con ustedes, mis alumnos. Pienso que esta es la mejor manera de hacerlo, explicándoles como llego.
Por supuesto que hay otros caminos. La cátedra Brocher los guiara por uno, el de ustedes de la mano de mi experiencia.
Un solo recurso fértil, aprovechado en sus máximas posibilidades, nos nutrirá para que nuestros diseños crezcan.
LA MATERIALIDAD NO GENERARA UN BUEN RECURSO EN TU MENTE, SI EN TUS MANOS( JUGA EXPLOTANDO SUS CARACTERISTICAS).   
Dentro del Método Brocher limitamos las características de los recursos durante 15 años, ustedes mis alumnos me contradijeron y mostraron que estaba limitado y terco (yo los trataba de llevar por el camino que recorrí) y algunos me deslumbraron mostrándome que podían resolver, rompiendo limitaciones. Alumno dijo: las reglas están hechas para romperlas, dice uno de sus apuntes). Gluck.

Por lo tanto: no les daremos limitaciones en las características del recurso, a menos que nos demuestren que pueden generar forma = línea,  volumen para rodear el cuerpo y cumplir funciones y resistir la vida útil, cumpliendo con las exigencias del ejercicio.
Durante el proceso de enseñanza/aprendizaje algunas cosas se dejan inmóviles para poder trabajar sobre ellas.

Para los que lo precisen, los ayudaremos a llegar a crear un recurso técnico constructivo orientándolos  hacia  un camino hacia el diseño feliz.

Al momento de diseñar es muy probable que tengamos que usar algún recurso de los históricos, no te desanimes…es así, no todo cambia, por suerte; algunas cosas permanecen.


                                                                                                                                          
                                                                                                                                 R.B.

                                                                                                                                                                                                                                          


Targets: 

Los targets están compuestos por varios indicadores: edad, sexo, nivel educativo, poder adquisitivo, raza, ubicaron geográfica, ideas religiosas, pensamiento político partidario, país de residencia, etc.
Básicamente los podemos dividir en alto intermedio y bajo.

Estos datos están extremadamente caracterizados para una fácil y comprensible categorización, por supuesto que hay excepciones y personajes que no encajan, se trata de una media standard, extremadamente caricaturizada. Para enseñar y que se pueda aprehender de los ejemplos, se exageran las diferencias.

Los targets altos generalmente compran mensualmente artículos perecederos en su país. Anualmente o semestralmente en el exterior la mayoría de los artículos y servicios que consumen. Semanalmente compran alguna cosa que no posean para ellos. Para regalar no suelen hacer grandes gastos, salvo por amor o interés. Toman muchas mini vacaciones durante todo el año. Poseen varias residencias. Son bastantes amarretes, buscan ofertas y promociones.
Pueden llegar a contratar un cantante popular y masivo para festejar su cumpleaños de 50, porque les parece divertido o para parecer más populares. O comprar una imitación, usarla y mofarse de los que la ponderan, y así medirlos. Suelen tener mucho pudor.
Los podemos dividir en dos grupos:
1) los que siempre tuvieron dinero (aristócratas, familias patricias, dueños de las tierras y propiedades, relacionados con grupos de poder). Se vestirán de un discreto Armani, Hermes o a medida. Son: clásicos, religiosos, conservadores, tradicionalistas, simétricos, controladores, medievales y/o victorianos, moderados, rígidos, inflexibles, les espanta hacer el ridículo o que sean señalados por algún exceso, hablan susurrando. Les interesa la cultura, la difunden y admiran poseerla. Juiciosos, clasistas, falsos, no muestran sus emociones en público. Usan y consumen colores desaturados de una paleta media, muy pocos estampados pequeños, telas jacar de pequeños dibujos, les interesa muchísimo la calidad y las materialidades naturales o inteligentes de excelencia mundial.
Mente cerrada obtusa y nada flexible. No alardean de lo que poseen. Si se empobrecen se suicidan o enloquecen, o dejan morir sin luchar. Su intolerancia no les permite resurgir o acomodarse a una nueva realidad más austera. Al varón no le preocupa su indumento, la mujer lo critica y reta, ella estará impecable a toda hora aún en la intimidad. Suelen tener grandes colecciones, heredadas e incrementadas por ellos si les apasiona el tema, si no empezaran otra Ellos mismos, la cuidan celosamente pero no la exhibirán mucho.
No necesitan ahorrar, tienen más dinero del que gastaran en sus vidas.
2) los nuevos ricos: personas que obtuvieron mucho dinero en poco tiempo. Se vestirán con un escandaloso Versace (para que se note). Son: barderos, gritones, sinceros, llamativos, abiertos, desprejuiciados, derrochones. Usan muchos colores saturados con alto contraste. No les interesa la cultura ni valoran quien la posea. “Son” porque tienen. Desprejuiciados, mente abierta de amplios criterios posibles. No compran imitaciones.
Disfrutan regalar. Alardean de lo que tienen y van a adquirir. Coleccionaran muchas cosas y las tendrán en exhibición pública y/o privada. Si por alguna razón pierden su fortuna, se pueden rearmar con menos.

Los de clase media compran semanalmente artículos perecederos, y cada mes destinan una parte de sus ingresos a darse ciertos gustos. Salvo en fechas que tengan otos compromisos (viajes,  muchos cumpleaños, festividades religiosas, inicio de clases, etc.).
Semestralmente o anualmente se toman vacaciones. Pueden gastar uno o varios sueldos en un artículo suntuario (cartera, abrigo, celular etc.) que se ocuparan de exhibir frente a las narices de quien sea. Tratan de no comprar imitaciones, si lo hacen tratan que no se note. Poseen una limitada capacidad de ahorro. 

Targets bajos: compran artículos perecederos diariamente, no pueden hacer gastos en objetos superfluos. No pueden ir de vacaciones pero hacen su fin de semana en familia.
Compran muchos bienes de bajo costo. A veces compran artículos de  targets medios y también altos, para lo cual gastan lo que no tienen (zapatilla, televisor, smatfone, etc.). No tienen capacidad de ahorro. Usan grandes estampados de colores. Suelen tener hábito de desgracia adquirida. No posen cultura y no pueden adquiría aunque quieran. Se alimentan muy mal por la falta de dinero.
Son soñadores e imaginativos. Ocupas o alquilan, no son dueños. Les preocupa mucho su ropa. Tratan de estar a la moda limpios y muy prolijos para ir a trabajar. Se cambian al llegar a casa para aumentar la durabilidad indumentaria. Acumuladores. Compran elementos de segunda mano. Si se hacen de algún dinero, lo gastan rápidamente.



Como diseñadores indumentarios tenemos que estar muy cocientes a que grupo nos dirigimos, para tomar las decisiones correctas.

Un diseñador tiene que conocer y tratar con todos los targets, para no limitar sus rangos, poder elegir y no equivocarse.




                                                                                                                              Rupert Brocher









PENSAMIENTOS ACERCA DE VIRTUALIDAD Y DISEÑO


ILUSIÓN no es igual a FANTASÍA

Una cosa es creerse que algo falso es cierto, y otra buscar otras realidades.

La física cuántica explica que buscar otras realidades, es posible.


Un avío, una materialidad, pueden remitir a algo real, un objeto, una situación de la vida real. 
Otra cosa es pensar que SON ése algo, refabricar ése algo en la prenda. (VOLVER A REALIZAR TRIDIMENSIONALMENTE EL OBJETO QUE SE PRETENDE EVOCAR)

(Analizar el concepto estético filosófico de REPRESENTACIÓN)

ENTRARÍAMOS EN UN DEBATE ACERCA DE
Las diferencias entre el hiperrealismo y la realidad.

DEFINICIONES DE DICCIONARIO

ILUSIÓN: imagen formada en la mente de una cosa inexistente tomada como real.

FANTASÍA: imaginación creadora, o sea la facultad de la mente para representarse cosas inexistentes, particularmente para inventar seres y sucesos y crear obra literaria y de arte.



(DICCIONARIO DE USO DEL IDIOMA ESPAÑOL, María Moliner, 2007, editorial Gredos)

                                                                         PROF. MONICA CARRO                              
                                                                                                                                                                      





Videos muy interesantes relacionados con impresoras 3D.

Charlas TED y TEDxRíodelaPlata:
TED: Anthony Atala: Imprimiendo un riñón
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Objetos bellísimos impresos en 3D: Bathsheba
Impresora 3D hogareña The Cube
Impresora hogareña Makerbot Replicator
Sitio de Escaners 3D
Objetos para bajar e imprimir de The Pirate Bay: Physibles
Discovery: Imprimiendo bikinis!
Imprimiendo muebles: Freedom of Creation
Software de Google para diseñar casas – Google Sketchup
Impresión 3D de piernas prostéticas
Sitio de Made in Space
Imprimiendo en 3D en el espacio
Subí tus diseños y ganá plata!: Ponoko

LISTA RECOPILADA POR LA Dis. DANIELA BRECHIA.




Acerca del vestuario espectacular
por Dis. Estela Sens









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IUNA: instituto universitario nacional de artes
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PEQUEÑO ENSAYO DE CLASIFICACIÓN INDUMENTARIA:
                                   Del 1900 a la actualidad y algunas anteriores.

Los datos de este artículo están protegidos por el derecho de la propiedad intelectual © Su reproducción parcial o total están penadas por la ley, salvo autorización expresa del autor (rupertbrocher@hotmail.com)

             Dirigido al uso educativo  espectacular (del ámbito escénico), para estudiantes de actuación y dirección teatral. Hay muchos modos de clasificación: por uso, función, textura, tipología, época, estilo, línea o forma, alfabética, temporadas, etc.
            A cada tipo de indumento particular se lo llama tipología, cada tipología tiene características generales y particulares que hacen que sea esa y no otra.
            Para cada personaje podemos optar por vestirlo de una manera realista o fantasiosa. De cualquiera de estos dos temperamentos posibles el indumento será significante y nos hablará de la psicología del personaje a escenificar.
             Las diferenciaciones por género varían con los/ tabúes/costumbres/ filosofías/sociologías del momento. Y el gran corte aún existente entre oriente y occidente.

Prendas de indumentaria agrupadas por ubicación corporal:

Cabeza:
Vincha: circular o semicircular, rígida o flexible, visera linotipista, visera translucida para protección solar.
Gorra: con o sin visera de paño, tejida en lana o trenzada en fibras más duras, con o sin orejeras, con o sin atrape por debajo del cuello, frigio, gorra impermeable, gorra de baño. Gorro marino, birrete, gorra montañesa, gorro para dormir, gorro de bebé, militar, cofia circular, de béisbol, oriental (caja de pastillas muy pegada), pasamontañas, de piel de zorro con la cola del animal en la nuca (Daniel Boom), etc.
Tocados: turbante, bandanna (pañuelo o trozo de tela con o sin visera adjunta para protección de la arena en desiertos o playas), cofias parciales, capucha, caperuza (capucha en punta, cono con agujeros para los ojos, verdugos, ku-kux-clan, autos de fé), tocados decorativos a base de telas y adornos.
Cascos rígidos: guerra, de uniformes (bomberos y policías de principios del siglo XX), deportivos (moto, bicicleta, escafandra de buceador), de personajes mitológicos, etc.
Sombreros: rígidos, flexibles o mixtos.
  • Hombre: rancho o canotier 1920/30 (de paja natural para verano o pintado de negro en invierno. Maurice Chevalier o gondoleros que aún lo usan con cintas lagas), orión (ala mediana enrulada), boina (vascos), chambergo (Gardel), Panamá o jipijapa (muy flexible), hongo o bombín (Chaplin), galera (copa alta, deshollinador), tirolés, chistera (galera plegable), ruso o cosaco (de piel o paño, de 2 ó 4 viseras). Tricornio, de pesca, torero, mitra, bonete (si es rígido: cumpleaños, hada, Pierrot; si es blando: dormir, esquiador, altiplano), turco (cono truncado rígido con pompón desde cordón), marinero (de algodón blanco, cono truncado semi rígido, con ala muy levantada) coquito/piluso, casquete (muy pegado al cráneo. Puede tener distintas molderías, materialidades y usos), turbante (en la India), y otros.
  • Mujer: capelina (ala muy ancha, generalmente para el verano), cloche (muy pegado al cráneo 1920/30), pillbox (caja de pastillas) ejemplo: J. Kennedy, bruja (cono negro rígido con ala chata y corta, cinta con hebilla al frente), coronas (reyes, de metal y piedras preciosas, o también de vegetales y plumas), tiaras (princesas o aristócratas), turbante (de  simplificación de inspiración oriental, 1910 y 1950), etc. El sombrero es la corona de los pobres, da altura, dignidad y destaca.

Accesorios de cabeza:
  • Temporarios: aros, pendientes, pelucas, mantillas, mantos, peinetón, hebillas, peinetas, piercing, alfiler para sombrero, anteojos de sol o aumento, antiparras, parche pirata, monóculo, lentes pellizco (sujetan sólo sobre la nariz), impertinentes (lentes de mano), voilette (encaje muy calado, generalmente negro que vela el rostro sostenido desde el sombrero), chador (tela espesa que cubre el rostro, maquillaje y/o caracterización, mascaras, antifaz, caretas, auriculares, protectores de orejas (frío, ruido), cigarrillo, habano, pipa, boquilla para cigarrillos, elementos dentro de la boca, hoja de tabaco o coca, escarbadientes, chicle, etc.
  • Permanentes: tatuajes, incrustaciones, lunares, pecas, cicatrices decorativas o accidentales.
Cuello: collares, gorgueras, gargantilla, cadenas, bufanda, colgante, cepo, corbata, corbatín (cinta tubular delgada y larga, de algodón o cuero con herraje de metal o hueso), moño, plastrón (corbata muy ancha con nudo sin pasar), cuellos: de piel, pedrería, bordaos, tejidos, de tela o combinados, bandanna (cowboy), pañuelo, boa de piel / plumas/ tul (echarpe cilíndrico largo y etéreo), condecoraciones, grados militares o eclesiásticos, gomera, chupete, cinta de la que cuelga alcanfor, catalejos, prismáticos, walkman,  MP3, i Pod, etc.
Torso:
  • Hombre: camisa, tiradores, morral, remera, chomba, camiseta (su uso se popularizo a partir de la película “Un tranvía llamado deseo” de 1951, con Marlon Brando), chaleco, cardigan, saco, arnés, polera, poncho, pullover, buzo (de tela de punto abrigada: frisa), ballenera (camiseta de red abierta), musculosa (sin mangas), arco y carcaj con flechas, escopeta cruzada en la espalda. etc.
  • Mujer: blusa, top, corpiño, faja, corsé, bolero, ruana, bustier (faja por debajo de la línea del busto, similar a un corselete pero más alto), body, malla, etc.
Hombros: alforja, chal, pashmina, capa, hombreras, charreteras de tela con botón/ broche de presión (camisa sport) o con flecos (granaderos), mascota, estola, breteles, manta, mañanita (abrigo generalmente tejido corto a modo de capa, exclusivamente femenino que se lleva encima del camisón que remata con moño adelante), cartera, etc.
Brazos: manquínes linotipista, mangas: acuchilladas (con cortes que rememoran la guerra y debajo dejan ver tela blanda  y suntuosa, seda), jamón, pegada, larga, corta, 3/4, campana, japonesa (sin sisa, sale del torso), con o sin puños, luto para el hombre (franja de cinta negra en el brazo izquierdo a la altura del corazón, o mas pequeña sobre la solapa y en diagonal) para la mujer vestir de negro absoluto por un determinado tiempo y luego podía pasar al medio luto, los tiempos variaban de acuerdo al grado de parentesco con los difuntos.
Muñeca: bolso de baile, pulsera, gemelos, reloj, cadenas, grilletes, cepo, abanico, máquina fotográfica, bastón colgante, puños, correa, libro para conceder distintas danzas (bailes a los caballeros), impertinentes.
Mano: anillos, dedal, dedil, uñas postizas, manguín (tuvo de piel para calentar las manos), guantes (si no son de abrigo o parte de un uniforme, denotan una tarea delicada a realizar, o muy buenos modos). Hay tareas que se realizan con un solo guante (golf, baseball, vidrieras, cetrería). Luego de la película “Gilda” de 1946, con Rita Hayworth, los largos ganaron significación erótica: báculo (del Papa), cayado (San José, pastores),
bastón (denota vejez/accidentado/invidente/varieté/elegancia/poder, depende la forma/color y de cómo se lo porte o use), cetro, paraguas, parasol, sombrilla, estandartes, herramientas, barita de mago (negra y corta con pequeñas terminaciones), barita de hada (corta delgada y con una estrella en la punta). Elementos que caractericen (director de orquesta: batuta), manoplas, mitones, mangas largas que tapen la mano, portafolios, carteras, bolsos, valijas, entre otros.
                         Utilería de mano que se porta en el indumento dentro del bolsillo: pequeña cajita con rapé (droga social francesa, mezcla con tabaco y pimienta que producía arcadas de placer terminadas en  estornudos), cartas, dinero, billetera, monedero, pasaporte, petaca (pequeña botella con licor o bebida blanca).
                         E innumerables accesorios que no deben ser decorativos sino funcionales a la acción. Describirnos el personaje para ayudar a componer desde el vestuario, su teatralidad. Ejemplo: todo indumento que arrastre al piso desde la mano (cartera, bufanda, abrigo) expresa un sentimiento de cansancio, dejadez, inconformidad. No sólo es el vestuario, sino cómo se porta.  
Cintura: cinturón, corselete, trusa, porta teléfono, faja (españoles, vascos), bandolera. Puñal, facón,  porta espada, porta sable, rastra, boleadoras, llavero, cuenta ganado, presillas (pasa cintos), soga, cadena, martingala (cinturón suelto por detrás de una prenda), etc.
Pelvis o cadera:
  • Hombre: tapa rabo, calzoncillo, slip, suspensor, carajera (suspensor de cuero/seda/algodón/lana, se ve entre las media durante el medioevo y asoma ente los greguescos; en la actualidad usado por los boxeadores y los leather), greguescos (bonachón corto de línea aglobada: Solís), pantalón corto, bermudas, etc.
  • Mujer: bombacha, faja, conchero, delantal, sobrefalda, polizón, monoquini (maya de playa de bombacha alta y breteles muy finitos cruzados por el medio del busto o en la espalda, 1964), minifalda, calza. Mini-shorts o hot-pants, mal llamado portaligas (en realidad es porta medias), pañoleta anudada a un costado de la cadera, etc.
Piernas:
  • Hombre: calzas, medias, pantalones, ligas bajas, botas altas para pescar, guardamonte o chap, etc.
  • Mujer: medias, can-can, medibachas, falda, pollera pantalón, ligas altas, enaguas (bajo falda de armado, evitar translucidez/adherencia por textura o estática  o roce de faldas sin forro), babuchas (pantalones amplios de origen árabe), miriñaque (estructura de alambres cintas y mimbre que arma una falda con mucho volumen por debajo de las enaguas), etc.
Pie: zapatos, zapatillas, botas, hojotas, coturnos, sandalias, pantuflas, medias cortas, anillos, mocasines, galochas (de goma o plástico, protegen el zapato de la lluvia; las hay para zapatos de taco alto con su correspondiente agujero), polainas (nexo de tela ente el calzado y la media, avío de botoncitos); también tejidas como calentadores para deportes o niños, uñas pintadas, botines, borceguíes (botas cortas), escarpines, pie desnudo, pie con telas atadas (abarca), bota de potro, zapato de golf, balerinas (calzado chato casi sin taco ni cordones, chatitas (lady Diana mientas fue esposa real), guillermina (calzado con pulsera y botón), abotinado (con cordones), bicolor (Chanel), Oxford (masculinos bicolor picados 1920/30), náuticos (abotinados de cuello bajo, cuatro ojalillos y cordón plano que da la vuelta por detrás del talón. Dr. Martin´s); marca comercial, cordones y costura amarillos que contornean al calzado), etc.
Tipos básicos de taco: Luís XV (curva y contra curva), Luís XVI (recto), trotteur (alto intermedio y cuadrado), bajo o chato, chino (taco sin instertício con la suela), aguja (muy alto y delgado), plataformas, entre otros.

Componentes indumentarios más comunes: 

Avíos: todo lo que no sea la tela exterior.
De acceso y/o cerramiento: Abotonadura (ojal, botón), alamares, broches de presión. Velcro, imanes, cremalleras o cierres relámpagos, lazos para nudos o moños, ojalillos y cordones, ganchos de macho y hembra, correas y hebillas, alfileres de gancho (para el kilt o los darks, también los punk).
Cuellos: al ras (redondo, recatado: hijas de Bernarda Alba, menos Adela; Stella de “Un Tranvía”…), en V (lady Macbeth), alto con volados/puntillas pequeñitas como terminación Bernarda (estilo victoriano), bote (horizontal, da sofisticación), en U (si no es profundo o alto, es neutro), de un sólo bretel en diagonal (da dinamismo), cuadrado (da carácter estricto, estructurado), espejo (da perfil antiguo pero atrevido), buche de pavo (drapeado, da aspecto señora mayor), Mao, alto (polera), profundo (Blanche), Napoleón (cuello separado de la solapa), con cartera, marinero, bebé (“Alicia en el País de las Maravillas”), Isabelino (alto e importante), sastre (cuello y solapa), pañuelo, palomita (de camisa, hacia arriba y con las puntas dobladas, moño, solapa -vista que gira y se convierte en solapa)  
De confección: vista (tela que da la vuelta y termina antes del forro, o terminación), costura, pespunte, termo sellado, vácum (empujado con calor), inyección (colado a presión), pinza, cartera con avío de acceso, fruncido, tabla, tabla encontrada, tajo, dobladillo, botamanga (alforza en el bajo), bajo (doladillo del pantalón), sisa (manga pegada, ranglan, japonesa), tiro (alto, bajo, superbajo), drapeado, godet, desahujado, tejido, collareta, volado, canesú (pieza de reesfuerzo en la altura en el torso), cambrado (en curva), bastilla, caderín, solapa, bolsillo plaqué (chato y por fuera), tapa bolsillo, presilla (pasa cinto), bragueta, quilla (pieza triangular incrustada en un tajo o entre la unión de dos paños), procesos de tintorería, plisados, tableados, mosca, atraque, remiendo, parche, remache, tacha, martingala, alforza, etc.
Forros: pieles/matelaseados o tafetas, bolsillos de seguridad, entretelas, miriñaque, reesfuerzos interiores (hombreras, sobaqueras, taloneras, fundillos), etc.
De adorno: flecos, madroños  (flecos anudados con efecto de pequeñas esferas en línea, típico de los sombreros españoles), pasamanería (galones trenzados en hilos brillantes), puntilla, bordado, estampado, pintado, aplicación, etc.

Recursos de conformación textil:

Formas de corte: bies (al sesgo, en 45 grados del hilo, al caer hace godets, genera mucho desperdicio pero da una caída única), hilo, medio bies, láser, tijera, encimadas, tijera eléctrica, desgarro, etc.
Molde o patrón: distintas piezas planas (de papel cartón o madera) desde las cuales se pasa de la forma al género,  para luego cortar, unir y conformar un indumento que es tridimensional, que no es autoportante (que se sostiene a sí mismo), para eso necesita del ser humano o un emulo (maniquí, pelele, humanoidee).
Telas o géneros simples o popularmente conocidos: los hay duros, blandos, traslucidos, pesados, livianos, opacos, brillantes, lisos o trabajados; lo importante además del color y el presupuesto es la textura (calidad de materialidad y superficie que deben ser acordes a los personajes). Para referirnos inequívocamente sobre una tela debemos tener tres aspectos a considerar: ligamento, materialidad y color. Ejemplo: raso de seda blanco, terciopelo de algodón negro, bouclé de ántron verde mélange (tres matices bien distintos de un mismo color, mezclados).
Rapport: dibujo a repetición con calce horizontal y vertical (continuidad); puede ser estampado o jacquard. Cuanto más grande el dibujo mayor desperdicio.  
Tafetán (ligamento basico de trama y urdimbre), raso, arpillera, fieltro y pañolenci (tejidos no tejidos, pelusa presionada), batista, encaje, broderí, corderoy, estampada, jacquard (el ligamento hace el dibujo, generalmente usadas en tapicería), loden (paño de lana austriaco liviano muy abrigado impermeable de fórmula y procesos secretos), organdí (tejido transparente y rígido de ligamento tafetán, generalmente blanco, muy usado para cuellos), voile (lisa translucida muy usada en cortinas y camisería fina), satén (lisa lustrosa brillante y muy suave al tacto), imitación de (emulación manual o de fabricación en serie), casimires: Príncipe de Gales, gabardina (ligamento de diagonales), sal y pimienta, ojo de perdiz, cuadrillé o pie de poule, tweed (tela rugosa de aspecto telar manual tejida con títulos gruesos), espigados, paños, etc. Son las telas con las que se confecciona la sastrería. A rayas, cloqué (ligamento que produce ondas por diferencia de tensión al tejerlo), crepé (tela rugosa), tartán de los Mac (a cuadros, escocesas), tul, crinolina, gasa, sarga, tafetán, poplin, mezclilla (fibras naturales y artificiales mezcladas), chantú, panamina (parecida a la arpillera pero mas dura y clara, imita la materialidad del sombrero panamá), cretona, chintz (algodón brillante), gros, terciopelo, pana, brocato, bouclé (textura de pequeños rulitos), polar, gasa cristal (sintética dura y brillante), chiffon (parecida al terciopelo pero de pelo mas corto duro e irregular, no tan plana), devoré (proceso de comer con acido una pelusa pegada y así conformar un rapport. etc.
Telas inteligentes: de última generación, tejidos con prestaciones especiales que superan las conocidas. Dryfit, antimanchas, antibacterianas, de fibras huecas rellenas con microcapsulas, termosensibles, termocontraibles, con trama y urdimbre como conductores electrónicos, etc. Se logran por el uso de nuevos materiales/tecnología y por innovadores procesos de tintorería.
Procesos de tintorería: arrugado, teñido, oxidado, lavado a la piedra, muaré (tafetán con ondas que dan distintas luces), cardado (da rugosidad y opacidad), bondeados (pegados), impermeabilizado, almidonado, parafinado, etc.
Ligamento: punto en el que se teje la tela. El tafetán es el básico (telar simple).
Titulo: grosor de la del hilo con que se teje la tela. Que puede ser de 1, 2, o más cabos, con o sin torsión. Se clasifica por números, los gruesos son más grandes.
Materialidades posibles: para la totalidad o la parcialidad o también para el proceso de fabricación.
Naturales:
  • Animales: plumas (edredones/almohadas o camperas rellenas de las plumas del pecho del ganso), cuernos y caracoles (botones), huesos (botones, agujas), gusano de seda, camellos, guanacos, llamas, vicuñas, alpaca, ovejas, crin (pelo de caballo), cueros, pieles (zorro, nutria, conejo, liebre, ante, armiño, carnero, chinchilla, gato, leopardo, mono, vaca, pecarí, nonato, cebra, cocodrilo, serpiente, jacaré, caimán, peces, oveja, gamuza, ciervo, caballo, perro, conejo, chancho, etc.). Plumas (decorativas de pavo real, gallinas, gallos, faisanes perdices, avestruces, etc.), cochinilla y tinta de calamar o pulpo como tintes naturales, pesuñas como cascabeles o botones, etc.
  • Vegetales: algodón, yute, lino, cáñamo, madera, sisal, roble (imitación seda), remolacha/cúrcuma/azafrán y cebolla para tintes, arroz (antiguos almidones), caucho (goma, antes de los elásticos), baquelita, látex, etc.
  • Minerales: amianto, aluminio, hierro, bronce, cobre, oro, plata, piedras preciosas, semipreciosas y comunes, mármol, alabastro.

Artificiales:
  • Derivados del petróleo: fibras o tejidos o superficies o materiales para inyección, sintéticos. Rayón, poliamida, poliéster, nylon, bánlon, ántron, viscosa, polipropileno, seda artificial, plásticos, charolados, acrílico, acetato, microfibras, cueros reconstituidos y/o sintéticos, elastómero (lycra), anilinas aldehídicas, fibra óptica, fibras huecas, etc.

Tipologías comunes: que cubren el cuerpo entero: impermeable, catsuit o malla entera, overall, sobretodo, tapado, capa, mortaja, toga, túnica, mono o enterito, osito, hábito, sotana, kimono, deshabillé o salto de cama, robe de chambre, etc.
De trabajos específicos: barbijo, uniforme, astronauta, mecánico, ambo, delantal (de cintura, cadera, con pechera, cuerpo entero), máscara para soldar, máscara anti-gas, jardinero, casulla (pieza exterior, puede ser muy decorada, típico del indumento eclesiástico de la religión católica, cachiporra (policía), cofia (enfermera), guante de argollas de metal (carnicero), zapatos descartadles de fliselina (lugares esterilizados o de riesgo de contaminación), etc.
Tipos de saco: sinónimos: blazer, chaqueta y americana. Derecha o cruzada, de 1,2, 3, 4, 6, 8 ó 10 botones. Levita (saco largo), frac (saco con cola que no se abrocha, se complementa con chaleco bajo claro y moño, nunca con corbata), smoking (un sólo botón, solapa brillante), bolero (muy corto), caza (lleva reesfuerzos de cuero en el hombro para amortiguar el culatazo del arma de fuego y en los codos), urbano, sport (generalmente nunca es liso), verano (medio forro o sin él), con abrigo desmontable, safari (con bolsillos plaqué con fuelles y cinturón), tirolés, (cuello Mao, cintura marcada, martingala, tabla encontada, botones de asta, madera o cuero), militar, gamulan (de cuero de oveja con la piel hacia adentro), cardigan generalmente blando, sin forro y con vivos (muchos son matelaseados o de paño de lana muy cardado), robe de chambre (saco largo con cruce de bata con cuello y puños importantes, cinturón con remate de importantes borlas (generalmente de seda para usar dentro de casa o ante la presencia de personas de suma confianza), etc.
Tipos de falda: evasé, al bies, al hilo, en gajos, recta, campana, plato (1950), medio plato, con quillas, entubada, larga o maxifalda (de los 60), corta, supercorta (minifalda, 1960), intermedia, pollera/pantalón, fruncida, con volantes o volados, de flecos (años locos charlestón), con polizón (1900), globo, sirena, cruzada, etc.
Tipologías de pantalones: usado como pantalón sólo después de la revolución francesa (antes eran calzas o culotes, y cada pierna estaba por separado. Recto, mal llamado pinzado (son tablas),  paltazo, vaqueros, tejanos o jeans, pescador, bermuda, shorts, chupitos (de tela con rebote), entubados, cortos, largos, ¾, bombachon, greguescos, con talonera, tiro bajo o alto, tiro superbajo (oriente, en la cintura tiro muy largo o raperos, tiro normal, cintura en la 2da cadera ), súper bajo (años 2000), Oxford o pata de elefante, britches (montar/Hitler), cargo (muchos bolsillos con fuelle), de golf (amplio hasta las rodillas y después ajustado, Tintín), marineros (con bragueta de dos cortes con o sin botones pero con un puente que une la cintura cortada), náuticos (cintura sin cortar, elastizada, rectos, generalmente sin bragueta).
Tipologías de vestidos: varían según su corte/forma/ocasión de uso/características especiales, etc. En la antigüedad las piezas se hacían y usaban por distintas combinaciones: las mangas, la falda, el corsé, la blusa, las enaguas, el miriñaque; son todas piezas independientes y separadas unas de otras, en su evolución se transformaron en una sola pieza. Chemise (con botones al frente), soirée o fiesta (muy importante, sólo para la noche en una ocasión muy especial), baton (entre casa), corto, largo, infantiles, new-look (Dior, cintura ajustada y  falda campana), strapless (sin breteles),  entubados, línea sirena (Morticia Adam’s, vestidos “Delphos” de Mariano Fortuny, 1907) urbanos, Jacqueline Kennedy (sencillo, pinzas de entalle y busto unidas), soleros (verano con breteles), cóctel (importante, no es largo y se usaba desde las 18 a las 21 horas aproximadamente), charlestón o rectos (1920/30 con breteles), corte princesa o imperio (cintura abajo del busto, tipo Josefina o Remedios de Escalada), robe manteaux (vestido con mangas hecho por un sastre, generalmente con cuello y solapas), sastrería (indumentos muy estructurados de tres capas: tela base, entretelas y forro), etc.
Sobretodo: abrigo masculino generalmente usado sobre el traje, por lo tanto es amplio y de grandes sisas. Loden (abrigo generalmente verde, característico de de Austria y la zona del Tirol: norte de Italia, Austria, Alemania, con gran tablón encontrado en la espalda de línea levemente évase. Clásico: oscuro, derecho, largo y de confección sastrera). También puede ser claro, en cuyo caso es de pelo de camello, gabán (abrigo corto hasta la altura de la mano aproximadamente -1960- línea recta cruzada o derecha y simple, Etc).
Mujer: se los llama tapados, suelen ser amplios con o sin grandes cuellos y puños. También pueden tener sobrecapas cortas. Redingote (muy entallado en la cintura con o sin cinturón del mismo género y de línea evasé (típicos de 1950, para poder usar encima de las grandes faldas). Trench (saco recto o cruzado, unisex con cinto del mismo género, de tela impermeable o gabardina de lana).
Camperas: Burberrys de algodón encerado (muy inglesas con interior desmontable a cuadros, con cremalleras en los laterales para poder andar a caballo y cuellos hechos de corderoy), motoqueras tomadas de los modelos de los pilotos aéreos ingleses y norteamericanos de la segunda guerra mundial desde los años 1950 (James Dean). La reviven los teddy-boys, punks, skinheads y los leather desde el `80, de jean (cortas y con fuelle entre la espalda y las mangas), deportivas (muy simples, de tela sintética liviana o de frisa de algodón), para los polos (impermeable con capucha e interiores de piel, suele ser naranja), cazadora (amplia larga y con grandes bolsillos para los cartuchos), impermeables (plegables de siré o tela plástica liviana que se guardan en uno de los bolsillos de la misma campera y se portan con un elástico sobre la cintura, Montgomery (camperon largo y amplio cuya característica son los alamares con traba de madera o plástico o punta de cuerno, natural o imitación de plástico, etc.)
Impermeable: recto, évase, corto o largo con o sin capa. Uno típico es el de Sherlok Holmes (con capa intermedia y cinto) da muy bien en personajes detectivescos y/o enigmáticos/intrigantes. Otro es el de Humphrey Bogart en “Casablanca” (cuello y solapa clásico, con cinto, canesú suelto adelante/atrás y bolsillos delanteros) llamado gabardina.
Traje: desde mediados del siglo XX es un conjunto de 3 piezas: saco, chaleco y pantalón o falda, también llamado terno. Las tres piezas de la misma tela. Los sastres se especializaron en su confección. También se hacen más económicos en grandes series a través de la sastrería de confección (sistema normalizado, no a medida de un usuario).
Ambo: para la sastrería, chaqueta y pantalón o falda, conjunto de dos piezas de la misma tela. También se usa para designar las dos piezas de uso hospitalario (pantalón náutico y chaquetón amplio sin cartera todo de algodón verde/celeste/blanco o rosa, el color identifica la sección. también los hay de fliselina descartable.
Prêt á porter: quiere decir “listo para usar”, también llamada ropa de confección. Antes la gente hacia a mano la ropa en sus casas, luego las compraba por catálogo. Después de la revolución industrial se vendió en negocios a talles normalizados. Hoy se pueden comprar en los supermercados o vía Internet y muchas veces esta totalmente confeccionada por maquinas.
Tailler: dos piezas de sastrería femenina, chaqueta y pollera confeccionadas en la misma tela. Término francés para ambo de mujer con falda, realizado por un sastre.
Moda: al modo de, es efímera, no superficial, responde a cuestiones sociológicas (se basa en el destaque de personalidades de distintos ámbitos: políticos, artísticos, deportivos, etc. Surge  por querer lo que usa otro, como si usándolo nos convirtiéramos en él, o perteneciéramos a un grupo social por usar determinada marca de indumentaria. Se da por primera vez en el medioevo durante las cruzadas religiosas donde grandes multitudes se desplazan viendo indumentos desconocidos para ellos. También se basa en distintos hechos científicos o descubrimientos arqueológicos de mucha trascendencia internacional (estilo imperio, lo toma Napoleón III, luego del descubrimiento de las ruinas de Pompeya), además de las producciones de materia prima disponibles (si hubo una superproducción de anilina verde loro, ¿qué color se usa la próxima temporada?).  En el año 2000 se cambió por un sistema de tendencias menos dictatorial y más abierto. La moda ya no existe, salvo para los que no se enteraron del cambio y siguen hablando y opinando de la moda. Para que algo nuevo cambie, la costumbre anterior ya arraigada, pasan por lo menos 10 años, a veces 20.
Tendencias: reemplaza al sistema de la moda desde los 2000 aproximadamente. Es para que dure de 5 á 7 (o mas) años cada tendencia. Hay varias tendencias en paralelo, surgen de los mismos motivadores de la moda (se les sumaron las tribus urbanas: darks, neorrománticos, skins, etc.) pero son varias e interconectables. Una persona puede adscribirse a una tendencia determinada o armar su propio look mezclando varias.

No es un cambio de nombre. Yo supongo que se da por las mayores libertades adquiridas, personal y políticamente hablando, además de la comunicación global inmediata que posibilita Internet. Ya no es tan fácil imponer lo mismo para todos, cada persona es más conciente de lo que quiere o le queda bien. Además de los ciclos de la moda cada vez más cortos, pasando muy rápidamente a las clases sociales de bajo poder adquisitivo, ¡quemándose! rápidamente. Las personas de buenos recursos y que se dedican a cuidar su aspecto indumentario ahora optan por indumentos clásicos de extrema calidad. Si lo expresamos en términos de marcas comerciales, los nuevos ricos se visten en Versace (para que se note su presencia) y los que tuvieron dinero desde su cuna lo hacen en Hermes o Armani (para pasar desapercibidos). El dinero hoy cambió de manos y la cultura ya no esta junto a él, ni es necesario para “triunfar” o “lograr éxito”. El buen gusto y la educación son otra cosa, que no están extremadamente relacionadas con el poder adquisitivo.
Disfraz: no es vestuario espectacular, a menos que sea la intención. Es de menor rango que el vestuario o la ropa, tiene un carácter lúdico u muy superficial, usa caretas y no máscaras. Va encima de otra cosa y se percibe desde la actitud a lo visual. Es de estudiantina, carnaval barato o cotillón para fiestas.
Retro: del francés, que toma elementos nostálgicos del pasado y los reelabora actualizándolos. Aggiorna: del italiano, nunca es igual al original. Revival en idioma inglés.
Grunge: mugre. Retro de los hippies. Estilo pobre y ecléctico algo desalineado.
Colección: grupo con unidad, conjunto de varias prendas ideadas por un diseñador/marca para una temporada, que abarca las necesidades indumentarias desde la mañana hasta la noche. O de una sola tipología o para una sola actividad. Tiene un estilo característico, si no sólo seria un grupo de indumentos.

Conjunto o ensemble: prendas combinadas o complementarias (de distintas telas y colores) que logran una buena unidad. Sólo se da con lógica de continuidad y armonía (para lograr armonía tiene que haber diferencias).
Antimoda: rompe los principios de unidad y complemento, pero conserva los de armonía. También es una moda. Aproximadamente en el año 1999 en oposición al lujo imperante en temporadas anteriores.
Figurín: dibujo o pintura del conjunto.
Refrito: término en general despectivo que se le da a una tarea de rediseñar sobre distintos existentes, modificarlos (si nos dejan) y así hacer el trabajo. Reformar siempre es más complicado que hacer; es más económico si no pagamos la mano de obra y no nos excedemos en los agregados.
Postizo: todo lo que no sea natural o propio, agregado (se debe notar sólo si es la intención) si no debe pasar inadvertido.
Vestuarista: diseñador de vestuario espectacular, no para uso cotidiano. Esta bajo las órdenes e ideas del director escénico. Destacados en Argentina y el mundo: los argentinos Hugo de Ana, Graciela Galan, Renata Shusheim (para mencionar algunos contemporáneos y vivos).
Fisique du rôle: cuerpo carnal del actor que encaje con el esperado por el común de las expectativas. Un muy buen actor. Con un buen vestuario y caracterización adecuados, al personaje lo superan si le es adverso.

Significación:

Los vestuarios no son reconstrucciones de época (a menos que sea esa la intención en alguna obra  historicista) si no que deben hablarnos de los personajes y sus intenciones.
Color, forma y textura son los ingredientes fundamentales a considerar. Todo lo que tenga ángulos agudos es agresivo, masculino y penetrante “Mefistófeles”, Diablo, “Drácula”,”El Pingüino”. Las horizontales transmiten calma, quietud, serenidad, remanso, paz, pero también muerte. En cambio las diagonales nos provocan sensación de movimiento y dinamismo (arlequín), que se exageran más con curvas/contacurvas y espirales. Las verticales son estables y nos hablan de lo vivo, en crecimiento; si son regulares en distancia y altura, dan sensación de militaricidad  u orden estricto.
Las direccionalidades son importantes a considerar ya que pueden alterar los principios anteriores, no es lo mismo una vertical ascendente que una descendente ya que presenta otra energía. En cuanto a los colores hay demasiadas teorías y modos de operar, lo mejor es recurrir a la sensibilidad y no a la racionalidad pura. De todas formas hay algunas generalidades de valor (intensidad de luminosidad) que hay que respetar. Lo oscuro siempre se ve como negativo y dramático y lo claro da más positividad y jocosidad, por supuesto que hay excepciones que rompen la regla.
Las texturas (calidad de materia y superficie) pueden transmitirle rápidamente al espectador muchos datos acerca de las características de los personajes. Es posible hacer un excelente vestuario sólo con la textura como elemento expresivo/significante y mantener la forma/color neutra y poco expresiva.
Todas las combinaciones son válidas en la medida que las sepamos controlar para una correcta valoración, es una cuestión de dosis y de proporción entre los ingredientes. Muchos ingredientes: más difícil, con pocos y bien seleccionados: más seguro de tener un resultado feliz.

Tipos físicos posibles: mas allá de los gordos/flacos o mixtos (mucha cadera poco hombro / mucho hombro poca cadera), altos o bajos. Podemos hacer una clasificación de tipos físicos: fuerte (muy derecho sólido) denota seguridad, jorobado (giba en la espalda, se arquea hacia delante) denota cierta timidez o sumisión, doble-curva I (lordosis y giba combinadas, la cintura tiene mucha curvatura en la espalda y las vértebras cervicales caen hacia adelante) denota rigidez mental, doble curva II (pecho y pelvis avanzados) denota sensualidad o enfrentamiento/superioridad.

Materialidades alternativas:
Es posible con talento, y mucha imaginación diseñar vestuarios partiendo de casi cualquier material, ¿Cuáles?, dependerá de nuestra habilidad y conocimiento, además de muchas ansias de experimentación. Los resultados pueden ser desastrosos o inmejorables, como en cualquier materialización.
También es posible la creación de un vestuario partiendo de piezas compradas/alquiladas/o recicladas o no, con modificaciones o agregados. Partiendo de tipologías del siglo actual podemos hacerlas lucir como del siglo XVIII, solo hacen falta la incorporación de algunos accesorios con un postizo y algo de pintura.
Para producciones de bajo presupuesto, es muy habitual el canje con algunas empresas que nos dan lo que pidamos solo por mostrar en los créditos sus datos. No es una situación de diseño muy feliz, pero es una realidad existente. Es posible hacerla muy bien si elegimos nosotros los proveedores de acuerdo al temperamento de cada personaje y la acción transcurre en una época no muy lejana a la actual. Casi nunca se dan estas condiciones, porque nos imponen a determinados proveedores, llega también el caso donde se elimina el vestuarista y las figuras van al local comercial a elegirse algo (noticieros, programas periodísticos, novelas, cortos, etc.), a veces figura como asesor de vestuario que nunca se llevo a la practica o es inexistente. O contraía al asesoramiento realizado por el vestuarista.
Otra situación laboral nada agradable son los infantiles, musicales o no; que se arman con piezas de disfraces de cotillón  para componer el vestuario, compradas por el productor, directo o figura principal, sin la participación de diseñador alguno. Por mucha experiencia y oficio acumulado, en el resultado prima el rédito  comercial sobre el estético.


Generalidades por género teatral:

Ópera y Zarzuela gran profusión texturas y muchas telas pesadas, nunca corsés ajustados o con ballenas, ni cuellos muy ajustados. Respiración diafragmática baja, cintura floja. Los cuerpos de los cantantes han mejorado mucho  últimamente y sus condiciones actorales también, lo cual posibilita explorar nuevos campos en el vestuario.
Musicales: sean comedias o tragedias suelen tener varios cambios de vestuario que no deben confundir al espectador para poder seguir al personaje. El roce y los tiempos para los cambios serán factores muy importantes a considerar. El vestuarista combina problemas  técnicos de la ópera y el ballet ya que los cantantes también bailan.
Teatro infantil: mucho color (no todos, ni muchos saturados) y grandes dosis de fantasía. Suele tener mucho movimiento, por lo tanto telas que dejen respirar la piel o que salga el calor corporal, no sintéticos puros.
Ballet: cuanto menos mejor, telas livianas y translucidas. Ningún accesorio muy pesado, todo debe probarse y si es de quita y pon (practicable) aun más. Se puede usar corona y capa para la presentación del personaje, mas luego se le quitará en el transcurso del baile. El roce y los enganches son  constantes a solucionar.
Teatro de prosa o verso: no tiene tantas complicaciones técnicas. Respiración intercostal, nada muy ceñido al torso. Las interrelaciones de géneros varían las condiciones (hoy dentro de este género se baila y canta).
Cine/video/cortos/ publicidad: al ser filmado por escenas no es tan complicado. Salvo la continuidad. Permite el lucimiento de primerísimos planos donde los materiales se lucen en todo su esplendor. Tener cuidado que no se vea algo inconveniente. Permite hacer sutilezas y mostrar detalles.

Una característica de este nuevo siglo (el XXI) es el borrar los límites y prescindir del autor del texto. Las obras de autor y fusión están en varios diseños: musicales, gastronómicos, educativos, televisivos, indumentarios y por supuesto espectaculares. Los resultados no siempre son felices pero el panorama posible es más amplio y enriquecedor; al desaparecer los límites y divisiones estrictas se ampliaron las posibilidades y la experimentación.


Algunos consejos:

                       Una cosa importante en reconstrucciones realistas en las puestas, es el mes del año en que transcurre la acción, hemisferio y país, ciudad,  suburbio o campiña. Si los personajes vienen de un exterior hay que hacer la entrada con abrigos (guantes, sobretodos, capas, bufandas, gorras o sombreros) o sin ellos, cerrando un parasol o quitándose un sombrero de verano. Estos recursos complementan a la esenografía y la puesta en escena, ayudando al público a que todo sea más creíble.
                      Un truco muy habitual en ópera o cine y no tanto en teatro de prosa, es vestir a los personajes mayores de edad con la moda anterior a la época de la acción. Generalmente la gente queda tildada con lo que uso en su juventud. También pasa con gente que emigra, no solo la indumentaria se congela, también el idioma.
                      Es importantísimo que los vestuarios estén en los primeros ensayos en la escena. Si no es posible, algo de forma y textura similar. El habito, la indumentaria, modifica los movimientos del cuerpo restringiéndolos o liberándolos  y genera en los actores un cierto garbo (parada, actitud) característico. Incluso es interesante que los actores usen el vestuario en sus casas cuando este es muy distinto al de la actualidad diaria, esto genera un acostumbramiento que dará mayor naturalidad (salvo que se quiera mostrar lo contrario).
                      La luz varia los colores modificándolos y mucha distancia con el espectador elimina detalles. Al hacer elección de telas considerar estos aspectos. No olvidar el ámbito o marco en el  cual el personaje se desenvuelve, (mimetización o contraste). Colores que en la vida real nunca usaríamos juntos  en escena y con la luz adecuada dan  muy bien. Lo mismo pasa con los brillos, con los cuales hay que ser moderado porque pueden producir destellos o encandilamientos no deseados.
                     El vestuario, la escenografía, la iluminación, deben combinarse para ser una sola unidad expresiva acorde a los pedidos del director. Lo más habitual es que no se amalgame la escena con el vestuario y se recorten mutuamente. Una manera de evitarlo es trabajar con materialidades y colores afines. La luz puede ayudar a unificar o separar aún más.
                      Siempre que un mismo personaje tenga varios vestuarios hay que lograr una unidad en la diversidad, que el público pueda entender quién es pese a su cambio de apariencia conservando algo: el peinado, estilo, color, moldería, o cambiarlo en escena ante el público. Por supuesto que los cambios deben estar justificados desde lo teatral, si no serán decorativos y ridículos.
                  No olvidemos que el vestuario puede no ser realista y expresar el estado de animo del personaje, ejemplo: tres actos con vestidos idénticos pero de colores distintos para el mismo personaje, o construirlos con materiales atípicos (no tradicionales).
                        Si el vestuario no es significante puede estar uniformado y casi neutro.
                       Enfatizar diferencias entre clases sociales y grupos de personajes o enemigos/contrafiguras.
                    No hacer grandes diferencias entre protagónicos y comprimarios en las materialidades, salvo que se tenga que hacer por clase social.  
                    Armar las parejas por colores complementarios o adyacentes; es un viejo truco  pero que sigue dando resultados.
                      No usar una paleta de color muy amplia ayuda a la significación y al tono general. Adecuarla al tipo de teatro y pieza que se aborda: no es lo mismo una ópera bufa (cómica) que una tragedia wagneriana; el autor también pauta: Mozart generalmente se pone con una estructura visual general  escénica simétrica, en los vestuarios también.
                      En prosa, o cualquier otro género, no da igual un vestuario sobre cámara blanca que en una negra. La luminosidad y la significación varían radicalmente.
                      Como formulas de color yo sugiero: una dominante (a mayor superficie), una intermedia y un acento como menor, es una receta sencilla que siempre da buenos resultados. La utilización de muchos colores es posible y se adecua muy bien a los infantiles o circenses, pero hay que saber mucho para controlarla. Otro recurso posible es trabajar en grises y/o neutros y colorear con filtros de color en las luminarias: da mayor flexibilidad y unidad pero es mas difícil de lograr un buen resultado, además hacen falta muchas luminarias (los secretos son no usar mas de cinco valores en los planos generales y pequeñísimos matices dentro de cada uno); si no se ablanda mucho, no usar negro ni blanco puros (recortan).
En vestuario espectacular: se hacen etiquetas con el nombre de la obra, del personaje y apellido del artista, acto y número de traje (según orden de entrada en escena).generalmente van cosidas en la espalda. Algunas incluyen medidas de altura, pecho, cintura y cadera (para eventuales ajustes y o cambios).
En telas planas se deja MUCHO margen en las costuras, para  futuros ajustes a otros cuerpos.
Los protagonistas suelen tener cambios de vestuario y camarines exclusivos con un vestidor.
Si hay dos artistas que interpretan un mismo personaje en distintas representaciones, se confeccionan dos trajes.
Si la obra permanece en cartel mucho tiempo, además del mantenimiento de función a función, preveer un nuevo vestuario, replica del original.
Los personajes comprimarios (generalmente contrafiguras) suele compartir camarines en teatros pequeños.
                       Los  coros y personajes secundarios generalmente comparten camarines, en teatros grandes están separados por sexo.
                       Los vestuarios al final de función quedan en lugares y ordenes inimaginables, por lo tanto hay que pensar en que alguien tendrá que re-ordenarlos y revisar costuras y avios, además de poner la utilería de mano en bolsillos o accesorios  junto a ellos (catas, bastón, abrigo, sombrero, etc.).
                      Las costuras que tendrán tracción mecánica en peleas/arrastres/forcejeos serán reforzadas o francesas. Se revisaran función a función, generalmente lo hace el vestidor.
                    Los vestidores son personas que ofician de algo parecido a un valet, ordenan y preparan los conjuntos, ayudan a ponérselos según las indicaciones del vestuarista, teniendo en cuenta las modas y costumbres de los personajes y sus targets. Los de oficio suelen ser muy útiles con vestuarios de épocas pasadas hace siglos, ya que las formas, cortes y tipologías varían mucho y se visten en otros órdenes distintos a los actuales. También ofician de estimulador del ego y levantadores de autoestima. Muy útiles en los estrenos donde el vestuario llega antes de la función y esta compuesto por tipologías complicadas no habituales en la actualidad (miriñaques, carajeras, greguescos, hopalandas, mangas sueltas, corseletes, bigotera, etc., un ejemplo magnifico se puede ver en “The dresser”(película) “El vestidor” de Peter Yates.
                   Los vestuarios pueden variar la forma general y las apariencias corporales. La moda sube y baja la cintura o la elimina. Comprime o  exagera partes del cuerpo. El vestuario espectacular también tiene esos recursos y más aún, ya que la distancia con el espectador salva desprolijidades y permite trucos que en la vida diaria serian obvios.

Esta clasificación y consejos pueden ser de gran ayuda para la elección de las distintas tipologías a usar por los personajes al momento de armar o diseñar un vestuario.


Esc. Rupert Brocher

 Prof. Titular de la facultad de Arquitectura
 Adjunto del Instituto Universitario de Artes
 Prof. Invitado en  la Universidad del San Andrés
 Prof. de la Universidad de Palermo
 Prof. de comercialización visual en Nueva Escuela y El Taller
 Escultor /escenográfo /caracterizador/inventor







Apunte que surgió por sugerencia de alumnos de distintos diseños que solían asistir a las mini clases en UBA-FADU

                                         Elementos fundamentales para diseñadores
                             ORIGINALIDAD  AUTENTICIDAD  INNOVACIÓN

 Agudizar la observación y cultura general son conceptos a tener en cuenta.
 • Hay que tener claro que queremos o debemos diseñar, unidad, conjunto, serie, colección. Hacerlo a partir de una idea en sinergia con la forma/color, el significado, la función y la tecnología.
• Si estamos diseñando una serie o colección, tenemos que hacerlo sobre un organigrama pautado, para no perdernos en el proceso y llegar a fin con unidad y las cosas necesarias.
• Por supuesto que de una unidad puedo generar una serie o colección, pero sobre un organigrama. Salvo que sea una serie cerrada (solo con pequeños cambios).
• Los comunes denominadores que se van presentando a través de los años en los trabajos de un diseñador independiente son lo que podríamos denominar estilo, es muy importante que se de solo, no forzarlo.
• También es posible que un diseñador pueda trabajar para distintos comitentes en paralelo o sucesivamente y logre independencia o unidad.
• Si la empresa / marca para la cual trabajamos tiene un manual de imagen corporativa, este se tiene que transformar en nuestro único abecedario, la marca es más importante que el diseñador. ¿Paradigma roto por varios diseñadores?. Karl Lagerfeld para Chanel, Oliviero Toscani para Benetton, Galiano para Dior, artistas plásticos para Swatch.
• Si trabajamos de forma independiente tenemos relativamente mas libertad, siempre estamos influenciados por nuestros maestros y nuestros propios paradigmas.
• Es bueno tener cierta continuidad entre nuestros diseños ya que potencia el armado de nuevos conjuntos y hace que nuestros diseños sean reconocibles.
• Existen dos tipos de diseñadores creativos: 1 implementa cambios drásticos con sus predecesores/contemporáneos/coetáneos, tiene repercusión casi inmediata que tendrá que sostener. 2 cambios lentos y de ensayo y error hasta lograr sus objetivos, resultados muy lentos que se sostendrán sin problemas durante mucho tiempo. Al primer grupo pertenecen: Chanel, Picasso, Orson Wells, Motzart, Gene Moore, Alexander Calder y al segundo: Dior, Cézanne, Alfred Hitchock, Beethoven.
• Se debe analizar, y luego sacar conclusiones, sobre las cuales trabajar.
• La curiosidad es la nafta de un diseñador creativo.
• Hay que dividir, para poder estudiar, y luego sumar. El hombre es cuerpo y espíritu. En anatomía estudiamos su cuerpo pero en metafísica estudiamos su espíritu. Separados no hacen un hombre vivo. Hay que sumar.
• Un buen proceso de diseño va de lo general a lo particular. De lo más grande a lo más pequeño.
• Un buen diseño = armonía de proporciones y contrastes, dentro de una estructura. Que responda a su función con excelencia, sacando el máximo resultado de las materialidades. Si es significante, original e innovador = mejor.
• Un buen diseño nos debe invitar a que lo recorramos, a verlo/tocarlo/ en su alrededor, en su totalidad. Olerlo, usarlo (si no sabemos como = será un diseño innovador).
• Los buenos diseños perduran en el tiempo transformándose en un clásico. Lo demás fue moda o es tendencia.
• Un buen diseño soluciona problemas y hace la vida más llevadera. Da placer.
• Un buen diseño puede ser totalmente distinto a sus antecesores. Por incorporación de nuevas tecnologías o por su originalidad e innovación.
• Un buen diseño puede entrar en el terreno de la invención.
• Los buenos diseñadores piensan muy parecido a los inventores.
• El buen diseño no es moda.
• La moda es más difícil que el diseño, requiere un diseñador más atento, que esté en contacto con la realidad del momento, que perciba lo que va a suceder mediante la lectura e interpretación de diversos indicadores. (PROSPECTIVA).
• Un buen diseño debe basarse en una estructura geométrica. De lo contrario, será un simple dibujito.
• Las estructuras son la base virtual sobre la cual se proyecta un diseño.
• Debe haber una coherencia de unidad, sino, el diseño se lee como un rejunte de partes sueltas.
• Todos los elementos de un diseño se deben fusionar entre sí.
• Nada es rápido, un buen proceso tiene que poder comparar opciones, descartar y sólo quedarse con lo mejor, que suele ser la más simple de las opciones.
• Para encontrar, hay que saber qué es lo que buscamos, no hay que quedarse con lo primero. Encontrar… es un largo proceso.
• Los diseñadores no encuentran, más bien provocan, producen, hacen, no copian ni recrean (no les sale por carambola o casualidad, la calculan).
• El diseño no es algo que se escapa o encuentra en algún lugar oculto. No sale, se gesta ad-hoc.
• No podemos decir me salio así (excusándonos), por que somos nosotros que así lo hicimos.
• Siempre se puede mejorar un diseño existente. Actualizándolo/ incorporando/quitando nuevos elementos o conceptos.
• Si vas a probar otra opción o modificar una parte, no borres o tires, si no es imposible comparar con lo anterior, diseña-compara-elige.
• Compara: poné tus diseños uno al lado del otro a buena distancia, tomá un buen tiempo para seleccionarlos (evalúa los aspectos que tiene que cumplir, además del estético) y elegí.
 • Elegí: ante muchas opciones siempre es conveniente optar por la más sencilla. Para ello nunca me tengo que quedar con lo primero. No significa facilidad, sino una buena elección de diseño, simplicidad.
• Al elegir siempre descarto cosas que me interesan (guardarlas para otra vez).
• Elegir es descartar cantidad para quedarse con calidad.
• La depuración nunca termina, pero hay un grado de maduración que es óptimo para dar por terminado el diseño.
• Muchos ingredientes, difícil resolución. Pocos ingredientes, algo más seguro. Cuantos más elementos hay es más complicado el equilibrio entre las partes.
• Algunos diseñadores consagrados: Erté, Cristian Lacroix, los Missoni, John Galliano, trabajan con muchos elementos al mismo tiempo (muchos contrastes-formas-colores-texturas) y es posible, pero para dominarlos hace falta mucho estudio y una gran dosis de talento. Por eso recomiendo trabajar con pocos elementos en una etapa de estudio y formación.
• Al elegir voy descartando lo que no responda a mis objetivos e idea generadora, también puedo rescatar distintas partes y combinarlas para logra mas opciones y hacer una segunda depuración.
• Limpieza: es corrección de la línea, depuración esmerada de un fino mas acabado, antes de empezar con detalles más pequeños.
• El dibujo o la maqueta son la respiración del cuerpo del diseño.
• Los diseños constan de un proceso que puede comenzar en la bidimensión pero sí o sí tienen que saltar luego a la tridimensión.
• Materia prima simple = diseño más complejo. Materia prima complicada (muy vibrada, no lisa, muy texturada) = diseño más simple.
• Simple = Bueno.
• Bueno = casi siempre “parece” muy simple.
• Hacen falta varios prototipos para llegar a un tipo definitivo sobretodo para hacer producción en serie.
• Los clásicos, o lo que hace siglos se viene fabricando en serie, son las síntesis de varias pruebas y errores con sus correcciones.
• Los prototipos deben pasar por un proceso de uso real para luego analizar y corregir errores. Cosas no calculadas que el desgaste al usarlo nos comunica. Datos particulares de usuarios que tendremos que normalizar.
• Las distancias entre las partes tiene una estrecha relación no sólo con la estructura sobre la que se diseñada, sino también con la textura de los materiales, y la distancia del producto con el soporte y/o usuario.
• Cada forma tiene su color, así como cada color tiene su forma.
• El diseño siempre comunica un mensaje, aún sin proponérselo.
• Un diseño simple (minimalista), requiere una materialización impecable.
• Un diseño complicado (muy vibrado) puede tener una materialización no tan precisa (porque se pierde en la totalidad).
• Es importante escuchar lo que la materialidad nos dice. Es “ella” quien decide qué podemos hacer y qué no; no nosotros.
• El diseñador es uno solo, los distintos diseños (industrial, grafico, indumentario, arquitectónico etc.) solo tienen una diferenciación de materialidades o uso. Por supuesto que existen especificidades.
• Cada material tiene su avio (herraje, técnica, soporte, tecnología) perfecto, es decir, el que le va mejor a nuestro proyecto. Si no lo encontramos hay que diseñarlo.
• “Un solo recurso explotado al máximo” es mejor que muchos recursos, y ayuda a lograr simplicidad y unidad.
• Dos ejemplos magistrales de rediseño a ultranza y de buen resultado son Picasso e Issey Miyake. Aun los muy grandes también toman de otros. Copia es otra historia.
 • El diseñador que copia textualmente, siempre esta involucionando. Salvo en un periodo de formación y/o estudio.
• La originalidad se consigue siendo auténticos a sí mismos. No se busca… sale sola.
• Un buen equipo de trabajo divide responsabilidades, pero no descuida las ajenas.
• Siempre la tecnología debe estar al servicio de la creatividad, y no a la inversa.
• Las nuevas tecnologías y materialidades por lo general copian las formas anteriores hasta encontrarla que le es propia y afín.
• La forma general (línea) del diseño es algo que nos cuesta abandonar, pero vale la pena tratar de ignorarla, garantizándonos así una gran dosis de innovación.
• El cliente suele ser un bicho salvaje a domesticar lentamente… seduciéndolo de a poco.
• Recordar el conocimiento adecuado en el momento preciso, y saber implementarlo: Ser inteligente.
• Las ideas buenas casi siempre son abstractas.
• Las ideas se bajan según los sentimientos que nos provocan, mediante sensaciones (tacto, olfato, gusto, vista, oído).
• Las ideas son transmitidas por acciones que las traducen adecuadamente según las medias (normas).
• Equilibrio de las dosis, es parte fundamental del éxito, proporción de tamaños, cantidades, texturas, colores, partes de las formas etc.
• Un buen equilibrio entre las opciones da resultados fértiles.
• La humildad es el camino más lento, pero el más seguro.
• Los usuarios de buen poder adquisitivo, los podemos dividir en dos sectores bien diferenciados: 1- Los nuevos ricos, que no aspiran a ser cultos y les gusta que se note su presencia y visten en un Versace muy colorido (Maradona, Caniggia, Gimenez). Suelen ser espontáneos y demasiado sinceros  y 2-  los que siempre tuvieron dinero, son cultos y tratan de pasar desapercibidos, ser discretos y no llamar la atención, casi siempre son muy tímidos y le tienen espanto a hacer el ridículo, vestirán en un acético Armani (dueños de las tierras-familias patricias- grandes empresarios-grupos de poder ). Suelen ser reservados y herméticos y poco demostrativos.
• Hasta bastante después de la segunda guerra mundial dinero y cultura iban juntos. Si alguien de golpe poseía mucha plata, trataba de adquirir cultura. Parecer era más importante que ser (Monzón- Campeón Mundial de Box).
• Antes la gente valía por lo que era o sabía / hoy vale por lo que tiene y posee. Pareciera que los valores humanos se miden con un parámetro distinto: tengo entonces valgo (M. Tinelli).
• Desde las cruzadas (donde surge la moda) y aún antes, los que menos tienen imitan a los que más.
• El cartonero tendrá el mejor calzado deportivo y un teléfono celular de última generación. ¡Pero cuidado! por que hoy la empresaria famosa poseerá un copia trucha de alguna cartera de marca y contratara a un cantante popular y malo para su fiesta de cumpleaños (y le parecerá divertido).
• Todo se mueve, nada está fijo. El cambio es constante y cada vez más rápido.
• Las reglas están hechas para romperse, antes debo experimentar lo que se me enseña, una ves aprendido y experimentado puedo detectar errores o disentir y proponer mi propia regla, que tendré que comprobar que sirve antes de implementarla y ajustarla si es necesario, para luego usarla o volver a romper. Y también admitir que otro la reformule o rompa.
• No hay una sola verdad. Tampoco son eternas. Las verdades son algo hacia lo cual nos direccionámos, Pero que por suerte jamás alcanzamos.
• Estilo: es lo que se supone que un diseñador moderno desarrolla sin proponérselo. La única forma de lograrlo es siendo fieles a nosotros mismos. La autenticidad y la superación constante son claves para conseguirlo. (no se busca, se da por el temperamento personal, refinado por la educación y el aprendizaje sistemático).
• Trabajo: es lo que la gente hace para sobrevivir.
• Si realmente disfruto de lo que hago no lo siento como un trabajo.
• Diversión: es hacer lo que a uno le gusta y con eso vivir.
• Dinero: es otra cosa. (si nos divertimos en nuestro hacer es muy probable que ganemos dinero.)
• Si uno puede generar ideas e implantarlas es absurdo trabajar en relación de dependencia, ésta nos aplasta, achancha, nos hace sentir cómodos, y eso nos mata.
• Que la idea sea afín al rubro, que no lo mate o contradiga.
• Todo se mueve, nada está fijo, solo para el proceso de enseñanza/aprendizaje congelamos las cosas, para poder trabajarlas.
• El proceso de enseñanza/aprendizaje sólo se da si las dos partes ponen lo mejor de sí. De lo contrario, sólo uno de los dos crece a medias.
• El feed-back es imprescindible porque solo con él podemos saber si enseñamos y/o aprendimos.
• Las palabras innovación, diseño, originalidad y creatividad están siendo usadas y sus resultados pretendidos por varias personas de distintos ámbitos y disciplinas. Si bien es cierto que la creatividad se puede incentivar en cualquier área hay ámbitos que le son propios.
• Creo que seria mejor incorporar diseñadores creativos en distintos proyectos a tratar de que un egresado de una carrera “llamada dura” trate de incorporar la manera de pensar de un creativo.
• He tenido resultados increíbles que contradicen el punto anterior, pero creo que son excepciones de profesionales o estudiantes que están mal insertados en su Metiere. O tal vez personas increíblemente flexibles e inteligentes.
• Sustentabilidad, reciclado, ecológicamente amigable, cadenas de valor : no son términos ni conceptos nuevos. Los buenos diseños a los cuales les interesaron esos temas ya los tuvieron en cuenta en el medioevo.
• Venta masiva o grandes producciones: no necesariamente es un diseño feliz. Sino todo lo contrario.
• Paciencia: para que algo cambie son necesarios por lo menos 10 á 20 años.

                                                                                                                                                               Prof. Rupert Brocher






UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
FACULTAD DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y URBANISMO

DISEÑO DE INDUMENTARIA

CÁTEDRA BROCHER

ACEPCIONES DE LÍNEA:

La palabra línea tiene dentro del diseño y de la indumentaria varias acepciones, significados posibles:

-Línea: grupo de indumentos con algunas características comunes (Ejemplo: serie abierta de una colección de blusas). El nexo pude ser la tipología y calidad.

-Línea: indumentos coordinados entre sí con variantes de color y estilos (Ejemplo: serie cerrada, sólo es una combinación de telas, modelos y largos modulares).

-Línea: grupo específico que abarca de rubro cerrado de indumentos  (Ejemplo: línea deportivo).

-Línea: grupo de indumentos con algún adorno agregado, que no le es propio y que le da nombre (Ejemplo: línea mariposa, distintos indumentos que por poseer éste elemento conforman comercialmente una línea).

-Línea: grupo de indumentos que responden a una idea general y generadora de estos. Pueden o no poseer características comunes a varios, todos o ninguno. Puede a su vez subdividirse en varias sub-líneas o estar conformado por varias líneas, (Ejemplo: colección).

-Línea: forma general común entre varios indumentos distintos con unidad.

Nosotros dentro de esta cátedra usamos generalmente los últimos dos y desarrollamos maquetas de estudio a escala para concretarlas, comprenderlas y conformarlas. De la misma manera que en el CBC dentro de proyectuales hicimos cortes plantas y vistas, aquí haremos: frentes, perfiles, espaldas, intersticios (de frente y perfil) y varios metámeros (desde arriba y/o abajo).
Equivalencias:
-Planta = metámeros a distintas alturas donde se expresen las mayores y menores dimensiones, mayor y menor distancia al soporte, el cuerpo u otro indumento sobre el cuerpo.
-Corte = laterales o perfiles (dos si la línea es asimétrica).
-Vista = frente, y/o espalda.
-Intersticios: espacios entre el o los indumentos y su soporte (el cuerpo u otro indumento) se ven en los metámeros y en el o los laterales, de costado. Y en el frente desde adelante y/o espalda.

¿Cómo conformar una línea? 
¿Qué forma general tiene? ¿Una sola forma para todo el ejercicio? Sí, esto ayuda a la unidad y simplifica el proceso de diseño y molderías. En principio, sobre el cuadro de idea (donde la solemos poner de frente y en el color seleccionado); y antes de eso ¿cómo la hago?
1) Selecciona racionalmente dentro del mapamundi de direcciones posibles (abecedario de letras: vertical, horizontal, diagonal y curvas) una ó dos, a lo sumo tres, que guarden relación de significación con tu idea. Con este repertorio de letras posibles, conforma tu línea (2D). Recordá dosificarlos en mayor, menor y media.
2) Transfórmalas en figuras 3D, trabajar las con el color significante general. Adaptadas al sopote humano. Lo podes hacer en pasos desde la 2D (perfil, espalda, frente), o con una maqueta.Desde la 2D trabaja con un material que manche no que raye finito, es una mancha no un dibujo, puede haber trazos que dejen huella de su paso, pero gruesos.
3) Trabajar manchas con soltura, no pienses en tipologías, solo en la forma general. No empieces por el contorno: limita y es un alambrado relativamente fácil de correr hacia afuera pero complicado para mover hacia adentro. A escala sobre un cuerpo real, podés usar un calco sobre un cuerpo de canon de hasta 8 cabezas. Hacé muchas (de quince a veinte) y recordar al hacerlas que la forma debe ser significante (contener tu idea, expresarla). Trabajar con tintas planas con algún material que te ayude a expresarlo, que vos domines, si sos bueno con la tempera hacélo en tempera. La pintura sumí-e (un tipo de texnica de pintura oriental) logra esto en segundos. Nosotros latinos nos toma más tiempo, uno a cinco minutos por mancha. Si tu idea da para hacerlo con recortes de papel, hacélo, la técnica es libre. Aprovechálo, la elección de la técnica también tiene que ayudarte a bajar mejor tu idea. Otra opción, si manejas bien la técnica 3D es hacerlo en plastilina sobre un soporte (muñeco de madera articulado).
4) Aléjalas poniéndolas en el piso o contra una pared de la cual puedas tomar distancia y elegí tres que luego consultarás con tu docente para la elección final, tener claro porqué se elije la que se elije y recordalo para poder tomar solo esa decisión la próxima vez.
5) Penza y termina de conformarla de costado en la misma  escala con un figurín de aproximadamente 25 cm. de alto (por el momento es plana (sin volumen).
6) Luce igual de adelante que de atrás. Si se apoya en el piso, hacela de arriba. ¿Cómo determino el color? ¿Siémpre lo triangular es amarillo, lo cuadrado azul, Etc ?  NO, es una guía general para la significación básica que podes usar pero cada idea modifica y transforma los postulados generales pudiendo reinterpretarse.
Para la línea también podés buscar escultores que respondan a tu idea, sino los conoces o no se te ocurre ninguno consultar con tu docente o un artista plástico.

Para mancha: NO bolígrafo, lápiz 0.5, marcador finito, pincel pequeño. Tintas translúcidas, acuarela, papel barrilete o sulfitos (ningún material translúcido o transparente).  Esto no da con la escala o produce veladuras y queremos tintas planas.
Recordá que el material que uses lo tenés que dominar vos. Sino experiméntalos hasta encontrarle la vuelta y luego hace las manchas, no las dos cosas al mismo tiempo. El soporte puede ser oscuro o claro pero no muy rugoso, más bien liso. Establece un buen contraste ente la mancha (figura) y su fondo (soporte).

¿Qué es rectificar línea? Acomodar la mancha o maqueta según las leyes de la Gestalt (la buena curva, cerramiento, continuidad; agrupamiento, Etc.) si no las recordas o desconoces, buscálas, son de la Bauhaus, y ningún diseñador puede trabajar sin incorporarlas. Seguramente lo aprendiste en el CBC (no es para dejarlo allí).
Prolija los bordes, mejora curvas y rectas para que sean limpias y lógicas, buen pasaje de curvas a rectas, que no tengan accidentes ilógicos. Que haya un solo lenguaje. Equilibrio entre curvas y rectas, o sólo rectas, o sólo diagonales, o curvas. O que predomine una sobre las otras (en una dosis mayor). Decidí si será simétrica o asimétrica, sutiles diferencias parecen errores. Adaptarla al cuerpo calculando adherencias (más cerca o más lejos del cuerpo u otro indumento). Pensar si lleva forro, entretelas, hombreras  y de qué tipo calculando esos espacios. Pensar en que luego sea posible crear accesos y si va poder caminar, sentarse, subir a un auto o colectivo: ¿hace falta un tajo o subir el tiro? Comprobar si puede levantar los brazos: ¿hace falta levantar un poco mas la sisa o… ¿cavarla mas? Es un procedimiento sutil ya que lo estamos trabajando en una escala muy reducida. Otro elemento que compone esta acción es comprobar si el frente se corresponde con los perfiles y la espalda, ya que es necesario que los largos modulares, cuellos y estructura tengan buena y lógica continuidad, y si se adaptan al target, rubro, temporada, cuerpo. Fijáte si tiene algo que sobra o se puede limpiar para proporcionar o definir más sintéticamente. Es un paso muy importante porque con esta forma general quedarán todos los indumentos, salvo algunos que serán más pegados al cuerpo y otros más holgados pero con esa forma. ¿Apoya en los hombros cintura o segunda cadera?; si no se caen las prendas a diseñar..
La línea es un molde de cocina que se puede rellenar con distintas cosas pero siempre va a ser con esa forma, también una torta se puede recubrir con un baño que la hará mas grande o hacerla de algo que se contraiga en la cocción y quedará mas chica. Línea y forma para este método son sinónimas. Primero la pienso con los brazos pegados al torso y las piernas juntas, luego separo un brazo para poder visualizar la forma de la sisa y después separo las piernas para conformar el tiro. Esta parte del proceso puede alterarse si los indumentos a diseñar son para un rubro en el cual el cuerpo se encuentre en otra posición la mayoría del tiempo, o mientras realiza la función para la cual se diseño (Ejemplo: ciclista).
La estructura se hace en base a la línea rectificada y sobre  la maqueta.
Sobre la estructura, o con un recurso innovador se diseña.




                                                                                                Esc. RUPERT BROCHER








UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
FACULTAD DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y URBANISMO
DISEÑO DE INDUMENTARIA 
CÁTEDRA BROCHER

IDEA:

De acuerdo al tipo de persona que seamos podemos generar ideas.
Estas serán de componentes que estén en nosotros (no fuera). Podemos estudiar un tema, estilo o necesidades. Pero eso no tiene mucho que ver con lo que queremos enseñarles. A veces los vemos ver revistas y ante la pregunta ¿qué hacen?, contestan busco ideas. Para encontrar hay que saber qué buscan. Sino tienen en claro esto, es raro que la idea se nos presente. Pero es muy factible que la idea se devele si buscas en vos mismo, en tu revista interior (para alimentarla hay que observar, no ver o mirar, hacerlo con vehemencia y extrema curiosidad). Hacerlo sobre la naturaleza u obras de arte que en general siguen las mismas reglas. Nunca dejar de hacerlo. Jugar como cuando éramos chicos nos da resultados altamente positivos. Recordarlo y usarlo cuando cuadra, es otro elemento capital.
Cada uno de nosotros tiene un temperamento (forma de ser y actuar); es con ese material que queremos trabajar. La familia o lo que la suplió fue acumulando en nosotros distintos elementos que nos caracterizan como seres únicos. Nuestra interacción con la  sociedad fue modelando este temperamento, cambiándolo hacia distintas necesidades propias y ajenas.
Así generamos ideas que podemos clasificar en distintas tipologías que variarán de acuerdo a nuestra forma de pensar y actuar en el mundo.
Dentro de esta cátedra trabajamos con un cuadro de idea que está compuesto por cuatro elementos que giran en torno a uno central. Este elemento central es la idea, que tiene distintos pre-condicionantes para no caer en lugares comunes o no productivos (no cosa, no metamorfosis de 1er o 2do grado, no tema, no toma de partido standard, no fuente de inspiración, no algo que ataque al rubro o ejercicio).
Sí sentimiento, sí adjetivaciones, sí componentes olfativos, táctiles, gustativos, algo abstracto, no visual real (de nuestro mundo circundante que pueda ver con la vista normal). Sí a elementos emotivos, emocionales, humanos, no materiales. La idea tiene que poseer ángel. En arte a veces no se dicen las cosas directamente, están enmascaradas para que nosotros las develemos y entendamos, podamos comprenderlas. El arte del siglo XX abrió el juego y ya no es necesaria la comprensión exacta del artista. La observación y nuestra sensibilidad juegan un papel preponderante, el disfrute, el goce son el Kit. El diseño fue el arte del siglo pasado. Les recuerdo que estamos en el siglo XXI, ya pasó mucho tiempo desde el cubismo y el futurismo o los eventos performáticos y también de las ambientaciones, todo eso ya fue, aunque siga siendo, no es innovador.
Principalmente la idea no debe ser cosa (objeto concreto). Ni tampoco ser negativa, seamos positivos, es mas fácil y mejor. Podemos ser críticos o irónicos pero positivos. Solo un reducido grupo de personas consumen indumentos con significación negativa; por lo tanto tratemos de trabajar desde el SÍ. Sé (por la experiencia de 20 años de estar dentro de esta carrera y mas de 38 años de actividad profesional como comercializador visual) que este tipo de ideas llevan a los alumnos a resultados felices.
En torno a esta idea central se encuentran girando e interactuando los cuatro componentes básicos (partes en que una idea se subdivide para ser tal): significación, forma/color, recurso, uso o función.
De acuerdo con los elementos que tengamos dentro de nuestro disco rígido (cerebro) y el momento de nuestro desarrollo (madurez), generaremos ideas desde distintos lugares del cuadro. Algunos empezarán por el centro y otros tal vez lo hagan por algún otro elemento constitutivo. Algunos gajos hasta quizás queden huecos (sin develar).
Si durante mi desarrollo tuve herramientas a mi alcance, es muy posible que mi idea surja desde del elemento recurso (tecnología). Si soy hijo de un psiquiatra tal vez empiece por la significación y caiga en  lo emotivo para la idea. Si tengo apetencia por la escultura, tal vez comience por el binomio forma/color. Si tengo un poeta muy cercano a mí, lo mas seguro es que cree una metáfora como idea o significación. Un colorista lo hará desde allí, pero recuerden asociar con una forma geométrica simple (triangulo, cuadrado o circulo) para comenzar a formar el binomio inseparable forma/color. También puede ser con el proceso inverso: primero la forma, lo mejor es trabajarlas juntas pero es más fácil (al principio) pensarlas a partir de una y agregarle la otra.
Alguien que posea un tacto sensible puede comenzar este proceso desde lo táctil. Recuerdo perfectamente un trabajo iniciado desde lo olfativo de la ex alumna hoy egresada y docente. Si bien el trabajo resultó un poco hermético en su decodificación, el resultado fue espléndido. También recuerdo el excelente trabajo desarrollado por una alumna que partió desde lo auditivo creando textiles sonoros.
Hace ya unos 10 años que según respetables estudios médicos/científicos sabemos que puede haber una predisposición natural física de cada ser humano hacia el desarrollo de algún sentido sobre los otros. De acuerdo al campo donde se desarrolle esta especial semilla resultará más fértil su crecimiento. Si tomamos el ojo de una persona que desarrolló y educó su vista y lo analizamos, el resultado será que la proporción de bastoncillos y conos (células especiales para la percepción de la luz y los colores) es muy distinta al de un ojo de una persona que no posee esas características. El ojo, al igual que otros sentidos, se puede educar. Por supuesto que no piensa solo, hay una importante interacción con el cerebro; además los sentidos también trabajan entre ellos combinando informaciones.
Puede haber una predisposición natural física y/o un trabajo de educación sensible para su desarrollo. El estudio de los órganos auditivos de algunos músicos famosos develó una posición de los pequeños huesos (yunque, el soporte de resonancia, martillo, el percutor y estribo, el soporte o articulación) totalmente distinta en su inclinación a personas sin esas dotes. Estudios más recientes comprobaron que el ritmo (componente de pulsión distinto a la afinación) está alojado en nuestro sentido del tacto y que sufre variaciones con las distintas razas humanas, los más desarrollados son los de las personas de tez oscura. Todo esto apunta a que tengamos o no un buen aparato receptor y la combinación con el decodificador, la memoria y la educación pueden mejorar los resultados en el desarrollo de la inteligencia, que ya sabemos las hay de muchos diversos tipos y ámbitos, podemos ser nulos en algún campo y brillantes en otros. La cultura, si bien es otra cosa (una persona culta conoce  varios campos del saber), ayuda a que el trabajo de los diseñadores llegue a buen puerto. No pude salir algo de donde no hay nada.
¿Cómo lleno mi cerebro de información útil? me preguntó un alumno hace algunos años; como hacerse culto si desde la infancia esto no se incentivó, es más complicado pero no imposible. Básicamente creo que las personas curiosas son cultas, también las que tienen mucha capacidad de análisis e investigación. Se puede llenar el disco rígido con la excelencia de los quehaceres del hombre. La calidad y variedad de la información es fundamental. Y un organismo inteligente sabe cómo interactuar esta información e implementarla. Pude ser una persona o un equipo de varias.
Analicemos los componentes de la idea para comprenderlos mejor:
(Recuerden que todos interactúan entre ellos).
 Idea: corta y concisa. Una o dos palabras, a lo sumo 4. No es una poesía.
Abstracta, no visual pero proyecta imágenes. Interactúa todo el tiempo con los demás elementos. Propias, no ajenas. Si tomas un tema, bebés dominarlo.
Forma/color: 1 ó 2 figuras básicas tomadas del abecedario (mapamundi de las formas) con las cuales conformar mi línea (forma que tendrá mi indumento, conjunto o colección) y un color general. Los dos (forma y color) significantes de la idea. Bien elegidos y explotados nos garantizan beneficios. No es para producir la misma cosa en muchos colores distintos (eso era antes, en el reinado de los modelistas, hoy es el reinado de los diseñadores): si pienso una camisa azul no la puedo producir también en rojo y amarillo. Porque estaría contradiciendo mí idea, salvo que lo que me interese sea una gran producción para la venta, con poca significación. Diseñar indumentos ya no es una combinación de molderías y telas; sí una astuta elección entre los textiles y sus conformaciones.
Tecnología/Recurso: elementos técnicos que usaré para conformar el o los indumentos. Pueden ser de varios tipos; recursos textiles: tabla, frunce, pinza, etc. O máquinas herramientas: overlock, recta, ojalilladora, corta collareta, etc. Formas de corte: al bies, al hilo, medio bies, láser, tijera etc. Tecnologías de conformado: termo-sellado, ojalillos, etc. También puedo crear mi recurso en función de mi idea, material, forma o significación. Este tipo de recurso requiere de pruebas de factibilidad. Para constatar su real y correcto funcionamiento, se deben hacer varias con rectificaciones hasta lograr la excelencia de funcionamiento,  o una sola y desecharlo.
También es bueno que sean significantes pero no es una condición sine qua non. Cuidado en la elección, porque algunos recursos dan un look muy ad-hoc. Cuantos menos use, mejor; resulta una forma sencilla y altamente innovadora minimizar los recursos para mejorar la calidad creativa de los productos diseñados. Un solo recurso técnico constructivo explotado al máximo de sus posibilidades y en distintas dosis, proporciones y sus variantes garantiza un resultado feliz.
Uso o función: está relacionado directamente con el fin último de la o las prendas.
Abrigo: protegerme del frió, función que pueden cumplir varias tipologías distintas: un echarpe, una campera o ropa interior térmica, etc. Tiene estrecha relación con las materialidades y los elementos anteriormente analizados. No debe entorpecer la actividad a desarrollar sino optimizarla (una malla para playa de lana de camello sin cardar, grande y pesada impide nadar y asolearse, además de picar y absorber agua y caerse por el peso acumulado)
Significado: es lo que queremos expresar, comunicar, decir al otro que ve el o los indumentos. Lo que queremos que el usuario sienta y/o transmita al portarlos. El indumento comunica. Estrechamente relacionado con los elementos anteriores. Todos conforman una sinergia. Muy estrechamente relacionado con la idea. Connota, denota. Acuérdense del placer y el goce.

¿Recuerdan el recurso didáctico que usamos para comprender los elementos base con los que trabajamos los diseñadores? El ABC, Analogía, si usamos una analogía con el abecedario y el lenguaje. Los religiosos abecés usan parábolas. Usamos distintos recursos para lograr objetivos o expectativas de logro. Al igual que el arte, los métodos didácticos no dicen las cosas directamente.
Esa misma analogía la retomamos. Pero hoy recordaremos algunos aspectos del análisis sintáctico que solíamos hacer en el colegio primario y secundario. No se asusten porque es mucho mas fácil, sólo tomaré la forma de trabajo (preguntas).
Para que la tarea de análisis fuera más sencilla, teníamos algunas preguntas que hacíamos a las distintas partes de la frase (sujeto, predicado, denominador directo, Etc.) ¿qué?, ¿Dónde?, ¿Quién?
Para que llenar el cuadro de idea con tus propios contenidos tenemos tres preguntas que te ayudarán a resolverlo o comprobar si lo que pusiste es correcto.

Para forma/color no hay muchas preguntas, sí elementos ABC para la forma: vertical, horizontal, curva, diagonal; pirámide, prisma (de3 medidas), ovoide alto, conos convergentes, cilindro aplastado, Etc. Para el color: ¿valor oscuro o claro? tintes básicos (negro, blanco, rojo, azul amarillo, verde) en relación a las formas y su significado. Textura lisa, vibrada, rugosa, resbaladiza, calada, etc.

Para recurso/tecnología la pregunta es ¿Cómo lo hago?, ¿De qué manera?, ¿con qué herramientas? o medios técnico constructivos (recurso materializado).
Lo ideal seria que crearas uno ad-hoc. Recordar que 1 solo recurso para todas las resoluciones, es mejor que varios que no tienen nada que ver entre si Ej. Alamares vs. Broche de presión, cierre relámpago (cremallera) vs. Botones.

Para uso o función la pregunta es ¿Para qué? Optimiza algo (movimiento, destaque, mimetisación, etc.) ¿Qué hace?, ¿Para qué sirve? Ejemplo: para bailar tango. O una especificidad  propia de un rubro determinado (protección, sujeción, compresión, roce, velocidad, invisibilidad, camuflaje Etc.

Para significación: la pregunta es ¿Qué digo? ¿Qué comunico?
Ejemplo: reveladora embriagues, vuelo decodificador, dulce malicia cibernética, coraza de papel, cuchillo angelical, crear ilusiones posibles; etc.
Recordar que, para que la idea tenga alto rendimiento, no tiene que ser una definición de diccionario, muy descriptiva. Tiene que tener onda, magia, poesía, duende; ser una combinación de palabras que nos deje pensando algo nuevo o que tengamos que leerlo varias veces para entenderlo.

Para idea: no hay pregunta. Es personal.

LÍNEA: Es una mancha, no tiene esctructura. Es una forma. De ahí va a salir la estructura.
Para determinarla hay que tener una idea. Definirla de fren te, espalda, perfil, arriba y abajo.

ESTRUCTURA: Coherente con la línea, puede no responder a la idea, pero si a la línea.3D. Solo se apoya en los accidentes de las formas. Es hueca.
.
Parece complicado pero después de hacerlo varias veces (10 o 15) se va comprendiendo y perfeccionando cada vez mejor hasta internalizarlo de tal manera que ya no sea necesario desglosarlo tanto (incorporación del método). No es que no lo hagas, sólo que no se racionaliza tanto.
Vos tenés que aprender a generar ideas solo, cuando termines la carrera y estés trabajando no vas a estar solo y varios te podrán ayudar, pero las cosas las vas a tener que pensar vos solo. ¿Las ideas se pueden pensar entre varios?
No, se pueden alimentar por varias mentes pero una sola la conforma. Dentro de esta cátedra no te vamos a decir qué tenés que hacer, sí cómo hacerlo a través de un método con un determinado ejercicio. Ejercicio: práctica de algo para optimizar expectativas de logro. No es la realidad del trabajo en el mundo, solo una astuta preparación para ello. Por eso dentro de las universidades hay un desconexión con la realidad laboral, de la cual en muchas oportunidades les hablaremos y los aconsejaremos cómo tratar al cliente y a los proveedores y relacionarte con el equipo de trabajo.
Esta cátedra no dictamina el hacer, sí el cómo: MÉTODO. Por supuesto que también enseñamos y variamos los rubros, sus especificidades y los distintos cuerpos y target. Pero esencialmente nos caracterizamos por fomentar en el alumno una metodología de proceso de diseño con una gran carga en la creación y desarrollo de la idea. Para que su futuro laboral sea más fructífero, las Ideas claras ayudan a producir bienes materiales y espirituales.
                                                            Prof. Sup. R. BROCHER




UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
FACULTAD DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y URBANISMO
DISEÑO DE INDUMENTARIA
CÁTEDRA BROCHER

ABC

El ABC del diseño son sus elementos conformadores, todo lo que esta diseñado o no, esta hecho con estos elementos básicos: un buen diseñador no debe desconocerlos tiene que dominarlos y usarlos en consecuencia.

ANALOGÍA CON EL ABECEDARIO: con letras hacemos palabras, sabemos como suenan las vocales y consonantes y como combinarlas para armar palabras, frases conceptos, ideas. ¿Sabemos cuales son las letras de los diseñadores y qué significan?

A   =  verticales (quietas, ascendentes, descendentes o ambas)
B   =  horizontales (quietas, ascendentes, descendentes o ambas)
C   =  diagonales (ascendentes o descendentes)
D = curvas, contra curvas, espirales, circunferencias (centrífugas, centrípetas o ambas)                     

Significaciones básicas: que devienen de lo cinético /corporal (actitud expresiva física) que se transfiere a todo lo visual expresivo (no solo el cuerpo)

¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo configura en una línea vertical?
Estoy atento, alerta, vivo, quieto pero tenso.
¿Qué sensación me da algo vertical?
Vida, hacer, hombre, yo, erecto, estabilidad, construcción, futuro, crecimiento, desarrollo, si es regular y en serie: orden, militar.

¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo configura en una línea horizontal?
Estoy descansando, muerto, nada, quieto y relajado
¿Qué sensación me da algo horizontal?
Muerte, tranquilidad, paz, serenidad, quietud, relax, spa, horizonte del mar, estabilidad, deconstrucción.


¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo configura una o varias líneas diagonales?
Corriendo, cayendo, impulsándome, moviéndome
¿Qué sensación me da algo diagonal?
Velocidad, movimiento, inestabilidad, dinamismo, futurismo, acción, hacer.


¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo describe curvas o espirales?
Nadando, acrobacia, gimnasia, jugando, bailando, sexo.
¿Qué sensación me da algo que tiene espirales, curvas, contra curvas?
Exacerbación de las diagonales. Dosis más alta de diagonales. Mucho dinamismo.

LA PERCEPCIÓN SERÁ EN CONSECUENCIA, lamentablemente muchos de los que se llaman diseñadores desconocen estos principios o simplemente no los consideran al momento de trabajar, MAL, no se los puede omitir por que son el ABC del diseñador.

          LAS FORMAS COLORES Y TEXTURAS DENOTAN Y CONNOTAN
DENOTAR: Indicar, anunciar, significar objetivamente.  Se opone a connotar.
CONNOTAR: Conllevar, además de su significado propio o específico, otro de tipo expresivo.

Con letras hacemos palabras. Varias palabras pueden arman frases. Algunas frases  dicen conceptos. Expresamos ideas. ¿Como hago esto en el campo del diseño?, me enseñaron a escribir pero ¿te enseñaron BIEN a configurar diseños?
Solemos creer que por el solo hecho de poseer dos ojos sabemos mirar, pero tal vez solo veamos y no seamos capaces de observar (con ojos y mente).
 También pensamos que podemos escuchar pero somos un poco más concientes acerca de las acciones de nuestros oídos. ¿Escuchar es lo mismo que oír? 
Casi todos somos concientes si poseemos habilidades especiales en algún campo específico (que generalmente esta relacionado con algunos de nuestros sentidos, tacto- vista- olfato- gusto ¿etc.?)
Yo se si tengo habilidades musicales o no, y se que para mejorarlas es preciso estudiar incorporar técnica y racionalizar lo que tengo innato, para poder mejorarlo y progresar. Los diseñadores que trabajan con los sentidos y sobre todo la vista. ¿la han educado?
En eso estamos ahora, tomando conciencia de que tal vez nos falta algo de base en nuestra formación y estamos a tiempo de reforzar nuestros cimientos. Cuando explico esto a mis alumnos me suelen decir, si esto ya lo vimos, parecido no tan así, pero… ¿Pero que? ; ¿Yo me puedo olvidar como suena una vocal?, si y usarla por memoria refleja. Puedo hacer eso cuando la tengo incorporada y ya no me es necesario racionalizar cada sonido para armar palabras. Puedo hacer lo mismo en el campo del diseño, si cuando lo comprenda y lo tenga incorporado. Para esto alumnos y profesores diseñamos un método que es lo que les enseñaremos.

FIGURAS BÁSICAS: primeras palabras

Mamá horizontal y papá vertical tuvieron un hijo (tiene los ojos de la madre pero la boca del padre) conservan características de sus progenitores. En el mundo del diseño también.


Con 2 horizontales y dos verticales conformo un cuadrado

Con 1 horizontal y 2diagonales puedo hacer un triángulo, o con 3 diagonales.

Con una curva continua tengo un circulo

¿Cuál de estas tres figuras básicas es más masculina y por que?
Triangulo (por agresivo y penetrante)
¿Cuál más femenina? Circulo (por: la matriz, las 9 lunas, la luna, el abrazo)
Lógicamente entre el cuadrado y el círculo este último nos resulta más femenino.
¿Se pueden tridimensionalizar estos conceptos?
 Si. Circulo = esfera,   cuadrado = cubo, triangulo = pirámide (mantienen sus características aún en variantes cercanas como
Esfera, ovoides, cilindros, media bocha.
Pirámide de base triangular, cuadrada o circular.
Cubo, prismas.
¿Es verdad que conservan las características de sus progenitores? , Si, ¡demuéstralo!
Has rodar: un cubo, una esfera, un cilindro, una pirámide de base circular y otra de base cuadrangular o triangular. ¿Que paso?, saca tus propias conclusiones.
¿Que colores primarios asignar a cada figura?
Triangulo amarillo, si ¿Porque? Por que es el primario más hiriente y el que más avanza
y por lo tanto penetrante, ¿En oriente es igual? Si
Circulo rojo, Si ¿Porque? Por asociación con lo sanguíneo ¿En oriente es igual?, No
¿Porque? Porque se asocia a lo esférico con el cosmos, el universo el mundo. Ellos son más espirituales que venales.
Cuadrado azul, Si ¿Porque? , En occidente por ser el color mas estable y consensuado.  ¿En oriente es igual? , No. Los orientales asocian la construcción con lo rojo y la mayoría de las construcciones tradicionales japonesas tienen planta cuadrada (pagodas) o rectangular. Oriente y occidente están acercándose cada vez más, nosotros comemos sushi y hacemos yoga e ikebanas (1 tipo de arreglo vegetal japonés) y ellos bailan tango, comen asado se tiñen el pelo de rubio por que quieren ser como los norteamericanos. ¿Para que me sirve saber todo esto?, para diseñar, es totalmente distinto hacerlo para oriente que para occidente, pese a los acercamientos culturales que son solo de forma y no de fondo. El mercado más grande y poderoso ya no es Norteamérica sino Oriente.
HAY  QUE CONOCERLO COMPRENDERLO Y ACEPTARLO.
Desde estas apreciaciones básicas parten los diseños sus formas y colores lógicos, puedo planear (en base a una idea) una prenda o una colección roja/ovoide y después durante el proceso se modificaran algunas cosas pero nunca llegar a cambiar los conceptos regentes. Tal ves tenga bordo, naranjas, rojos varios, algo en poca dosis de otros colores pero la dominante será rojiza (para que la significación funcione. Del mismo modo la forma ovoide original se podrá modificar pero conservara su esencia.

Antes de subir un escalón más en nuestra analogía recordemos algunos conceptos (también básicos) de espacio. Nuestros diseños son espaciales tridimensionales y generados casi siempre a partir de planos (elementos textiles en rollos) 

Las dimensiones posibles en un plano de vida normal son dos, la bidimensión y la tridimensión. Los diseñadores de indumentos casi siempre diseñamos nuestras construcciones a partir de la bi-dimensionalidad textil. Para luego conformar un objeto que no es autoportante y que cubre nuestro cuerpo de manera tridimensional.

2D = ALTO Y ANCHO                              3D = ALTO ANCHO Y PROFUNDIDAD

Alto es siempre una direccionalidad vertical
Ancho es siempre una direccionalidad horizontal
Profundidad corta los dos planos anteriores (va de la cosa hacia mi o de mi hacia la cosa)

Acostumbrémonos a usar estas palabras con estos significados para evitar confusiones sobretodo si nuestro interlocutor esta al teléfono sin la vista de un geometral. No usemos sinónimos que generan muchas confusiones.

Perspectiva: ilusión de la profundidad. En un plano bidimensional.


Retomemos nuestra analogía:
Tenemos un abecedario posible de nuestros elementos constructivos: vertical, horizontal, diagonal y curvas, contracurvas (espirales circunferencias).
Tenemos un repertorio de 4 donde elegir racionalmente                                             
Un repertorio de letras para construir  palabras para armar frases para decir cosas que expresen nuestras ideas. 

Nuestro repertorio de formas  para armar figuras (2D) para hacer cuerpos 3D que expresen nuestras ideas. Un mapamundi posible desde donde elegir para comunicar universalmente mejor.


Si fuéramos diseñadores gráficos y estamos diseñando una tipografía para un producto spa, cuales serian nuestras formas dominantes al momento de trabajar?


¿Cuál elijo?, ¿Por qué?, ¿Pára expresar que?
Comprobemos si lo expresado en estos conceptos es verdad:
 Analicemos logos de indumentaria deportiva:



¿Con que repertorio básico de formas están diseñados?
 ¿Porqué?, ¿Para que?, ¿Uds. Creen que es casualidad?
 ¿Estos conceptos en 2D se pueden llevar a 3D?



¿Que es?
¿Para que sirve?
¿Dónde se usa?
¿A que se parece?



¿Que es?............................................................una alforja
¿Para que sirve?...............................................para guardar
¿Cómo se usa…………………………………….colgada 
¿Dónde se usa?............sobre los hombros, mano o cintura
¿A que se parece?....................................a trozos de carne

“AHORA ESTÁN INICIADOS EN EL MUNDO DEL DISEÑO Y CREO QUE COMPRENDEN MEJOR NUESTRA TAREA”



La incorporación de este método les facilitara el proceso de diseño.
No es bellas artes ni artes aplicadas, es diseño: un poco de ingenio y otro poco de arte, un poco de racionalidad y otro de intuición, sino es un indumento arte o un vestuario.



LA SIGNIFICACIÓN NO DEBE SUPERAR LA FUNCIONALIDAD

EN INDUMENTOS SERIADOS COMERCIALES DE USO URBANO.

Si lo puede hacer en el vestuario espectacular (para espectáculos).



 ¿QUE CON LAS TEXTURAS?

Pensemos texturas táctiles y visuales como una unidad.

¿Que tipo de texturas asociarías a cada color? (negro, blanco, rojo, azul, verde  y amarillo)

¿Por qué?  1) Hace una síntesis de 3 texturas (rugoso, liso, intermedio)

                  2) Amplia tú circulo cromático y asígnale texturas a los colores.

                  3) ahora unirle la forma

¿Esto es posible? , si pero con una IDEA



 En la próxima empezamos con idea.










UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
FACULTAD DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y URBANISMO

DISEÑO DE INDUMENTARIA

CÁTEDRA BROCHER

 “ADHERENCIAS”

Solo es una clasificación de volumen indumentario, que nos será muy útil para comunicarnos.  No es 1ra, 2da y 3ra piel por superposición.


CONTENEDOR: 3eras. Pieles, abrigo amplio, poncho, capa, prótesis.                               
INTERMEDIA: Sastrería. Pret a porter 
REVESTIMIENTO: Ropa interior. Algunas deportivas. Algunas tipologías  para jóvenes. Calzas.
COMPRESIÓN: Trusa, faja, corsé, cinturón, corselete, corpiño reductor, vincha. Cintura de las tipologías, puños apretados.



  



MÉTODO BROCHER



“El dedo sirve para apuntar a la luna. El sabio mira hacia la luna, el ignorante hacia el dedo”. Anónimo Proverbio Zen. 


Lo que te quiero decir con esto es que no te centres en el método, sino en lo que este arroja. Respétalo y úsalo como te lo sugerimos.  No lo distorsiones ni reinterpretes.
Recuerden que este método los irá guiando de lo general a lo particular, de lo más grande a lo más pequeño.
No se asusten ni pongan ansiosos, porque cuando lo comprendan verán que es sencillo y está bueno.
Está hecho haciendo un corte horizontal entre varias disciplinas del diseño, optimizando tiempos y esfuerzos. Es un método totalmente racional y sistematizado, pero para que de frutos hay que regarlo con ideas propias… (las tuyas) y  algo de talento creativo. Lo venimos aplicando hace ya unos años y nos ha dado grandes satisfacciones, con alumnos ganadores de concursos internacionales de diseño indumentario. Si se te ocurren cosas para mejorarlo, en el futuro no dudes en sugerirlas. ¡Gracias!




UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
FACULTAD DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y URBANISMO

DISEÑO DE INDUMENTARIA

CÁTEDRA BROCHER


ESTRUCTURA 3D:
Hueca, de 25 cm. de alto, homogénea (unifórmenle repartida sobre el volumen de la línea) y tridimensional, que abarque los brazos y las piernas por separado si hay mangas y/o pantalones.
Se diseña sobre la maqueta (con lana o hilo muy contrastado de valor) pasando por los accidentes (salientes: picos, entrantes: valles) de la línea, o también esquivándolos, o la combinación de ambos. De pico a pico, de valle a valle o de pico a valle. Podés ayudarte con alfileres, no los de bolitas de colores. Si tu línea tiene aristas, también formaran parte de tu estructura. Ya que son accidentes de la forma: línea. La estructura, simplemente une los accidentes de la forma.
Sólo hacer estructuras asimétricas en el caso que la línea lo sea. Cuando lo comprendas y uses con soltura (el método) podes experimentar otras opciones.
Las estructuras tienen que tener un diseño lógico, coherente y no ecléctico en su concepción. Deben resultar armónicas en su concepción. No le hagas adornos o distorsiones ilógicas, es como un río (busca los valles) o un poma (va hacia el pico). También podés pensarla como una ruta vial. O la estructura de una carpa, si la lona (línea) se cae, falta estructura.
Evitar estructuras laterales, verticales al cuerpo (el 95, 8% de los indumentos las tienen). Los bordes (de ingreso/egreso de manos, brazos, cabeza, cintura Etc.) forman, sine qua non parte de la estructura. Es  muchísimo mejor si hay coherencia (similitudes) entre estos bordes y lo que sucede dentro de la estructura.
No hagas ecos o ramificaciones parecidas muy cercanas. Simplifica.

MAQUETA 3D:
Es a escala no a ojímetro. La manera mas sencilla es hacerla sobre un cuerpo articulado de madera de un alto de 20 a 25 Cm. Que tenga un canon de 7 y 1/2 cabezas u 8.
Será la línea( forma)"general" de la prenda, conjunto, línea o colección.
Como si fuera un molde de flan que puedo rellenar con distintos ingredientes.
Sin ningún detalle, adornos, avíos, escalones chicos. No es una tipología ni conjunto, es un estadio previo.
La línea se puede trabajar con plastilina, goma eva, papel, gasa de algodón, cintas; pero siempre de color blanco. Para ver mejor las luces sombras y sus distintos valores.
fijar un pie a base pesada (taco de madera) ayuda. Girar constantemente durante el proceso es fundamental, sino, gira vos. Es para verlo desde todas las visuales posibles.
Separar piernas y brazos, Para ver tiro y sisa (si son similares mejor). Pensar si precisa un tajo, o tiro más bajo, o si podrá sentarse y subir  los brazos. Formas complicadas entre las caras internas de las piernas, traen problemas de roce, igual entre el torso y los brazos.
Recordar y tomar en cuenta  los niveles de adherencia y tipologías que el ejercicio exige al momento de diseñar la línea.
Generalmente los indumentos se apoyan sobre cabeza, hombros y caderas y se ajustan en los puños cintura y cuello.
Si haces un gran contenedor, pensá como lo vas a sostener. Existe una gran "relación de proporción" entre la materialidad, recurso y la gravedad; que lo posibilita o no. Cuando tenés que agregar refuerzos internos en tu prototipo, pensá en achicar tu contenedor. No existen enanos que mantengan los indumentos a 6 ó 20 centímetros del cuerpo, o colchones de aire que los alejen para que floten despegados de la carnalidad.
Los intersticios y metámeros son para que tomes realidad de las distancias de los indumentos al cuerpo.
La línea será tu molde de todas las prendas que diseñes sobre ella. No es una cárcel, que todas las prendas de una serie o colección tengan igual forma es una virtud e idea de forma.
Por supuesto que en una colección o serie en el mercado laboral real, podes hacer  pequeñas variaciones, al aprenderlo no.
Diseñar sobre línea y estructura, es así, parece que limita, pero en realidad si sabes usarlo; simplifica y da millones de posibilidades.
Que una colección o serie tenga muchas similitudes, es ESPLENDIDO desde  el punto de vista del buen diseño.
La  gran variedad no es sinónimo o síntoma de innovación y creatividad, sino todo lo contrario. Suelen decirme: pero queda todo muy parecido, muy igual, empiecen a ver que esta característica se da en las colecciones de grandes diseñadores.
También tenemos que ir aprendiendo a dosificar nuestras ideas, no poner todo en una colección. ¿Sí no?,  ¿Qué pondremos en la próxima? dosificar astutamente de a una idea por ves. Tenemos muchos años de diseñar por delante, aprender a manejar la ansiedad es parte de nuestra tarea.
Una vez hecha la estructura sobre la línea. Pasar a 2D.por fotografía  con el lente perpendicular a piso, a la altura ½ de la figura. De frente/espalda y laterales. Si es poco convencional, también desde arriba y abajo. Siempre con una la cartulina gris medio de fondo para contraste de valor. Sobre estos datos diseñar con papel de calco superpuesto. 


DISEÑO SOBRE ESTRUCTURA:
Sobre esta estructura 3D pasada a 2D (frente, espalda y lateral/es) se apoyaran todos nuestros diseños. Si tenés que diseñar algo que no tiene anclaje en la estructura agrega una sub-estructura uniéndola con la original (conserva esta sub-estructura porque en diseños en serie te será de suma utilidad), no diseñes sub estructuras para cada tipología a diseñar, arréglate con la que ya diseñaste. Te va a dar buena unidad.
La mejor manera de usar la estructura, al momento de diseñar, es con continuidad virtual (cerramiento de la Bauhaus). Salteando sectores. Sobre todo en la altura de la cintura.
La estructura no es el diseño ni la moldería. No necesariamente se ve toda en el diseño. Solo es un sitio donde se apoya (coinciden) algunos puntos o sectores de mi diseño).
No pienses tus diseños solo de frente, antes de pasar a diseñar otra tipología, completa lateral/es y espalda. También es muy interesante empezar el diseño desde el lateral o la espalda y dejar el frente para el final. “En realidad lo mejor es hacer los 3 al mismo tiempo” al principio te va a parecer raro. Podés marcar algo y darle la continuidad de frente a espalda. Después otro elemento que sale del frente del torso y termina en el largo modular, en el lateral.  
Frente espalda y lateral/es tienen que tener el mismo chiste. Espero: no ver un cierre relámpago en la espalda de un vestido y al frente alamares. Espero ver un diseño sin cierres o con varios, o con alamar/es. Si tiene algo al frente, lo mismo al lateral/es y la espalda. Esto nos da lógica, unidad y modernidad, un cierre al medio de la espalda es como la escoba, escondida atrás de la puerta. Es como si lo diseñara una modista anticuada y no un diseñador del siglo XXI.
Algo que tiene cierres, velero, botones, broches de presión, bordados y estampas es: una mala deconstrucción, un rejunte sin gusto a nada, o la obra de alguien que no sabe que quiere y por eso usa de todo un poco. O tal vez quiera parecer re-moderno, viste.
Dudo mucho de algunos diseños que parecen una cosa y son otra (transformes). O cumplen más de una función (en algún momento una, cede por la otra, y se hunde o hace agua). Distinto es si ese indumento es: irónico, sustentable, espectacular, filosófico, o artístico.
Sobre la: espalda, lateral y frente, de línea y estructura (en 25cm. de alto en 2D), apoya papel de calco y comenzar a diseñar con el  color general de tu línea. Luego pasalo a un figurín con una pose acorde al target y rubro, no te paras igual si tenes puesto algo deportivo o un traje, si sos Maradona o un presidente.
Por supuesto que a medida que vayas incorporando el método lo iras flexibilizando y acomodando a tu temperamento y necesidades de cada caso. Es un método que lleva tiempo procesar, los elogios de ex alumnos llegan. Y suelen decir: sabe tenía razón, recién ahora lo entendí. Mientras cursaba No me cabía porque hacíamos todo eso.
Ahora lo hago y esta bueno. Me re-sirve.



                                                 Prof. Sup. Rupert Broche







La exposición en el ámbito educativo





Por Hugo del Barrio.





     Las dificultades observadas por los docentes en las exposiciones orales de los alumnos de los niveles medio y superior, me llevaron a la redacción de este material que pretende ser una ayuda para organizar dicha forma de comunicación.

Los aspectos a tratar tienen dos bases fundamentales: la exposición como discurso conversacional y la posición del disertante ante su auditorio.

      Dividiré este trabajo de la siguiente manera:

  • Definición de explicación.
  • Su organización.
  • Procedimientos explicativos.
  • El hablar en público.



Definición de explicación.



     Explicar es un verbo polisémico. Cuenta con varios significados: aclarar una idea, enseñar un procedimiento, desplegar un tema, indicar causas de un acontecimiento. La intención que tiene el locutor es que sus palabras logren que quien escuche, comprenda algo. Algunos autores hacen una diferenciación con la exposición como el interés primordial de quien expone es “proveer información de manera ordenada, más allá de que el interlocutor la comprenda o no”. Pero como aquí acordamos un marco pedagógico, entendemos una interrelación entre la explicación y la exposición. Privilegiando el sentido comunicacional. La exposición nos permitirá una mayor organización en la técnica de estudio. Casi todos hemos pasado por esta situación: “- Se nota que estudió; pero si no puede explicar los conceptos básicos lo tengo que desaprobar.

-         ¿Un tres? ¿Por qué? Si yo estudié.”

Por lo tanto el poder cumplir con la meta de “exponer – explicar” es lo que nos indicará que el tema fue aprendido. Para ello será necesario desarrollar y profundizar las habilidades necesarias para comprender y producir textos explicativos.

      En un comienzo decimos que cuando uno explica oralmente utiliza una estructura menos ordenada que la escrita. El disertante tiene en cuenta las reacciones de quienes lo escuchan, asocia ideas de acuerdo a esa situación en particular, para modificar el camino y el estilo acorde a las circunstancias. Hay una copresencia  de enunciados y destinatario. La oralidad tiene espontaneidad, permite la ida y vuelta, el uso gestual y la entonación para facilitar la comprensión del mensaje.

       Pero para poder realizar estas deserciones  es útil tener en claro la hoja de ruta que nos permite la exposición. Como argumentación retórica, el hablante justificará su posición ante el tema elegido, sostenida por una serie de justificaciones y apoyaturas; palabras que sirven como operadores que expresan la certeza  con que encara el emisor su información, para que el receptor la acepte sin vacilaciones, sin discusión. Por Ej. “seguramente”, “con seguridad”, “por supuesto que…”.



Su organización.



La explicación tiene una estructura que puede ordenarse de la siguiente manera: 



  1. Presentación del tema. Este punto es fundamental. La mayoría de la gente no tiene en cuenta la presentación del tema porque lo vincula al contexto (aula, clase, materia) y lo elide. Se responde a una serie de preguntas relacionadas con sus funciones básicas: presentación del tema y descripción de la organización de la exposición. ¿De qué se va a hablar? ¿Por qué se decidió ese tema? (importancia, originalidad, etc.) ¿Cómo está organizada la explicación? ¿Qué aspectos del tema se toman en cuenta?
  2. Desarrollo. Esta parte irá de lo general a lo particular. Lo primero que tendremos en cuenta es al auditorio. Luego se trabajará con los datos más relevantes. Se utilizarán los procedimientos explicativos que describiré en otro apartado.
  3. Conclusión. En esta etapa se sintetizan y se generalizan los resultados a los que se ha llegado a lo largo de la explicación, acerca del tema abordado o de las perspectivas teóricas que lo explican.



Procedimientos explicativos.



      Este texto tiene la intención que su interlocutor adquiera, al escuchar, un saber que no tenía antes. Para lograr este objeto, el locutor desplegará diferentes recursos que tienen por finalidad asegurar la comprensión.



La reformulación. Consiste en proponer un enunciado que aclare un segmento anterior del texto, Se utiliza cuando supone que la idea que explica es difícil de comprender.

Son marcadores de reformulación expresiones como “es decir”, “en otras palabras”, “dicho de otro modo”, “o sea”, etc.



La definición. Es un procedimiento de reformulación que consiste en proporcionar el significado de una palabra o expresión.



En las definiciones se puede:

-         Establecer una equivalencia de significado. Por Ej. “El texto – tejido, trama – es los términos propios de un autor, de un libro, a distinción de los comentarios, glosa. Es  marcador de la equivalencia  el verbo “ser”.

-         Describir las características distintivas del objeto que se designa. Los marcadores de definición por caracterización son entre otros, los verbos “ser”, “poseer”, “consistir”, “conformar” y construcciones como “está formado por”, “está constituido por”, etc.

-         Indicar la función que del objeto que se designa. Marcadores: “se usa para”, “sirve para”, “cumple función de”, etc.

-         Proporcionar el término técnico o científico que se utiliza para denominar al objeto. Por ej. “La decoloración de las partes verdes de la planta por falta de luz se denomina “caquexia”.



La ejemplificación. Es un procedimiento que consiste en proporcionar un caso concreto, particular, del concepto que se explica. Marcadores: “por ejemplo”, “a saber”, “es el caso de”, etc.



La analogía. Es la representación de un caso de características similares a las del caso que se desea explicar. Marcadores: “como si”, “es como”, “es lo mismo que”, “tal como”, etc.







Hablar en público.



   Las explicaciones orales se nutren de la personalidad del expositor. Los gestos, los tonos, las pausas y aceleraciones de los ritmos al hablar nos dan información sobre puntos centrales. Por lo tanto estar ante un grupo de gente significa permanecer tranquilo y seguro de si mismo, sin temor a equivocarse o a fracasar. No tenemos más remedio que aceptar que siempre nos vemos obligados a experimentar y aceptar un cierto grado de ansiedad. Lo importante es encontrar la manera de aprender a usar mecanismos adecuados para que estos síntomas no nos superen y acaben por bloquearnos. Desde un principio consideramos que los nervios son normales y si lo acatamos es el primer paso para superarlo.

   Hablar en público sugiere el dominio de ciertas habilidades. Implica hablar de un modo menos espontáneo que en la comunicación cotidiana y personal. Es necesario prepararse con antelación el discurso y asegurarse de que se emitirá con una lógica interna que facilitará su comprensión por parte de los oyentes:


·        Se pondrá especial atención al propósito y al tema.
·        Se organizará el mensaje de manera que sea comprensible por la audiencia.
·        Se utilizará un estilo apropiado al público.

    Es importante mantener el contacto visual con la audiencia. De este modo los asistentes se concentrarán mejor con el discurso.
   En general  el triunfo o fracaso comunicativo dependerá en cierta manera de la capacidad que tengamos para manejar las técnicas verbales; la claridad de los mensajes, la entonación y la amenidad que demos a nuestras intenciones.
    Otro punto para tener en cuenta es el espacio, tratar de aprovecharlo en su totalidad permite que los oyentes no permanezcan con la vista en un solo lugar y no se distraigan.
     La seducción, un punto fundamental para la comunicación, no implica caer simpático, necesita de la autenticidad. Ser uno mismo, ni más ni menos. Atraer al público por el conocimiento, no menospreciarlo, recortando información y empleándola de tal manera que sea incomprensible.

Decálogo del buen orador.

  1. Los oyentes deben escuchar. Module.
  2. No coma chicle.
  3. Olvídese del celular. Viva este momento.
  4. No se tape la boca con las manos al hablar.
  5. Que el material visual, auditivo, táctil, olfativo, gustativo que utilice para apoyar en la clase sea el adecuando. Y no otro parecido.
  6. No se detenga adelante de lo que muestre impidiendo la visión de la audiencia.
  7. No se vaya por las ramas.
  8. Hable poco y lo preciso (Máxima Gral. San Martín).
  9. Sea ameno.
  10. Sea humano.




PEQUEÑA HISTORIA INCREÍBLE:                     05/2012



Ya recibido y trabajando muy bien en el área de comercialización visual, viajado por Suramérica y Europa; había diseñado y construido otro grupo de maniquíes chatos y motorizados para Makita/Martin’s
_, Quien piense que diseñar un maniquí es lo mismo que una escultura, desconoce el rubro, y si creen que para diseñarlo no hace falta conocer profundamente los indumentos, jamás vistieron uno_.

Diseñé y realicé en 1991 a mis primeros maniquíes huecos y plegables como una ambientación  para una vidriera (ambientación es todo lo que no sea el producto),
básicamente los pensé como un soporte indumentario para abrigos de piel, luego al sacarlos de la vidriera donde los use, mejoré las terminaciones y simplifique el diseño. Hoy son unas estructuras multifuncionales 3D, con ligamento de tafetán simple,  sin características particulares. Están hechas en aluminio semi - rígido y polipropileno flexible. Las bauticé “Familia Metropolis”

Ido Caldana, una peletería donde hacia comercialización visual una vez por mes, tenía muy buenos maniquíes pero ya se les había pasado el cuarto de hora y yo estaba un tanto aburrido de ellos. Ya los había usado solos, en grupos, colgados, horizontales, cabeza abajo, volando, por partes, etc., etc. durante 10 años.
Al cumplirse el mes los retiré (a los prototipos Metropolis) para cambiar por otra ambientación y volver a usar los maniquíes de “Arceo” (lo mejor que le sucedió a la Argentina en el rubro de instalaciones comerciales), marca del local que vendía maniquíes en la calle Lima.
En la peletería, las vendedoras me comentaron que habían causado mucho revuelo, elloslos maniquíes, ¿Cómo es eso? pregunte asombrado y curioso. Sí, mucha gente pregunto por ellos. Como siempre dije: “la gente entra a preguntar por lo que no se vende”. No me contestaron, mucho más que eso, preguntaban donde los podían comprar, que de donde los importamos, qué buenos están, querían verlos de cerca, tocarlos. No como siempre, no fue la típica señora aburrida que no tiene nada que hacer con su tiempo y entra mostrando interés por algo que sabe no vendemos, solo para hablar con alguien y que la escuchen, no fue eso, fue otro tipo de público, mas inquisidor.
Después de semejantes comentarios hice mi trabajo mensual olvidándome del tema y enfrascándome en la nueva presentación.

Al regresar, durante el viaje, pensaba en lo que me habían dicho; diciéndome a mí mismo que eran un tanto exageradas. Lo mismo me paso en una muestra en la SCA (sociedad central de arquitectos) donde un periodista al comentar la muestra solo habló de Metropolis. Pero algo despertaron en mí semejantes comentarios, porque en pocas  semanas estaba mejorando proporciones, materiales, terminaciones y modelos.

Los primeros los hice con lo que tenía en el taller, suncho de chapa para embalaje, cortinas americanas viejas, cintas de plástico, suncho de embalaje plástico, acero inoxidable. Como sabía que irían vestidos por grandes abrigos no me esmere en los detalles. Las ambientaciones son efímeras (descartables o se usan un periodo y se reciclan).
La cuestión fue que, en unas semanas, tenía varios modelos y muchas alternativas de materiales posibles. Allí durmieron unos meses más.


Un día, de mañana escucho en la radio (Nacional) una convocatoria para una feria de inventos, y me dije: “ése sería un lugar donde mis maniquíes podrían participar”, anoté la dirección y a los pocos días registré la idea (ya tenía experiencia en el tema patentes. marcas y modelo industrial).
Me fui a la convocatoria de la feria de los inventos (no tenía ni idea de que se trataba),
Pero me arme una carpeta con fotos, planos y registro. Me atendieron muy bien y me entusiasmaron para que llenara una ficha para postularme a participar, tenían que aprobarme, dijeron. La chica que me atendió me comento que mi proyecto estaba muy avanzado.
_ ¿Qué?_
_Sí, ya tenés planos, prototipos, comprobación de uso, y corrección de prototipos, además ya lo registraste, creo que vas entrar sin problemas. Pasaron unas semanas, y mediante un llamado telefónico me explicaron que debía presentarme a los dos días a armar un stand. Fue complicado, no por el stand, (en el campo ya tenía amplia experiencia) sino que yo estaba  trabajando a full con mis clientes de comercialización Visual, pero me mandé y armé algo. Es difícil hacer lo que uno les enseña a los clientes, sacar dinero de tu bolsillo es tremendamente inquietante, yo estaba acostumbrado a pedir, diseñar, materializar y montar para otros. Un proyecto propio y que no era artístico, dejar temporalmente mis clientes para dedicarme a una cosa comercial en el ámbito del diseño ¡Qué locura! Me fui enterando sobre la marcha de qué se trataba todo eso: una mega feria de inventos en el Centro Municipal de Exposiciones. En el sector que me ubicaron dos inventores compartían el stand. Tenía que estar para atender al público, los 16 días de la feria.

Allí trabé conversación con otras personas, de otras formaciones, no  plástica, locos inventores, de a poco tome conciencia que no éramos tan distintos. Ambos actuábamos apasionadamente.
El público eran miles de estudiantes primarios y secundarios que inundaban la feria por las mañanas, y familias por la tarde. Fue maravilloso poder escuchar opiniones de todo ese caudal de público, y también la interacción con otros inventores.
Me hicieron notas en la radio y algunos diarios. Me fui  ganando un espacio por el moderno diseño y lo inusual del rubro.

Había (todos los días) una señora que caminaba de aquí para allá, hablaba inglés americano y siempre estaba rodeada de muchas personas que la atendían. ¿Quién será este personaje? Un día, pasó sola por enfrente del stand y la invité a que vea mis prototipos. Lo que quería era ver si yo era capaz de poder explicar mis diseños en inglés (pese a que es mi lengua materna, no domino vocabulario técnico) era un personal desafío lingüístico. Por supuesto que no me resultó fácil, y muchas palabras me faltaron, pero me las arreglé como pude. Con cara de piedra, me dijo que lo mío era muy interesante. Me hizo concientizar que tenía que ver el tema costos y producción. ¿Para qué? yo nunca pensé en producirlos masivamente y… ¿venderlos?
Lo interesante fue que me escuchó atentamente y comprendió en que consistían las virtudes de mi productos (no solo vio el diseño, sino que pudo entender las innovaciones) eso, durante la feria, sólo había sucedido con un vidrierista y propietarios de locales comerciales (usuarios que conocen el rubro).
El anteúltimo día de la feria, estuvo la señora misteriosa como parte de un jurado para elegir inventores argentinos para representar al país en INPEX (feria de los inventos norteamericana) no habló conmigo, solo lo hizo con el inventor con el que compartía el stand. Al retirarse, yo le pedí que mirara mis trabajos y su asistente me contestó, que ya sabían todo acerca de mis productos y que era muy elocuente y simpático.
Luego más tarde vino sola y me preguntó porque no estaba en la lista de los auto postulados, y si me interesaba viajar para representar a mi país en EE.UU. Contesté que sí, naturalmente. Se retiró, pero enojada con sus planillas, volvió sobre sus pasos y preguntó porque no figuro en la lista, contesté (con mi mejor tono sarcástico) que sería un error involuntario de la organización o de mi compañero de stand (que se supone me había inscripto mientras yo quedaba a cargo de atender al público de los dos inventos). Me sonrió y agradeció mi diplomacia.
Al día siguiente volvió a pasar con su sequito acostumbrado y se puso a discutir con los organizadores: cri, cri, cri ¿Qué pasa? Yo me retire lejos y fui al baño (me puso muy incómodo la situación. Según me chusmearon los que pudieron escuchar: solo ella tenía claro en que se diferenciaban mis maniquíes a los existentes en el mercado, los demás solo vieron buen diseño.
Finalmente fui seleccionado (junto a 19 inventores argentinos) para participar en la feria
en USA.

Al estar formado en Bellas Artes en Buenos Aires, mi mirada privilegió más las culturas europeas y orientales, América del norte no me atraía tanto. Siempre nos la venden como importadora de auto-exiliados talentos europeos.
Llegó el día en que me proponen viajar, lo pienso largamente (consulte con amigos del ámbito empresarial, no plásticos) y me comprometo al 100% con la tarea: reuniones, preparativos; hice todos los deberes, fueron muchos y complicados. Pero me los tome en serio. Un fax: era lo más. Internet no estaba a disposición popular aún.
Viajamos unos 16 inventores argentinos, de lo más heterogéneos, no solo por sus inventos sino por sus lugares de origen, Argentina, no solo es Buenos Aires, modos, hábitos y costumbres un tanto distintas. Yo tampoco soy un bicho muy argentino en mi manera de pensar y trabajar (papá alemán y mamá irlandesa es una extraña mezcla explosiva…).

Recuerdo que el consulado norteamericano denegó mi visa por falta de arraigo en Argentina, que yo quería irme para no volver, es irónico: habitualmente los Argentinos viajan para copiar algo y hacerlo acá, yo  quería viajar para mostrar algo totalmente nuevo y tratar de venderles el know-how a ellos y no me lo permitían, después se disculparon y dijeron que era un caso atípico: palabra que me persigue desde muy niño. ¿Será que los atípicos tenemos que pedir permiso para hacer cosas? o ¿Demostrar que justamente esa  atipicidad nos da la posibilidad de ser innovadores y muy creativos…?
Me otorgaron la visa una semana después de denegarla porque les expliqué que no había dedicado mi vida a acumular bienes materiales (edilicios, o automotrices ni cuentas bancarias o tarjetas de crédito), que mis bienes eran de cosecha espiritual (conocimientos y humanos), que mis más preciadas posesiones materiales eran mis libros y herramientas. Valores que conservo aún.

Llegar fue muy complicado, si bien teníamos un salvo conducto institucional a nivel gobierno, las cosas no salieron tal cual nuestras fantasías. Nadie estaba enterado de nuestro traslado, ni había nada programado.
Trasportar inventos grandes, pesados, sufrir visas rechazadas, esperar pasaportes demorados, depender de la inexperiencia y apatías provincianas, no eran los mejores alicientes.
Viajé con el stand dentro de una valija grande. Y por supuesto mis Metrópolis (soportes indumentarios, multifuncionales).

La feria fue en Pittsburgh; lejos, muy lejos de centros comerciales internacionales. Si bien Pittsburgh es una gran ciudad con muchos puentes y excelente arquitectura no es NY o Francia.
Al llegar nos dieron un intensivo curso de cómo convertirse en un mejor expositor, excelente, aprendí muchísimo y reconfirme conocimientos. Fue de mañana muy temprano y de los argentinos solo estaba yo, cuando finalizaba llegaron 2 y dijeron ¿Cómo? ; ¿Ya se terminó…?

Apenas inaugurada la feria se hicieron presentes los jurados: me fue muy bien, me desenvolví con fluidez y tenía mis deberes hechos y aprendidos. Jamás pensé que se presentarían a primera hora del primer día, estuvo bueno porque no tuve tiempo de juntar ansiedad o prepararme.

La gente era interesante y el País me resulto maravilloso, no paré de observar y preguntar de todo. Y asómbrame a cada instante.

La delegación argentina tuvo varios premios importantes. Yo ya había recibido muchos premios en mi carrera y actuación profesional, de modo que no se me subieron a la cabeza, pero me ayudaron a sentirme más seguro.
Una cosa es ser el que mejor dibuja en el grado (aunque los profesores no te creían que lo hiciste vos y te decían que de eso no se puede vivir) del colegio primario, después te das cuenta que hay uno mejor que vos en otro grado, una sola maestra te alienta, te súper incentiva y te dice: lo que haces es muy bueno (Susana Gilardoni, en mi caso)  para tu edad (13 años), demuestra mucha madures,  de color y forma, es muy expresivo. Después pasan los años y te das cuenta que tenéis ciertas habilidades especiales que otros no tienen, en el secundario no hay quien te supere con la comprensión del espacio; en la universidad te das cuenta que hay muchos iguales a vos, o mejores y que ese talento que solo creías tuyo, muchos lo tienen. Te recibís y ves que los más talentosos no llegaron: son inconstantes o tienen grandes problemas. Trabajás, cosechas algunas recompensas: premios, dinero… seguís trabajando, te contratan empresas importantes, un día viajas y descubrís si lo que estás haciendo tiene algo que ver con lo que se hace fuera de tu país, Eureka, ah entonces, no soy tan malo, lo que hago esta bueno y a veces es mejor. Pero a pesar de que los otros afuera te buscan, respetan y valoran, acá tenés que dar examen a cada paso.

El último día de la feria se acerca un señor, con credencial especial y me pregunta
“¿Qué va a hacer ahora?” por el tono usado percibí que no era una pregunta ingenua ni inmediata. Era un súper especialista, que conocía el rubro, los fabricantes de maniquíes y  la comercialización visual. Le mostré mi lista de 112 invitados por correo postal, me pregunto cuántos vinieron, conteste, ninguno se sonrió y le dije: “viajo a NY para ver qué puede pasar allí”, abrió grandes los ojos, observo mi lista, escrita a mano. “¿Cómo la confecciono?” Tomé direcciones de las guías telefónicas de NY de la Biblioteca Lincoln de Buenos Aires, le dije. Se sentó y se tomó ¼ de hora para estudiarla pacientemente, comenzó a poner puntos de distintos colores al margen de 10 direcciones, le acerqué un mapa de NY y me dijo: es aquí, en esta calle están los principales; estos 2 están aparte (puntos de distintos colores sobre el mapa, mediante). Del resto olvídese; vea solo estos 10. Mis esfuerzos se habían simplificado aceleradamente al reducir mi ridícula lista.
Le pregunté quién era, porque hacía eso, le súper agradecí su ayuda y me respondió: (lacónico) “es mi trabajo, asesoro y oriento a los premiados, suerte”; me dió la mano y huyó.

Al llegar a NY me deslumbró la ciudad, la arquitectura, los comercios y museos, muy interesante. Me olvide de mis Metropolis, la metrópolis neoyorquina pudo más.

La última semana fui ver 5 de la lista de 10; y ver qué pasaba; fue alucinante: me plantaba en la puerta y les decía que como ellos no vinieron a Pittsburgh yo había ido a NY,  les mostraba fotos de una carpeta y les decía que en esta pequeña valija hay 3 maniquíes, allí me invitaban a pasar a tomar un café (ya no me escuchaban, paseaban los ojos de las fotos a la valijita 1,2,3. veces. y hasta que no me lo pedían no habría mi misteriosa valija.
De los 5, uno solo no mostró interés, aunque me insistió para que no deje de probar con otras empresas ya que la próxima semana sería la Expo de visual (NADI) allí en NY.
Mi ego y autoestima estaban en el grado correcto sin llegar a ser pedante, como antaño lo fuera. Estaba en el lugar correcto con un producto que 4 empresas multinacionales querían para incorporar a su presentación.
Elegí una empresa  y deje mis únicos 3 prototipos, que al día siguiente estaban incorporados al showroom. Ellos (Gemini Mannequins, proveedores del museo Madame Tussauds, grandes tiendas por departamentos y los principales museos y escuelas de diseño), me pedían que me quedara para la presentación, pero mi pasaje ya estaba prorrogado a su límite  y si decidía volver más tarde lo perdía y tenía que pagar uno nuevo (imposible para mi económicamente hablando); tampoco tenía conciencia del grado de importancia de lo que me estaba sucediendo.

En el año1992, no había Incuba, ni Centro Metropolitano de Diseño, ni Exportar, tampoco usina de ideas, ni laboratorio ni observatorio de diseño. El registro de modelos industriales y patentes de invenciones era tierra de nadie y no gozaba de reconocimiento internacional, tampoco créditos o asesoramientos para pequeños exportadores. Ni se hablaba popularmente de los emprendedores.
Recuerdo estar en NY con algunos inventores Argentinos pidiendo asesoramiento, en una oficina especialmente montada a tal fin y nos dijeron: no acá no hay nada, si quieren les presto a mi secretaria para tipear algo a máquina, pero acá a la vuelta hay un lugar que hace unos sándwiches para llevar, Alber-to-go, es fantástico. 

Una semana más tarde en Buenos Aires: mediante un número de fax prestado comenzaron a llegar ordenes de pedido de maniquíes Metropolis, la primera fue de Bergdorf & Goodman, (local al que no me atreví a entrar porque su lujosa estética me intimidaba, (aún no conocía bien a fondo a los neoyorquinos y  su amabilidad en el trato, cosa que ponderaría más tarde, de la cual se puede aprender mucho, si uno está dispuesto a hacerlo y los trata cortésmente).
Los norteamericanos se han refinado mucho, ya no son aquella maqueta rígida de los 50, que yo tenía fija en mi mente. Han incorporado mucho elemento Francés, son una capital multicultural, NY no es Miami. Lamentablemente tarde un año en comprenderlo.
Tampoco son Europeos, no podían entender por qué sabía y comprendía cosas que ellos mismos no sabían: recuerdo varias situaciones de este estilo, les explicaba que la educación artística que había recibido (11 años después de terminar el secundario) de mis maestros fue excelente, internacional y aggironada. Seguían sin entender y descreían, al día siguiente (luego de investigación mediante) se disculpaban; gracioso ¿no? Reconfortante para mí. Igual me repreguntaban de donde había sacado la información, o quien me lo había dicho; al explicarles que eran simples inferencias de mi memoria visual, entraban en cólera, creo que me perdonaron mi  actitud sardónica solo porque soy rubio y hablo bien inglés y soy descendiente de una Irlandesa (más de 60 % de los norteamericanos son descendientes de irlandeses). No les cabía que tuviera piel blanca y me manejara con erudición, ellos pre-suponen que alguien de este confín de la tierra, tiene que tener piel oscura y ser un tanto limitado en su pensar. No me creían cuando les explicaba que Buenos Aires es una ciudad multicultural y muy Europea parecida a Francia. En el próximo viaje les lleve libros de fotógrafos argentinos como regalo para reforzar mis comentarios, se quedaron deslumbrados con las imágenes de la ciudad y su arquitectura.

Exporté mis maniquíes durante10 años, a las cabeceras de la empresa en UK y NY, desde allí se redistribuían Europa y EE.UU. Y Canadá.
Fuí invitado a la presentación en Euro-Shop (lá exposición mundial de comercialización visual en Alemania, Düsseldorf) donde fui el primer expositor latinoamericano (con diseño de autor) en 20 años de feria tri-anual. Para esa ocasión tuve un asesoramiento genial. Un empresario Argentino ex-vidrierista que otrora sacara la revista Stands y Vidrieras;  hoy Editorial Ferias & Congresos (Juan Carlos Grassi) me miro serio y me pregunto, “¿Tenés idea adónde vas?” Contesté: a una exposición de comercialización visual. “No, vas a la feria de comercialización visual e instalaciones de comercios más grande del mundo, son 5 rurales juntas (en superficie cuadrada) tenés que organizarte, mirá morocho, lo que tenés que lograr es: tri ti, tri ti, tri ti”. Me dió media hora de consejos y prevenciones, que fueron reales y sin exageraciones fantasiosas, que cumplí al pie de la letra y me fueron muy útiles. Y luego:
_ “En esa Expo( Euro Shop) solo se presentan productos nuevos, se hace a cada tres años y creo que es la primera vez que un diseño argentino llega allí, averígualo
_“¿Donde?”
_ “En la Cámara Argentina Alemana de Industria y Comercio. Acá en Argentina, antes de viajar”. Fui, y averigüé; El Primer Latinoamericano. Genial. Un capo Don Grassi, realmente fui con toda la data y por eso la pude aprovechar al máximo.

La Familia Metropolis participó de innumerables exhibiciones, como soporte de productos (no solo indumentarios) o como diseños en sí mismos, en varios países: fue un honor para mí verlos en los London FashionWeek.; verlos usando ropa de Issey Miyake; verlos en exhibición y venta en el Museo Nacional de Bellas Artes. También disfrutar como los usan Carla Riquiardi, Aristocracia y Köstume en la Argentina. Observarlos engalanados con vestuario original de Niní Marshall.
Saber que algunos los usan con fines didácticos o terapéuticos, confirmo mis prospectivas de posibles usos alternativos.

Buscar materia prima, comprarla, calcular cantidades, rendimientos, costos, seguros,  convertirme en importador/exportador, productor y hacer la facturación; no fue algo para lo cual estaba preparado, y todos me querían enseñar la manera trucha, les explicaba que Gemini es una multinacional  y que tenía que ser por derecha;
_“ya vas a aprender pibesos muy jovencito”_
_ ¿”Color gris”?, es viejo, lleva rojo, está más de moda.
Comencé con 3 modelos y la serie se desarrolló en 11, con 2 variantes de color, también hice encargos especiales y estructuras no humanoides, usando el mismo sistema constructivo.

Una de las cosas más insólitas que ocurrieron en  el mercado internacional de maniquíes fue ver como las principales empresas productoras, abrieron su estética incorporando nuevas miradas cercanas a la estética y concepto de mis Metropolis. Al hablar con los diseñadores y escucharlos decir que se basaron en mi trabajo para hacer sus nuevos diseños “me sentí muy importante”. Romper el preconcepto de volumen de bocha (forma positiva rígida y figurativa) fue un gol inédito. Yo solo registré el sistema constructivo, lo estético: jamás pensé que revolucionaria el concepto, pero así fue. De hecho en Argentina y España, especialmente tuvo poca aceptación por el look. Lo consideraban demasiado moderno, en realidad creo que nunca lo digirieron, porque no lo comprendían.
_”Pues… oye hombre: que le ponemos careta ¿vale?”

En un principio mi idea fue vender el copyright y el know how, pero el dueño de Gemini Mannequins me insistió en que lo produzca yo en Argentina y lo exporte, Aluar es productor de aluminio a buen costo internacional y pese al transporte igual se justificaba.

Mis amigos y familiares me alentaron y ayudaron en dosis inimaginables, pero llevar adelante semejante proceso me desgastó, ya no me incentivaba, lo único que disfrutaba era diseñar nuevos modelos o ir a las presentaciones, salvo la fabricación, yo hacia todo: compras, facturas, controles, embalaje, exportaciones. No supe delegarlo.

Me conectó con muchas cosas nuevas y me sirvió para constatar que lo que venía haciendo tenía nivel internacional muy aceptable.

Me sentí actor de Hollywood cuando un alumno de indumentaria plantó un libro (de vidrieras) sobre la mesa y me pidió que se lo firmara, yo ni siquiera sabía de su existencia, “¿De dónde sacaste esto?” Le pregunte, “son esos libros importados que venden acá abajo en el hall” (sucursal de librería Documenta en la UBA-FADU) “¿me lo firma?”

Aun hoy muchos diseñadores (en voz baja) me preguntan
_” ¿De dónde lo copiaste?”  
Es un tanto triste escuchar esa pregunta de alguien que se supone es tu par…
Ni acá ni allá te creen, desconfían… todavía hoy tengo que pedir permiso y justificarme ante ciertas acciones,  pedidos o emprendimientos, cuando otros con mucho menos “hacen tanto ruido”

Sin embargo represento una satisfacción indescriptible estar en Londres, girar en una esquina y encontrarme con un grupo de ellos allí en Harvey Nichols Knightsbridge  (meca de diseño mundial) “¿Qué hacen ustedes aquí?” No me contestaron, son maniquíes, no hablan. Son como mis hijos, ya son grandes y tienen su propia vida.

¿Es verdad que usted participo en un  London Fashion Week? Pregunto una alumna de indumentaria de la UBA, noen dos (conteste),    ¿me habrá creído?

    

Rupert Brocher, con la inestimable corrección 

Ortográfica/gramatical y de estilo de Mónica Carró.







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PROPUESTA DE LA CÁTEDRA: forma de trabajo, método didáctico. Bibliografía general. Normas de presentación y convivencia.
T.P. DI 1: desarrollo, bibliografia, incentivos, material a entregar.
T.P. DI 2: desarrollo, bibliografia, incentivos, material a entregar.
T.P. DPI: desarrollo, bibliografia, incentivos, material a entregar.
A B C: fundamentos visuales
IDEA: cuadro, partes explicadas, preguntas para comprobación, como y con que llenarlo. Sentidos, herencia, educación.
ACEPCIONES DE LÍNEA: que es línea, distintos significados, rectificación de línea
ADHERENCIAS: clasificación de volumen indumentario, contenedor, intermedia, revestimiento, compresión. Método Brocher: pequeños consejos
PROPORCIONES: 8 cabezas.
RECURSO: simplificación del método.
METÁMEROS: A. Durero.
FUNDAMENTALES: elementos fundamentales a comprender e incorporar.
EXPOSICIÓN: quia práctica y analítica para hablar en público y ser comprendido.
CV: del titular.
VESTUARIO ESPECTACULAR: tipologías, diferencias y similitudes por género teatral. Consejos generales.
ACERCA DEL VESTUARIO ESPECTACUALR: apreciaciones de la Dis. Estela Sens para un mejor resultado.  
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