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¿Hay una nueva tendencia mundial actual para diseño de estampas y tejidos para indumentaria en distintos países, marcas y targets?
Si la tuviera que describir plásticamente es un expresionismo abstracto de base geométrica, distorsionado por un fuera de foco o traslación de algunos elementos. Algo parecido a la nueva figuración en pintura argentina, solo de los no figurativos.
Desde el punto de vista de la significación(el mensaje), comunica el estado actual de desconcierto, angustia desequilibrio, mareo, incertidumbre, desestabilizando, indefinido. ¿En proceso de cambio?
Creo que estamos ante un cambio radical de valores, costumbres, hábitos, necesidades, prioridades. Que ya no son las mismas que antes mantuvimos durante muchísimos años.
Como ya se ha demostrado en la historia visual, sabemos que no es decorativa ni caprichosa, sino que expresa y anticipa.
Bienvenido el cambio hacia un nuevo equilibrio. Durante esa transformación que no sabemos cuánto durará tendremos que adaptarnos a una nueva manera de vivir, sentir y actuar.
R. Brocher
Creación Vs. ejemplos:
Reflexiones experimentadas y consejos del proceso
enseñanza aprendizaje en clases remotas durante la pandemia.
Dar
ejemplos para enseñar no es una opción fértil, generalmente los alumnos las
recrean o emulan. Solo cambian la superficie sin crear nuevas posibilidades
estructurales.
La post
modernidad, la post verdad, la realidad virtual, la realidad aumentada, el
metaverso, la irreal supuesta normalidad: no son el kit de la cuestión. La
fantasía, la imaginación, la creación, la innovación, las utopías sí.
Cada uno
de nosotros crea su propia interpretación de una realidad que percibe. Las
aplicaciones cibernéticas que podamos usar a través de distintos dispositivos
no son algo nuevo. Aprender y usar distintas tecnologías durante la pandemia
fue muy enriquecedor para alumnos y docentes. Mantener los perfiles positivos
del proceso será interesante. Sacar lo superficial y dejar lo esencial.
Incorporar otras didácticas tecnológicas que simplifican y mejoran los
procesos.
Puedo ser
lo que mi imaginación me permita. No solo las opciones preconcebidas. Los
distintos avances tecnológicos ayudan a graficar, planear y resolver distintos
temas en el proceso proyectual y materialización. Pero es nuestra fantasía
imaginativa la que crea nuevas ideas que rompen o actualizan paradigmas. Para
crecer hay que reírse, llorar, equivocarse, experimentar, aprender de los
fracasos, solucionar problemas, salirse del camino.
La
interacción con alumnos de una edad generacional muy lejana al profesor
requiere del maestro una apertura mental a realidades muy distintas a la suya.
Tirarse al vacío junto al alumno es una tarea aterradora y apasionante; un
riesgo con algunas posibilidades de fertilidad empática.
Las nuevas
metodologías tecnológicas digitales no garantizan habilidades creativas
futuras. En cambio, incentivar la imaginación creativa da una posibilidad a la
creación original. Todavía la mentalidad digital es distinta a la mentalidad
humana donde la llave de la innovación la crea el usuario.
Desarrollar
trabajos prácticos con mayor libertad de soluciones. Empoderar al alumno a
encontrar su propio camino sin dejar de lado los contenidos.
El buen
diseño cambia para trascender, actualiza el clásico, crea nuevas tipologías que
responden a reales y nuevas necesidades del usuario.
La
motivación del alumno: no se logra con un trabajo práctico cerrado y que le
dicta al alumno lo que tiene que hacer. Este tipo de incentivo dará resultados
muy similares entre todos los alumnos de un aula. No subestimar al alumno, ni
darle total libertad; encontrar una búsqueda intermedia es deseable. Dar
ejemplos no es un camino feliz.
Lo
disruptivo no garantiza resultados felices. El rebelde sin causa nunca llega,
un rebelde con ideas tiene más posibilidades de llegar. Al dar ejemplos
imposibilitamos algunas salidas originales.
El proceso
proyectual es como una ruta con varias colectoras y rotondas, nunca es una
línea recta; tendrá desvíos, atajos, cortes… acostumbramos a seguir muy
cercanos al destino fijado nos mantendrá en el camino correcto.
Las
constantes interrupciones (TV, teléfono, timbre domiciliario, mala
conectividad, redes sociales, familia, problemas personales, mascotas, ruidos
vecinales) nos desenfocan mucho.
Tampoco la
comodidad es creativa. La real necesidad es el mejor incentivo de la creación.
Trabajar con necesidades más cercanas al deseo de nuestros alumnos ayudará
inmensamente. Enseñar con ejemplos es la manera más sencilla de esquivar el
desafío, solo logra: copia, emulación, plagio, mimesis, réplica, pequeños
cambios superficiales.
Alimentarse
debe ser una constante en la vida. Resolver creado es muchísimo más rico y
provechoso. Hay muchas opciones para llegar al mismo sitio.
Continuemos aprendiendo y enseñando y que los ejemplos los desarrollen los alumnos. Corregirlos y devolverlos seguirá siendo tarea docente. Se puede aprender mucho de los alumnos si les damos menos ejemplos.
Prof. Rupert Brocher
29/10/2021
Bolsillos: incentivamos la inclusión y su diseño hasta las últimas consecuencias.
Destacamos la importancia de los bolsillos debido a que en ellos depositamos nuestras pertenencias. Confiamos en que nos ayuden a transportar aquellos elementos necesarios para realizar nuestras actividades cotidianas. cuando nos probamos una prenda automáticamente metemos nuestras manos en los bolsillos, como si en ese acto nos apropiamos de la prenda en sí.
Habitualmente les pedimos a los alumnos que realicen el ejercicio de imaginar que necesitará guardar el usuario target; y que desde allí definan su ubicación, forma, tamaño, seguridad y textura.
De acuerdo al target, rubro y función: existen múltiples prestaciones que los bolsillos deben poseer en una prenda bien diseñada. La ubicación no debe resultar incómoda al momento de guardar o sacar los objetos.
¿Cuántos dedos entrarán en él?
¿Será chato? ¿Tendrá fuelle?... externo perimetral o solo lateral, tabla central, frunce ¿Dónde, porqué y para qué?
¿Atraques con hilos o remaches que refuercen su boca?
¿Interno o externo? ¿Cómo estará cosido?
¿ Qué seguridad debe otorgar? ¿Tapa cremallera, botón, broche? ¿Dónde? ¿Cuál?
Si es de bolsita interna... ¿De qué material y forma? ¿Estará sostenido para que no se salga al sacar la mano o su contenido? ¿Cómo? ¿Desde donde?
¿Es desmontable?
¿ Su boca es lo suficientemente ancha para poder acceder a su contenido?
¿Será impermeable, respirable, aterciopelado, hermético, acolchado?
Al momento de sentarse o agacharse ¿Su contenido se mantiene dentro o existe la posibilidad que se caiga?
¿Calca su contenido, la tela base de la prenda donde se aloja?
¿El hilo usado para coserlo pincha provoca ardor o raspa?
¿La forma de la bolsita junta pelusa en los lavados y/o su uso? ¿Cómo optimizar su moldería para que no suceda?
¿Conoces bolsillos dentro de los bolsillos? En la sastrería son habituales para el guardado de lapiceras encendedores y monedas.
¿La tela en la que se hará tiene la resistencia mecánica necesaria para que no se rompa durante su vida útil?
¿ Qué tipologías de bolsillos clásicos conoces? plaque, Mitre, relojero, monedero, ojal, invisible, zapo, secreto.
¿ Qué terminación tendrá la boca? vista, dobladillo, tapa, al corte, bies, ojal, moscas, embolsada...
Dis. A. Viegas
Dis. P. Arribas
Esc. R. Brocher
C Á T E D R A B R O C H E R / D I S E Ñ O D E I N D U M E N T AR I A / UBA-FADU
DISEÑO RESPONSABLE
Hablemos un poco de las funciones del diseño.
A lo largo de la carrera hemos tenido materias como Sociología o Comunicación y Cítrica donde hemos teorizado acerca de la función del diseño y su rol en la sociedad; desde sus comienzos como disciplina, de la mano de la revolución industrial hasta la sociedad de consumo instaurada tan fuertemente en los años 50s. En un primer momento, y de la mano de organismos como la Bauhaus, el diseño se forma como una disciplina capaz de mejorar el alcance de los objetos hacia sus consumidores y se abre un nuevo puesto entre la relación de productores y consumidores.
Mediante su análisis sobre las necesidades del usuario y su conocimiento acerca de los símbolos, formas y elementos tecnológicos que constituyen a los objetos, se convierte en una herramienta indispensable en la cadena productiva. Lo que comenzó como una forma de brindar soluciones a un creciente nuevo orden de consumidores, termina hoy
en día, siendo la única forma de lograr abrirse camino en una sociedad saturada de objetos de consumo. Si entendemos el diseño, como aquella actividad destinada a resolver necesidades de un usuario, tenemos que ser conscientes de que dicho usuario vive en sociedad, por ende, es un ser social. De esta manera, el diseño, se convierte en una actividad social, donde el rol del diseñador está determinado por factores que lo rodean. Diseño = resuelve necesidades = usuario
Para que pensemos entre nosotros, ¿Existe el diseño sin usuario?, ¿Podemos pensar el objeto sin pensar en su función de uso?. Cuando eliminamos el usuario de la ecuación del diseño nos encontramos en el dominio del arte. Diseño = satisfacción de necesidades
En su teoría acerca de la jerarquía de las necesidades, el psicólogo humanista Abrahn Maslow desarrolló una clasificación acerca de las necesidades humanas y las plasmó en una pirámide. Si analizamos los diferentes niveles de aquella pirámide, vamos a ver que siempre que diseñamos estamos intentando satisfacer alguna necesidad en el usuario. Apelamos a aquello que nos impulsa como consumidores, nuestras propias faltas.
Entonces, entendiendo que todo diseño es social, vamos a hablar un poco más acerca del móvil del diseño, ¿Cuál es la finalidad? ¿Qué buscamos a la hora de diseñar?
USO / FUNCIÒN = El buen diseño resuelve una problemática en la vida del usuario.
IDEA / SIGNIFICADO = El buen diseño transmite un mensaje directo.
TECNOLOGÍA / RECURSO = El buen diseño acorta los procesos productivos.
Pero, por sobre todas las cosas, el buen diseño en un marco neo liberal ES EL QUE SE CONSUME. Es el diseño que se vende y que genera márgenes de ganancias.
Desde la caída del muro de Berlín el sistema económico preponderante es el capitalismo. El rol del diseñador en las últimas décadas ha respondido a lograr comunicaciones eficientes en los nichos de consumidores en un mercado cada vez más abarrotado de objetos.
El buen diseño, en el marco capitalista es aquel que se abre camino en la multitud de objetos y que llega felizmente a los brazos del consumidor. Sin dejar de lado los márgenes de ganancias que no solo nos permitan obtener y acumular riquezas, sino también el crecimiento exponencial de los objetos a producir.
Desde esta perspectiva, como diseñadores vamos a tomar conciencia de cuál es nuestro rol en estos engranajes y movernos de formas responsables.
Uno de los primeros diseñadores en sacar a la luz esta temática es Victor Papanek, que luego de la segunda guerra mundial comienza a plantear varias cuestiones acerca del diseño que no habían sido cuestionadas hasta el momento:
• DISEÑO INCLUSIVO
Comienza como una necesidad en EEUU de posguerra, muchos soldados regresaron con minusvalías a sus casas, y los productos que antes consumían empezaban a ser obsoletos. De aquí sale el término “diseño para todos”, donde se empieza a tomar conciencia de las diferentes necesidades de las personas, dejando de apelar a un usuario común o universal como se hacía hasta el momento. Nosotros preferimos llamarlo “Diseño inclusivo”, ya que la palabra universal nos hace pensar en un solo objeto para todos y preferimos hacer hincapié en que todos puedan ser capaces de resolver sus necesidades.
A continuación, enumeramos algunos principios del diseño inclusivo:
1. Uso equiparable. El diseño es útil y vendible a personas con diversas capacidades.
2. Uso flexible. El diseño se acomoda a un amplio rango de preferencias y habilidades individuales. 3. Simple e intuitivo. Tiene que entenderse fácilmente, atendiendo a la experiencia, los conocimientos, las habilidades lingüísticas o el grado de concentración del usuario.
4. Información perceptible. El diseño tiene que comunicar de manera eficaz la información necesaria para el usuario, atendiendo a sus capacidades sensoriales y a las condiciones ambientales.
5. Tolerancia al error. El diseño tiene que minimizar los riesgos y las consecuencias adversas de acciones involuntarias o accidentales.
6. Exigencia de poco esfuerzo físico. Hay que asegurarse de que el objeto pueda ser usado eficaz y confortablemente y con un mínimo de fatiga.
7. Tamaño y espacio para el acceso y el uso. Se trata de que el objeto tenga un tamaño y un espacio apropiados para el acceso, alcance, manipulación y uso, atendiendo al tamaño del cuerpo, la postura o la movilidad del usuario.
• DISEÑO CONSCIENTE
En el marco de un sistema donde el foco esta puesto en la economía, es importante para el diseñador pensar en las consecuencias de sus acciones antes de ponerlas en marcha. El objeto diseñado en sí mismo debe ser pensado de forma entramada en una red natural, productiva y social.
El diseño consiente nos va a hacer preguntarnos cosas como:
− ¿Qué materiales y energía están presentes en los sistemas que diseñamos? ¿Cómo afecta la utilización de estos recursos?
− ¿Cuál es el factor humano implicado en el proceso productivo? Pensando el intercambio laboral de forma justa y equitativa.
− ¿Dónde está emplazado nuestro producto? Trabajar con el lugar, el tiempo y la diferencia cultural como valores positivos, no como obstáculos.
− ¿Qué va a suceder con nuestro diseño a lo largo del tiempo? Evaluar el propósito del objeto diseñado y abstenerse de inundar el mundo con artefactos carentes de sentido.
• DISEÑO PARTICIPATIVO
La diferencia entre diseño centrado en el usuario y diseño participativo se encuentra en que el primero tiene en cuenta al usuario únicamente al comienzo y al final del proceso de diseño, mientras que, en el caso del segundo, el usuario participa durante todo el tiempo de desarrollo.
Acá podemos ver un reparto entre las funciones del usuario y del sistema, teniéndolo en cuenta como parte del mismo y no como un mero consumidor aislado.
El diseño participativo pretende generar equipos, grupos de trabajo interdisciplinarios para abordar los problemas a resolver. Esto es un golpe directo al ego del diseñador, que considera que su participación en cualquier proyecto eleva la condición de los objetos. Si bien, el diseñador es un experto en resolver y comunicar, la presencia de actores especialistas de otras ramas aporta, diferentes, necesarias e innovadoras perspectivas.
• DISEÑO SOSTENIBLE
Pensar el diseño dentro de un marco circunstancial y ambiental. Donde los materiales, procesos y tiempos sean contemplados durante el desarrollo, uso y vida posterior del objeto. Lograr que el diseño sea amigable con el medio ambiente. Se centra en reducir el impacto ambiental, tanto en el resultado final como en el proceso.
• DISEÑO POLÍTICO
El diseño político pone el foco en el activismo, exponiendo temas de interés social que ayuden a minimizar las injusticias del mundo.
EL ROL DEL DISEÑADOR RESPONSABLE
Siendo diseñadores inmersos en un contexto económico y social es imperante abrazar nuestros principios éticos y lograr alcanzar una clara objetividad y consistencia profesional, ya que antes que diseñadores, somos personas y ciudadanos.
Es menester que como diseñadores pongamos el foco en la sociedad y no en el mercado. La función social del objeto diseñado debe apelar entonces a asuntos colectivos, solidarios, justos y equitativos por encima de los intereses individuales.
Un diseño…
- Que detecte y atienda necesidades sociales.
- Que genere soluciones tácticas, abarcativas y duraderas para contribuir al bienestar social.
- Que impacte en el colectivo de las personas mejorando la calidad de vida.
- Que visibilice problemáticas sociales respondiendo a situaciones coyunturales, de carácter urgente.
- Que deje al descubierto la formulación de nuevas preguntas.
- Que transforme la mirada y contribuya a la formación de un nuevo paradigma.
- Que incluya a nuevos destinatarios.
- Que encuentre nuevos escenarios de acción.
- Que focalice en la cadena de valor.
- Que funcione como puente entre la técnica y la sociedad desde una dimensión ética.
Un proyecto de diseño responsable debe tener como cualidad esencial el SENTIDO DE TRANSFORMACIÓN, la generación de un cambio que nace de la necesidad de transformar la realidad existente en una realidad “preferible”, desde una visión positiva del escenario final.
Algunos, ya han aceptado el reto y desde mediados de la década de 1990 la preocupación por el medioambiente es cada vez mayor. John Thackara se ha referido al término DISEÑO CONSCIENTE para denominar un modo de trabajo apoyado en la idea de que la ética y la responsabilidad para tomar las decisiones de diseño sin opacar la innovación y el desarrollo tecnológico. En este sentido, ha señalado que el deber del diseñador del futuro será “diseñar maneras de ver aquello que no se ve”, porque para hacer las cosas de un modo diferente, las hemos de ver, de una manera diferente.
Otro desafío es generar cambios sin imponer una obligación, el diseño social debe generar una alternativa para que el usuario opte como dirección posible hacia el proceso de transformación. Ya que en el contexto en que el diseñador se mueve es la misma comunidad la que aprueba o desaprueba una determinada alternativa o solución de diseño. Recordemos que no existe diseño sin usuario, por eso debemos trabajar sobre las oportunidades que se encuentran a nuestro alrededor.
EJEMPLOS DE DISEÑO RESPONSABLE
THUMY
Tatuajes temporales para la rotación de inyección de insulina.
Thumy nació en el 2019 con la visión de diseñar algo que beneficiara a la comunidad diabética. La meta principal de la creadora fue diseñar algo divertido para niños con diabetes que además de brindarles felicidad, les facilitará la gestión de su condición.
Este producto empezó como un proyecto de tesis en la universidad de Parsons School of Design , sin embargo rápidamente evolucionó en un producto listo para el mercado.
https://www.thumy.org
LADRILLOS LEGO SOSTENIBLES
Árboles y arbustos hechos de caña de azúcar.
Necesitamos desesperadamente reducir el plástico, es por eso que LEGO se comprometió a usar materiales sostenibles en todos los productos y empaques básicos para 2030. Comenzaron por introducir bandejas de pulpa de papel sostenibles para sus calendarios de adviento LEGO y, más recientemente, han estado produciendo todos sus elementos botánicos con un nuevo material.
Hoy, cada vez que un niño o un adulto compra un nuevo set LEGO, los árboles, arbustos y hojas están hechos de un plástico a base de plantas. Este es un plástico suave, duradero y flexible hecho de caña de azúcar.
CONTROLADOR ADAPTATIVO XBOX
El controlador de juego rediseñado que permite que todos jueguen.
La verdadera belleza de los juegos es su capacidad de proporcionar igualdad digital para todos. Mirando el controlador de juego básico, en realidad está diseñado en base a una variedad de suposiciones limitantes sobre su usuario: tienes manos, pulgares que funcionan completamente y un rango de movimiento fluido. Y ese no es siempre el caso de más de mil millones de personas en el mundo que se enfrentan a algún tipo de discapacidad. El resultado fue el Xbox Adaptive Controller: un controlador que no solo satisface la necesidad existente de controladores de juego personalizables, sino que allana el camino para una nueva forma de pensar sobre el diseño libre de suposiciones.
El controlador, actualmente en el mercado, es en resumen un centro unificado, donde los jugadores pueden conectar todo tipo de dispositivos diferentes que se corresponden con todas las funciones del controlador existente. El controlador original tiene 17 botones y dos palancas, que se externaliza en el controlador adaptativo. Esto significa que los jugadores pueden conectar diferentes interruptores, monturas o botones al hub para crear un controlador único para ellos.
HIPPO ROLLER
A veces las ideas más simples son las que tienen un mayor impacto en la mejora de la calidad de vida de una gran cantidad de personas.
Pensado para el contexto africano, este diseño de los sudafricanos Pettie Petzer y Johan Jonker consiste en un sistema para transportar agua a través de largas distancias mediante un barril con un asa en su eje central que permite arrastrarlo o empujarlo, reduciendo el peso efectivo de 90 a 10 Kg de carga. Entre sus beneficios destaca una reducción en los tiempos de obtención de agua, menos esfuerzo en su transporte, menos lesiones de columna y una protección ante las minas antipersona.
Fabricado con plástico ultra resistente, diseñado para durar cerca de los 7 años y, una vez que termina su vida útil, el bidón rodante puede ser reciclado para otras utilidades como un barril de lavado o de almacenamiento. https://www.hipporoller.org
BIBLIOGRAFÍA
- Manzini, Ezio. “CUANDO TODOS DISEÑAN. Una introducción al diseño para la innovación social.” Experimenta Editorial, 2016.
- Pelta, Raquel. “Diseñar con la gente”. Diseño Crítico. ELISAVA.
- Papanek, Victor. “Design for the real world : human ecology and social change”. New York, Pantheon Books. 1973
2020 - Pensado desarrollado y escrito por las Dis. Paula Arribas y Ayelen Viegas
15/12/2020
REFLEXIONES PERSONALES DE DIVERSIDAD Y GÉNERO:
A lo largo de estos 30 años de ejercer con mi título de profesor superior dentro de la UBA-FDAU varios fueron los cambios de paradigmas que experimente personal y grupalmente. Nuevos conceptos de genero variaron los trabajos prácticos y abrieron paso a planteos más amplios. Ganándome el sustento económico desde el año 1974 como diseñador dentro de distintas empresas y luego como diseñador independiente pude crear y exportar mis diseños durante 10 años. Estas circunstancias ampliaron mis conocimientos lo suficiente como para transferir mis experiencias hacia los alumnos.
Más allá del curso de género
que realizamos dentro de la FADU:
La diversidad no debe poner
la tolerancia en primer plano, si no la aceptación/inclusión. Debe incorporarse
para enriquecer.
Nos hace visibilizar realidades
distintas, totalmente válidas y naturales que dan mayores posibilidades de
crecimiento.
Quedarse solo con los estereotipos
clásicos binarios nos hace negar la realidad.
Justicia, poder,
empoderamiento, liderazgo, diversidad, agresión, respeto: no son principalmente
una cuestión de género, si no de humanidad.
Libertad para elegir según nuestros
deseos sin pasar por filtros normalizadores.
La no aceptación fanática
generalmente esconde frustraciones personales de elecciones pasadas.
Afortunadamente las nuevas
generaciones que crecieron dentro de familias ensambladas o tradicionales, con
diversidad de géneros incorporada, gozan
de una apertura mental que no tolera, si no que incorpora la diversidad con
total naturalidad. Sin ridículos encasillamientos. Muros medievales que
encapsulan y supuestamente protegen de las disidencias. Incorporarlas es mucho más
saludable.
La posibilidad de cambio
solo se dará si salimos del sistema ancestral binario de asignación de género, elección
sexual y comportamiento.
Vivencias diferentes que
nos posibilitan crecimiento. Incorporar las hoy las llamadas minorías garantiza equilibrio.
Siglos de oscurantismo son
muy lentos de vencer…pero ya se está iluminando para una mejor visualización.
Lo socio económico tampoco está lejos de desequilibrar la balanza. Una mirada de actitud positiva es fundamental. El poder debe representar la totalidad sin pequeñas o grandes exclusiones. Sin entrar en interpretaciones políticas partidarias, debe ser federal y socialista.
Prof. Rupert Brocher
CUELLOS:
En los comienzos los humanos usaban hojas y cortezas para protegerse el cuerpo.
En los pisos de las Cavernas y voladizos, se acumulaban pelos de animales y humanos que dieron origen a fieltros.
Las pieles de los animales cazados se usaban para protegerse del frío atando patas opuestas entre sí, en el cuello y/o la cintura; por debajo de un brazo y atado sobre el hombro contrario.
Así surgieron los primitivos cuellos.
Varios siglos se tardaron hasta procesar vegetales y lanas animales para confeccionar trenzas y telas para hacer tipologías indumentarias a partir de rectángulos sostenidos por cuernos, huesos y espinas, para luego ser reemplazados por fíbulas de metal y botones de nácar.
El cosido con fibras se logró a partir de rudimentarias agujas de hueso y espinas de grandes suculentas y sus fibras como hilo.
Cuellos: son una estupenda herramienta para definir personalidades, mejorar cuerpos o provocar diversas impresiones. No por ello dejan de ser importantes otras partes de los indumentos y sus accesorios. Al estar cerca del rostro y poder adquirir distintas formas/colores y texturas; son un arma muy poderosa. Su expresividad significativa varía la intensidad de acuerdo al contraste de valor con el tono de la piel del usuario.
En cada país, región e institución pueden recibir diversas denominaciones. El cuello no es solapa, aunque pude ser parte de este. Adquieren distintas molderías y se cortan al hilo o al bies, cambrados, picados, con collareta, vista, bordado o lisos. De diversas formas y tamaños son el marco de sustento de la cabeza.
Las características atribuidas tienen que ser acompañadas por la actitud, el tipo corporal y psicológico. No se adquieren por usar una determinada forma de cuello.
Si son cavados por delante y por detrás se caen, salvo trucos (rigidizar, tul traslúcido, collar sostén, elastizar el borde de la manga, tira horizontal, Etc.). Si tienen mangas largas amplias y pesadas peor.
Desbocados: oversize (sobredimensionados) dan sensualidad o mala confección.
En forma de ve corta: varían de acuerdo al ángulo y profundidad. Pero definitivamente cuanto más agudos más hirientes, fuertes y masculinos. Lady Macbeth, mujer fálica, domínate. Más allá del busto que muestren tengan o simulen. Cuanto más cavado da mayor altura. Jennifer Lopez lo llevó al extremo, pasando el ombligo, en su vestido verde de los premios MTV.
A la base redondo: bien cerrado denota temperamento aniñado, infantil, muñeca, ingenuidad, asexuado, inseguro, asfixia. A la base redondo con remate de camafeos o botones bijou: antiguo, suntuoso, poder recatado. Sensualidad contenida, sobriedad. En Audrey Hepburn lo vemos en su mítico vestidito negro acompañado por perlas de “Breakfast at Tiffany's”
Bote: de boca horizontal. Amplía visualmente los hombros, cuanto más bajo más sexy. Por encima de las axilas denota serenidad, calma y tranquilidad. Con volados da aldeano. Por debajo ya es un vestido strapless. Con breteles cambia radicalmente y ya no es bote.
Cuadrado: de ángulos rectos, amplía el largo del cuello (si es del mismo ancho), es severo, fuerte, duro y racional. Renacentista. Popularizado por Ana Bolena.
Asimétrico: es completamente distinto de un lado al otro. Excentricidad y gran impacto asegurado, extrañamiento del observador, seguridad en el usuario.
Mariposa: espejo simétrico de varias formas posibles. Trapezoidal o combinado con el cuello corazón. Se ve cinematográfico, antiguo de gran diva.
Corazón: dibuja el busto con dos curvas ascendentes. Da una sensación de mejor y más busto. Anticuado, hollywoodense, gala.
Halter: cuello que tapa el pecho y el cuello delantero dejando al desnudo los hombros y la espalda. Puede o no atarse en la parte posterior del cuello. Se popularizó a partir de los trajes de baño. El mítico vestido blanco de Marilyn Monroe lleva un cuello halter. El movimiento feminista que derrocaba el uso de corpiño en los 70s lo puso en boga nuevamente.
Con breteles: tiras que sostienen el indumento. También llamados tirantes. Transmite verano, sensualidad o campesino, depende del ancho color y las formas. La tipología básica femenina es el vestido solero.
Camisa: con tira, doble y con entretela y/o ballenas internas de acceso posterior (Piezas de quita y pon, de madera o plástico para mantener su rigidez. En desuso desde los años 80). Cerrado con corbata da empresarial, formal, rígido, anticuado. Con corbatín estadounidense, Texas o canadiense del campo. Con moño da artístico, infantil o antiguo.
Camisero en punta: ingles, masculino, fuerte, penetrante. Da mayor altura.
Camisero de puntas redondas: blando, más femenino, suave.
Camisero horizontal casi paralelo al piso: amplía los hombros. Ideal para varones pequeños y/o bajos. Italiano.
Camisero desmontable: Cuello camisero, con pie y refuerzo que se usa como accesorio. Incorporado en el 1800, como un elemento práctico que permite ponerlo y sacarlo sin tener que lavar la prenda base. Masculino, inglés, austero, rígido. Una camisa se vendía con tres cellos.
Oxford: camisero de puntas angulosas y botones en las puntas, inglés, estadounidense, protección rigidez, más sport que sin botones.
Neru: Cuello con pie corto y abotonadura. Terminación simple y eficaz para darle prolijidad a una prenda. Sobriedad, tiempo libre, seriedad.
Pajarita: camisero con puntas dobladas hacia abajo. Con moño da fiesta, evento, gala. Con plastrón da casamiento, padrino o novio. Sin nada y desabrochado o el moño sin hacer da sensualidad masculinidad y resaca de fin de fiesta.
Chealse: cuello de blusa escote en V que termina en unas solapas puntiagudas. Las solapas pueden variar. Alarga el cuello. Femenino, aniñado, moderado, recatado.
Bebe/Muñeca/Peter Pan: cae sobre los hombros sin pie de cuello partido al medio y sin picos agudos. Aniñado, muñeca, infantil, peluche. Si es de organdí, se refuerza el efecto. Popularizado a partir del disfraz de Peter Pan en el 1900. Uniforme francés juvenil, adoptado por la escritora Colette. En los 80s se convirtió en una pieza accesoria intercambiable.
Sastreros: tela externa de casimir derechos o cruzados. Con entretelas, cambrados, bastillas y picados. Austeridad, rigidez, prestigio, aristocrático, poder, empresarial.
Esmoquin: es sastrero, sin uniones ni muesca entre el cuello y la solapa. Da altura. Formalidad, gala, aristocracia. Marco formal. Cóctel.
Polo o chomba: versión de punto del cuello de camisa clásico pero sin pie de cuello. Da sport, deportivo y tenis.
Desmontables: de punto, tela de la prenda o piel; son de quita y pon mediante cremalleras, ganchos o botón y ojalillos.
Polera: invernal, protección, adoptado por pescadores para enfrentar las inclemencias del clima, recato, retro, años 60 si es relativamente ajustado. Intelectual. todo negro como uniforme de la juventud intelectual beatnik de los 50s. Universitario.
Media polera: es de menor alto que una polera, neutro, minimalista.
Cruzado: rigidez, protección, armadura,
Chemise: parece un cuello sastrero derecho sin estructuras internas. vestido camisero. Francés, batón, soltura, confort, ligereza.
Marinero: infantil o militar de marina. Veraniego. Durante siglos fue el indumento de los niños de la clase media acomodada de las grandes urbes.
Clerical: pequeño cuadrado blanco de plástico, de quita y pon desde el centro. Religioso. Variación del Mao. En blanco y negro/gris lo asociamos con la sobriedad protestante.
Cuáquero: dos tiras blancas caen sobre el pecho. Religioso, antiguo, alemán, holandés, religioso, austero.
Cuello Eduardiano: Cuello alto, femenino, de encaje, como parte de la prenda o como accesorio. Recato, seriedad, valores tradicionales.
Cuello de pavo: drapeado. Angosto y cavado amplía el largo del cuello. Ancho da buena presencia. Gran buche de pavo alto, disimula busto o lo enfatiza (varía de acuerdo a la textura de la tela, brillo, color, caída y peso de plomo embolsado agregado).
Isabelino: Cuello renacentista popularizado por la reina Isabel de Inglaterra. Se trepan por detrás del cuello y se cosen directamente a la prenda luego de vestirse. Enmarca la cara y genera una sensación de poder, presencia, altura, realeza.
Gorgueras o golas: anillo de lino y/o puntillas que rodea al cuello en su base. Surge en Inglaterra en el 1500 como forma de coquetería permitida frente al austero traje negro y azul protestante. De color blanco, rebotan la luz e iluminan el rostro. Femenino y masculino. Antiguo, realeza, poder, teatralidad o pierrot (un tipo de payaso).
Remate de moños o cuello ascot: La misma tela que forma el pie de cuello continua en dos tiras que, generalmente se anudan en forma de medio moño, moño entero con distintos largos de colas. Chanel usó como imagen corporativa uno horizontal donde los lazos y las colas son del mismo porte. Da femenino, artístico o infantil. Sofisticado y serio.
Mao o Mandarín: Similar al cuello Neru, pero con un soporte que lo mantiene rígido. Denota severidad, dureza, Europa central, simplicidad, austeridad.
Ruso: remate Mao, abotona sobre un hombro. Da Europa del este. Rígido o semirrígido. Liso o bordado en punto cruz. Muy usado en la década del 60s y popularizado por la película Dr. Zhivago.
Chino: cerramiento cruzado, femenino, asimétrico, cierra con alamares remata en cuello Mao. Se usa tanto en vestidos como en blusas.
Kimono: una tira rectangular larga y doble embocada en un cuello de forma de ve. Simple y cruzado. Oriental, místico, humildad, protección.
Pañuelo o cazador: cuello camisero sin pie y abierto. Años 40.
Blanco o enmarcados en color blanco: grandes iluminan la cara (superficies reflectantes que rebotan luz, borran arrugas) monjas, nobles holandeses.
Brilloso: luce como disfraz, payaso, fiesta, barato. Sí es de factura impecable y materialidad suntuosa da poder económico, sensualidad y new rich.
Piel con pelo: poder, suntuosidad, riqueza, aristocracia. Invernal, abrigo, cálido hoy en desuso por la protección ecológica. Los hay de pelo largo o corto, naturales o sintéticos. Fijos o practicables (de quita y pon). Solo para clima invernal dan un aire salvaje y seductor, también realeza, de acuerdo a la piel de que se trate. Cuanto más escasa más exótica. Armiño (hoy extinto), minck (visón),chinchilla, zorro, astracán (oveja), nutria depilada, conejo. Su valor económico depende del género del animal ya que le varía el tamaño y la densidad de pelo. Algunas especies están prohibidas de comercializar( tigre, leopardo, mono, cebra, jirafa, potrillo).
Para lavarlos se les saca el forro y se limpian dentro de una tolva con aserrín y kerosén, que les quita la gracitud. Se secan y se les repone el forro. En países de temperaturas muy altas se mantienen en cámaras frigoríficas durante los meses cálidos.
De cuero con tachas puntiagudas: sadomasoquista, violento, rudo.
De plumas: movimiento, cabaret, suntuosidad. Sensualidad.
Con volados: femenino. Español. Hacia arriba tapando el cuello da poder y recato. Hacia abajo sobre los hombros y pecho da campesina. Al centro del pecho se denomina yabo. También usados para bailes folclóricos cubanos o españoles en varones.
Bordado: riqueza, poder, presencia, folclórico.
Con pasamanería: con galones de tapicería. Da hogareño, francés, de corte, teatral. Con madroños: español.
De encaje: materialidad calada y sutil. Luce francés, sutil, antiguo, suntuoso.
Con vista: pieza interna cortada con la misma forma exterior del cuello. Se ve Impecable, denota calidad, buena caída, mucha presencia.
Sin vista: terminado con un doblez o collareta. Confección rápida y económica, descartable, fast-fashion.
Al corte láser: borde prolijo y tajante sin terminación y con el mismo grosor del material. Es sensual. Se mueve con el cuerpo, desaparece si es del mismo valor y color que la piel.
Desgarrados: más allá de su forma la tela no tiene un contorno prolijo se deshilacha o desgarra. Da rustico, grunge, dejadez, pobreza, violación.
Envivado en raso: poder, sutileza si es al tono. Reemplaza a un collar.
Collareja: terminación de cinta de tela a modo de cinta al bies. Sport, económico, simple, minimalista.
Con ondas: terminación ondulada. Híper femenino. Aristocrático. Meticuloso. Detallista.
Limpieza de cuello/limpieza de hombro a hombro: en prendas de jersey o tejido de punto. Tira de tejido en tela base que se aplica con collareta y sirve para tapar la unión entre el cuello y la espalda. Muy utilizada en remeras. Aumenta la vida útil de la prenda.
Dis Ayelen Viegas
Dis. Paula Arribas
Esc. Rupert Brocher
Pensá:Si estudiar/aprender/disfrutar/ayudar/cultura general/compartir sin competir/hacer algo más del mínimo indispensable/esforzarse/tener ansias de saber: no fueron elementos de tu colegio primario y/o secundario; pensáis que los tenes que incorporar a tu vida universitaria o terciaria.En tu elección de carrera u oficio no te recomiendo continuar con esa actitud; ahora hay que leer, comprender, recordar, experimentar, buscar, dudar, preguntar, equivocarse, tener real interés. Si no… ¿Para qué diablos estas allí? Si no lo hiciste antes (cosa totalmente posible) ahora te costará más esfuerzo, pero es absolutamente ridículo que pienses que será igual que antes, salvo que asistas a alguna universidad o terciario pago donde los alumnos son clientes. ¿Por qué pensás que algunos avisos laborales piden egresados de la UBA?Despertá y comprometete. Es lo que vos elegiste, lo pagues vos o no, es igual: hay que poner muchísima energía ganas y actitud para formarse lo mejor posible. La competencia es grande. No basta con el talento y las conexiones, es fundamental saber. El saber se adquiere con una desesperada curiosidad y experimentación.Cortar y pegar ya no alcanza. Tenes que pensar vos, involucrar tu cerebro y tu alma en lo que elegiste para tu futura vida laboral. Saber no es una app que puedas incorpora a algún dispositivo móvil. Se lleva instalado en uno, y nunca pierde capacidad de almacenaje, porque no es eterno, evoluciona, cambia y requiere periódicas actualizaciones.Rupert
UBA – FADU
ACCIONES PARA EL DISEÑO (complementa el video).
Conformar:
Componer/diseñar/construir/crear: Dar forma. Poner
con, juntar cosas con astucia para
lograr unidad. Agrupar elementos en un
todo armónico. Unidad en la variedad.
Aplicar principios, leyes o reglas a los elementos plásticos (punto,
vertical, horizontal, diagonal, curva).
Estas leyes, principios y métodos: la Gestalt,
(teoría de la forma, tomada de la psicología), la Bauhaus (escuela alemana de
artes y oficios) operaciones geométricas espaciales (traslación, rotación,
espejado Etc). Sin una idea no sirven de mucho al momento de trabajar. Salvo
que sea como laborterapia sanadora y/o de entretenimiento. También puede ser diseño
sin mensaje, indumentos vacíos de contenidos anecdóticos y despojado de todo,
minimalistas. Opción totalmente válida.
Usar diversos métodos de diseño y construcción es
posible: no en una etapa formativa. Mientras enseñamos/aprendemos separamos
para comprender cada uno.
Al momento de componer es preferible hacerlo sobre
una idea abstracta con emoción/sentimiento/percepción/sensación.
Diseñar sobre reglas, leyes,
principios o métodos:
Respetar los principios no anula la creatividad para expresar ideas y sentimientos.
Las nuevas y jóvenes generaciones se caracterizan por no hacerlo. Dilapidar
irreverentemente el pasado, es una manera de decir: soy joven y no hago lo mismo que mis predecesores. Muy bien…yo
también lo hice en su momento con algunos de mis docentes. Para revelarse, romper
reglas y “desbordarse” hay que hacerlo por una idea o causa. Ser transgresor
por el solo hecho de tomar notoriedad no es el camino correcto. Hay que creer
en lo que propones y llevarlo hasta las últimas consecuencias.
Durante un periodo de
formación formal sistemática dejamos ciertos parámetros quietos, si no es
imposible enseñar/estudiar/aprender. Seguir la receta clásicas es un modo
seguro y confiable de llegar a buen puerto. Más tarde durante tu post- grado o
en tú vida laboral profesional ya tendrás tiempo de buscar tus propias
variantes de la formula aprendida o ignorarla y hacer la tuya.
Ciertas cosas que no
cambian y permanecen en los distintos tiempos, las esencias… es lo te estamos enseñando. Aprovéchalo.
Es absolutamente cierto que las nuevas tecnologías cambian radicalmente los
principios constructivos y las habilidades manuales del proceso de diseño. Pero
no invalida siglos de ensayos errores y aciertos. Los autodidactas o rebeldes
desbordaos muy constantes pueden llegan al mismo lugar que los sistemáticos
universitarios, generalmente más lentamente.
Pero para poder diseñar
tenes que hacerlo con una base sólida. Si no, NO estudies y hace lo que quieras
y te parezca…si ya sabes, nada te interesa ni es lo que a vos te gusta, no
estudies, ser autodidacta es una posibilidad muy respetable. Saltate la
formación profesional y deslumbramos.
No hay algoritmo capaz
de manejar la cantidad de variables sensibles que el diseño maneja. Y si se da,
todo quedara parecido.
Agrupamientos:
por forma, color, textura, proximidad, tema, semejanza, tamaño, rubro,
direccionalidad, target/calidad, Etc.
Contrastes:
por diferencia de valor (intensidad de luz) color, textura, formas, Etc.
Alto: figura oscura fondo luminoso y su inverso.
Medio con figura y fondo de valor medio similar.
Bajo casi sin contraste entre figura y fondo.
Mixtos con variantes mezcladas.
Figura
fondo:
Figura simple fondo complicado.
Figura complicada fondo simple.
Figura y fondo complicado son de difícil lectura.
Figura y fondo reversible. Veo una u otra, ambas en
simultáneo no.
Foco, color, textura, significación opuesta, organización contraía son otras posibilidades de lograr contraste.
En indumentaria se da de varias maneras: sobre la
piel en los bordes (ruedos, bajos, puños, cuellos y cinturas) o en calados y
sustracciones. También por estampas que generan confusión. Por superposición o
enmarcado.
Al diseñar
vestuarios para grandes espacios espectaculares siempre conviene el alto
contraste. Desde el fondo la cosa empeora por la distancia. Todo se achica y se
empasta.
Memoria:
lo que nuestro cerebro tiene archivado en nuestros recuerdos. Asociación:
parecido a, es como si fuera, la memoria es un factor determinante. Interactúa
con la cultura del usuario y sus observadores pasadas.
Cerramiento:
también denominado continuidad. Pese a que no está completo nuestro ojo y
memoria completan. Que es lo mismo por detrás de algo. Se interrumpe pero se
une. Se ve pero no está, es virtual. Se percibe con mucha fuerza.
En conjuntos indumentarios continuar una raya,
dirección, recorte, costura, sustracción, color, textura Etc. entre la parte
superior y la inferior tomando la cintura como división. Es muy difícil lograrlo
bien (las prendas se desplazan y los talles varían su alto). Interrumpir un
sector tendrá el mismo efecto, se continuara.
Avance
retroceso: creada por color, el amarillo avanza hacia nosotros
y el azul retrocede. Por tamaño lo más grande avanza lo pequeño se percibe más
lejano. Por textura lo brillante/pulido avanza, lo opaco retrocede. Por valor,
lo claro se nos viene hacia adelante y lo oscuro hacia atrás.
Superposición:
como indicador de profundidad por planos, volúmenes, estructuras o líneas crea
espacios o la ilusión de ellos.
Perspectiva:
ilusión de profundidad en el plano. No vemos en perspectiva. La perspectiva es
un método geométrico de representación racional híper culturalizada por siglos
de proceso aún vigente en la actualidad. Existen otros métodos de
representación no tan focales en una sola fija mirada. A la religión le
convenía esta técnica para evitar distintas interpretaciones. En la realidad
observamos, recortamos, saltamos, enfocamos, nos movemos, ponemos foco en
pequeños detalles y variamos el campo de visión. Toda esa información es
procesada en nuestro cerebro y con ella pensamos y actuamos.
Buena
forma: referente a la geometría y sus atributos de buenos nexos
morfológicos. Que no se quiebre. Sin particiones o sectores dudosos o con
cambios sin ningún sentido lógico. Fluidez entre los distintos componentes del
diseño total. Excelentes nexos entre planos, volúmenes y estructuras.
En indumentaria generalmente generamos cascaras huecas. Dentro está el cuerpo físico del usuario. Al separar la cascara del cuerpo real se crean las líneas.
Pregnancia: la capacidad aumentada del recuerdo. Posibilidad de reconstrucción por un recuerdo vivido. Se asocia con estructuras geométricas simples. Queda gravado en la retina por mucho tiempo. Aunque lo dejamos de ver, persiste e inquieta. Rápida lectura y comprensión por estar construido sobre la geometría y/o lo inesperado, lo cual facilita el trabajo de decodificación y el recuerdo en la memoria.
Equilibrios:
Simetría: exactamente igual de ambos lados.
Asimetría: un lado completamente distinto al otro.
Disimetría: pequeñas diferencias. En indumentaria se
da en carteras, braguetas, superposiciones, hebillas, cinturones, cierres,
tablas, tajos y otros accidentes. No se suele usar porque da aspecto de mala
confección. Si hay diferencias que sean de una magnitud tal que se perciban a
adrede (asimetría).
Axial por un eje vertical. Los ejes de simetría
también pueden ser horizontales o diagonales. Abecés se dan sobre curvas
(geometría fractal).
Radial (por un punto, dentro o fuera de la prenda o
conjunto).
Oculto (sin eje ni punto pero bien equilibrado) el
más difícil de lograr pero el más moderno y seductor (si el peso visual es muy
excesivo a la derecha se equilibra con algo llamativo a la izquierda, Lo mismo
arriba y abajo; o combinado en diagonales.
Forma
abierta o cerrada: con alto o bajo contraste. Duro y cerrado
se encapsula dentro del espacio o fluido y cambiante se abren hacia el espacio.
Diseño sobre estructura: se apoya, se construye, funciona sobre un andamio virtual, muy útil para series y colecciones de piezas intercambiables. Es el método que cree junto a los alumnos para diseñar usando los elementos plásticos de manera significante respetando la Gestalt y la Bauhaus. Se crea una trama que rodea o atraviesa la forma básica (línea) en sus mayores y/o menores dimensiones, sobre estos ejes vi o tridimensionales se apoyan los accidentes, bordes o inclusiones. Sobre las cuerdas de la estructura virtual acompañando sus direcciones. Los puntos más fuertes son las intercesiones de la estructura. Todo el diseño se apoya en ella, No es moldería (Aunque a veces pueden coincidir algunos bordes, recortes, estampas, pinzas o recursos técnico constructivos. Se percibe pero no se ve, da mucha pregnancia y solides constructiva. Andamio virtual donde se ancla el diseño.
Punto
focal: lugar que llama más la atención, punto a donde la
vista se dirige, pueden ser más de uno, por lo general hasta tres. Si son tres,
generalmente en organizaciones triangulares y en distintas proporciones. Puede
no existir dentro pero sugerirse fuera del cuerpo. Se usan para destacar lo
mejor de un cuerpo o distraer lo peor. En indumentaria suelen variar de acuerdo
a los talles.
Ritmos:
regulares, irregulares, ondulantes, entrecortados, cambiantes. Generalmente
creados por estampas o particularidades textiles o de confección con
recorridos. Complementan y refuerzan la significación.
Distintas
y diversas formas de operaciones geométricas: dilatación -
rotación - traslación - espejar - subir - bajar (lo que yo llamo un lápiz
helicóptero) y diversas formas literarias trasferidas a la plástica (Ej.
hipérbaton), (Ej. cacofonía de la música).
Mezcladas es poco probable que funcionen bien.
Todas estas fórmulas atajos y recetas hacia el éxito
hay que saber usarlas e implementarlas con suma astucia ya que si trabajamos
con varias de ellas en simultaneo jamás llegaremos a nuestro objetivo con un
buen producto. La unidad no se lograra si abusamos de diversos modos de operar.
Ejemplos. Si juego a rotar, resuelvo todo rotando.
Si uso cremalleras invisibles, descarto otro tipo de avíos de ingreso/egreso.
Si uso diagonales, descarto las horizontales y verticales, o las uso en una
dosis menor. O con un contaste de valor lumínico para que resulten poco visibles.
No es feliz el resultado de usar las leyes de
composición de la teoría de la forma (Gestalt) sumarle la Bauhaus o en
simultáneo aplicar intervenciones traídas de la literatura o la economía (grado
cero). Si juego a la rayuela no juego a la escondida en paralelo.
Punta que diseña líneas como si fuera un helicóptero
(subo, bajo me desplazo en los laterales, espejo y roto a mi antojo y voluntad.
Un caos de exceso de libertad que no comunica nada concreto.
Las distintas generaciones destruyen los paradigmas estéticos, éticos y morales de las anteriores, cada vez más rápido y hacia una concepción menos rígida, más libre y no tan pre pautada, lo cual es sensacional… antes había mezclas de materiales, proporciones y detalles de confección que eran juzgados como inadmisibles. Hoy son la tendencia y a nadie ya le llaman la atención (salvo a los mayores desayornados).
No necesariamente tienen que trabajar en la
computadora o un plano (hoja rectangular blanca). También puede ser de color o
no ser plana. Trabajar en el espacio (alto, ancho, profundidad).
Lamentablemente vivimos plagados de rectángulos y prismas en donde
desarrollamos actividades. Los ángulos rectos, y la concepción ortogonal son la
mayoría reinante. En la naturaleza raramente encontremos este ángulo (90
grados), figuras (cuadrados, rectángulos) o cuerpos (cubos prismas o
paralelepípedos). Ninguna especie viva hace su nido/vivienda en prismas salvo
el hombre supuestamente civilizado y culto. Hay tribus de seres humanos “primitivos”
actuales que conservan su arquitectura tradicional en base a curvas, cilindros,
conos y ovoides. Y son muy felices en ellas, no agreden a la naturaleza
integrándose a ella. No por esto vamos a abandonar nuestra forma y tecnologías
adquirías (hay comunidades que si siguen esta corriente desde antes de los años
60), pero sería muy deseable y productivo propiciar trabajar en otro tipo de
soportes no ortogonales o planos ni cibernéticos.
No diseñar las tipologías archiconocidas, moldería y
recursos clásicos; sería muy deseable.
Si respetamos limites pre establecidos por nosotros u otros, nada nuevo surgirá y seguiremos los mismos paradigmas del pasado. Creemos nuevos, o al menos demos la posibilidad.
Hoy (2020) todos somos diseñadores gráficos, periodistas, componemos, pegamos, gravamos, opinamos, mandamos y anulamos información, la robamos, copiamos y reescribimos lo que sea. La tecnología nos da esa posibilidad de allí a la cosa bien hecha hay un abismo.
Esc. RUPERT BROCHER
PONE EL FOCO EN LA DISTANCIA DEL INDUMENTO A LA PIEL
1_ REVESTIMIENTO: ropa interior. Esta en contacto directo con la piel del usuario. Generalmente telas de punto con elastómero o tafetán al bies.
2- INTERMEDIA: sastrería. Listo para usar. No aprieta, ni es amplio. Generalmente de telas planas.
3_ CONTENEDOR: volumen extra corpóreo. 3ras. Pieles, prótesis. Muy lejos de la piel del humano que lo porte. Se da en alta costura y vestuario para espectáculos.
4_ COMPRESIÓN: cintura de las tipologías, puños. Aprieta sobre el usuario o sobre otras prendas inferiores. Posibilita modelar, cambiando la apariencia el cuerpo.
En una misma prenda, conjunto serie o colección podemos tener distintos grados de adherencia.
A lo largo de la historia de la moda otro factor que cambio mucho las líneas fue la ilusión de subir y bajar la cintura. Durante muchísimos años estuvo en su lugar (ala altura del codo).
16/08/2018
DISFRAZ
|
VESTUARIO
|
Careta
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Mascara
|
Imita
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Hace
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Parece
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Es
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Exagera
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En su justa medida( salvo la farsa)
|
Encima de otra cosa
|
Encima del personaje
|
Superficial
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Sobre sólidas y profundas estructuras.
|
Cubre para esconder
|
Pone para mostrar
|
En uno solo, excepciones: Batman y Robín; Los 7 enanitos,
Etc.
|
Son varios personajes interrelacionados
|
Es un nombre
|
Tiene libreto
|
Tiene pocas piezas
|
Capas de piezas superpuestas
|
Es siempre el mismo
|
Evoluciona , transformándose
|
Connota
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Denota/Simboliza
|
Decora
|
Ambienta
|
_____________________________________
PEQUEÑO ENSAYO DE CLASIFICACIÓN INDUMENTARIA:
Del 1900 a la actualidad y algunas anteriores.
Dirigido al uso educativo espectacular (del ámbito escénico), para estudiantes de actuación, vestuario y dirección teatral. Hay muchos modos de clasificación: por uso, función, textura, tipología, época, estilo, línea o forma, alfabética, temporadas, Etc.
A cada tipo de indumento particular se lo llama tipología, cada tipología tiene características generales y particulares que hacen que sea esa y no otra.
Para cada personaje podemos optar por vestirlo de una manera realista o fantasiosa. De cualquiera de estos dos temperamentos posibles el indumento será significante y nos hablará de la psicología del personaje a escenificar.
Las diferenciaciones por género varían con los/ tabúes/costumbres/ filosofías/sociologías del momento. Y el gran corte aún existente entre oriente y occidente.
Prendas de indumentaria agrupadas por ubicación corporal:
Cabeza:
Vincha: circular o semicircular, rígida o flexible, visera linotipista, visera traslúcida para protección solar.
Gorra: con o sin visera de paño, tejida en lana o trenzada en fibras más duras, con o sin orejeras, con o sin atrape por debajo del cuello, frigio, gorra impermeable, gorra de baño. Gorro marino, birrete, gorra montañesa, gorro para dormir, gorro de bebé, militar, cofia circular, de béisbol, oriental (caja de pastillas muy pegada), pasamontañas, de piel de zorro con la cola del animal en la nuca (Daniel Boom), etc.
Tocados: turbante, bandanna (pañuelo o trozo de tela con o sin visera adjunta para protección de la arena en desiertos o playas), cofias parciales, capucha, caperuza (capucha en punta, cono con agujeros para los ojos, verdugos, Ku Klux Klan, autos de fé), tocados decorativos a base de telas y adornos.
Cascos rígidos: guerra, de uniformes (bomberos y policías de principios del siglo XX), deportivos (moto, bicicleta, escafandra de buceo), de personajes mitológicos, Etc.
Sombreros: rígidos, flexibles o mixtos.
Hombre: rancho o canotier 1920/30 (de paja natural para verano o pintado de negro en invierno. Maurice Chevalier o gondoleros que aún lo usan con cintas largas), orión (ala mediana enrulada), boina (vascos), chambergo (Gardel), Panamá o jipijapa (muy flexible), hongo o bombín (Chaplin), galera (copa alta, deshollinador), tirolés, chistera (galera plegable), ruso o cosaco (de piel o paño, de 2 ó 4 viseras). Tricornio, de pesca, torero, mitra, bonete (si es rígido: cumpleaños, hada, Pierrot; si es blando: dormir, esquiador, altiplano), turco (cono truncado rígido con pompón desde cordón), marinero (de algodón blanco, cono truncado semirrígido, con ala muy levantada) Coquito/Piluso, casquete (muy pegado al cráneo. Puede tener distintas molderias, materialidades y usos), turbante (en la India), y otros.
Mujer: capelina (ala muy ancha, generalmente para el verano), cloche (muy pegado al cráneo 1920/30), pillbox (caja de pastillas) ejemplo: J. Kennedy, bruja (cono negro rígido con ala chata y corta, cinta con hebilla al frente), coronas (reyes, de metal y piedras preciosas, o también de vegetales y plumas), tiaras (princesas o aristócratas), turbante (de simplificación de inspiración oriental, 1910 y 1950), etc. El sombrero es la corona de los pobres, da altura, dignidad y destaca.
Accesorios de cabeza:
Temporarios: aros, pendientes, pelucas, mantillas, mantos, peinetón, hebillas, peinetas, piercing, alfiler para sombrero, anteojos de sol o aumento, antiparras, parche pirata, monóculo, lentes pellizco (sujetan sólo sobre la nariz), impertinentes (lentes de mano), voilette (encaje muy calado, generalmente negro que vela el rostro sostenido desde el sombrero), chador (tela espesa que cubre el rostro, maquillaje y/o caracterización, mascaras, antifaz, caretas, auriculares, protectores de orejas (frío, ruido), cigarrillo, habano, pipa, boquilla para cigarrillos, elementos dentro de la boca, hoja de tabaco o coca, escarbadientes, chicle, Etc.
Permanentes: tatuajes, incrustaciones, lunares, pecas, cicatrices decorativas o accidentales.
Cuello: collares, gorgueras, gargantilla, cadenas, bufanda, colgante, cepo, corbata, corbatín (cinta tubular delgada y larga, de algodón o cuero con herraje de metal o hueso), moño, plastrón (corbata muy ancha con nudo sin pasar), cuellos: de piel, pedrería, bordados, tejidos, de tela o combinados, bandana (cowboy), pañuelo, boa de piel / plumas/ tul (echarpe cilíndrico largo y etéreo), condecoraciones, grados militares o eclesiásticos, gomera, chupete, cinta de la que cuelga alcanfor, catalejos, prismáticos, walkman, MP3, iPod, pendrive; Etc.
Torso:
Hombre: camisa, tiradores, morral, remera, chomba, camiseta (su uso se popularizó a partir de la película “Un tranvía llamado deseo” de 1951, con Marlon Brando), chaleco, cardigan, saco, arnés, polera, poncho, pullover, buzo (de tela de punto abrigada: frisa), ballenera (camiseta de red abierta), musculosa (sin mangas), arco y carcaj con flechas, escopeta cruzada en la espalda. etc.
Mujer: blusa, top, corpiño, faja, corsé, bolero, ruana, bustier (faja por debajo de la línea del busto, similar a un coselete pero más alto), body, malla, etc.
Hombros: alforja, chal, pashmina, capa, hombreras, charreteras de tela con botón/ broche de presión (camisa sport) o con flecos (granaderos), mascota, estola, breteles, manta, mañanita (abrigo generalmente tejido corto a modo de capa, exclusivamente femenino que se lleva encima del camisón que remata con moño adelante), cartera, etc.
Brazos: maniquíes linotipista, mangas: acuchilladas (con cortes que rememoran la guerra y debajo dejan ver tela blanda y suntuosa, seda), jamón, pegada, larga, corta, 3/4, campana, japonesa (sin sisa, sale del torso), con o sin puños, luto para el hombre (franja de cinta negra en el brazo izquierdo a la altura del corazón, o mas pequeña sobre la solapa y en diagonal) para la mujer vestir de negro absoluto por un determinado tiempo y luego podía pasar al medio luto, los tiempos variaban de acuerdo al grado de parentesco con los difuntos.
Muñeca: bolso de baile, pulsera, gemelos, reloj, cadenas, grilletes, cepo, abanico, máquina fotográfica, bastón colgante, puños, correa, libro para conceder distintas danzas (bailes a los caballeros), impertinentes.
Mano: anillos, dedal, dedil, uñas postizas, manguito (tubo de piel para calentar las manos), guantes (si no son de abrigo o parte de un uniforme, denotan una tarea delicada a realizar, o muy buenos modos). Hay tareas que se realizan con un solo guante (golf, baseball, vidrieras, cetrería). Luego de la película “Gilda” de 1946, con Rita Hayworth, los largos ganaron significación erótica: báculo (del Papa), cayado (San José, pastores),
bastón (denota vejez/accidentado/invidente/varieté/elegancia/poder, depende la forma/color y de cómo se lo porte o use), cetro, paraguas, parasol, sombrilla, estandartes, herramientas, varita de mago (negra y corta con pequeñas terminaciones), varita de hada (corta delgada y con una estrella en la punta). Elemento que caracteriza a un director de orquesta: batuta
(vara corta de madera natural con un ovoide que se lleva en la palma), manoplas, mitones, mangas largas que tapen la mano, portafolios, carteras, bolsos, valijas, entre otros.
Utilería de mano que se porta en el indumento dentro del bolsillo: pequeña cajita con rapé (droga social francesa, mezcla con tabaco y pimienta que producía arcadas de placer terminadas en estornudos), cartas, dinero, billetera, monedero, pasaporte, petaca (pequeña botella con licor o bebida blanca).
E innumerables accesorios que no deben ser decorativos sino funcionales a la acción. Describirnos el personaje para ayudar a componer desde el vestuario, su teatralidad. Ejemplo: todo indumento que arrastre al piso desde la mano (cartera, bufanda, abrigo) expresa un sentimiento de cansancio, dejadez, inconformidad. No sólo es el vestuario, sino cómo se porta.
Cintura: cinturón, corsé, trusa, porta teléfono, faja (españoles, vascos), bandolera. Puñal, facón, porta espada, porta sable, rastra, boleadoras, llavero, cuenta ganado, presillas (pasa cintos), soga, cadena, martingala (cinturón suelto por detrás de una prenda), etc.
Pelvis o cadera:
Hombre: taparrabo, calzoncillo, slip, suspensor, carajera (suspensor de cuero/seda/algodón/lana, se usó durante el medioevo y asoma entre los greguescos; en la actualidad usado por los boxeadores y los leather), greguescos (bonachón corto de línea englobada: Solís), pantalón corto, bermudas, etc.Mujer: bombacha, faja, conchero, delantal, sobrefalda, polizón, monokini (maya de playa de bombacha alta y breteles muy finitos cruzados por el medio del busto o en la espalda, 1964), minifalda, calza. Mini-shorts o hot-pants, mal llamado portaligas (en realidad es porta medias), pañoleta anudada a un costado de la cadera, etc.
Piernas:
Hombre: calzas, medias, pantalones, ligas bajas, botas altas para pescar, guardamonte o chap, Etc.
Mujer: medias, can-can, medibachas, falda, pollera pantalón, ligas altas, enaguas (bajo falda de armado, evitar translucidez/adherencia por textura o estática o roce de faldas sin forro), babuchas (pantalones amplios de origen árabe), miriñaque (estructura de alambres cintas y mimbre que arma una falda con mucho volumen por debajo de las enaguas), etc.
Pie: zapatos, zapatillas, botas, ojotas, coturnos, sandalias, pantuflas, medias cortas, anillos, mocasines, galochas (de goma o plástico, protegen el zapato de la lluvia; las hay para zapatos de taco alto con su correspondiente agujero), polainas (nexo de tela ente el calzado y la media, avío de botoncitos); también tejidas como calentadores para deportes o niños, uñas pintadas, botines, borceguíes (botas cortas), escarpines, pie desnudo, pie con telas atadas (abarca), bota de potro, zapato de golf, balerinas (calzado chato casi sin taco ni cordones, chatitas (lady Diana mientras fue esposa real), Guillermina (calzado con pulsera y botón), abotinado (con cordones), bicolor (Chanel), Oxford (masculinos bicolor picados 1920/30), náuticos (abotinados de cuello bajo, cuatro ojales y cordón plano que da la vuelta por detrás del talón. Dr. Marten´s); marca comercial, cordones y costura amarillos que contornean al calzado), Etc.
Tipos básicos de taco: Luís XV (curva y contra curva), Luís XVI (recto), trotteur (alto intermedio y cuadrado), bajo o chato, chino (taco sin intersticio con la suela), aguja (muy alto y delgado), plataformas, entre otros.
Componentes indumentarios más comunes:
Avíos: todo lo que no sea la tela exterior.
De acceso y/o cerramiento: abotonadura (ojal, botón), alamares, broches de presión. Velcro, imanes, cremalleras o cierres relámpagos, lazos para nudos o moños, ojales y cordones, ganchos de macho y hembra, correas y hebillas, alfileres de gancho (para el kilt o los darks, también los punk).
Cuellos: al ras (redondo, recatado: hijas de Bernarda Alba, menos Adela; Stella de “Un Tranvía”…), en V (lady Macbeth), alto con volados/puntillas pequeñitas como terminación Bernarda (estilo victoriano), bote (horizontal, da sofisticación), en U (si no es profundo o alto, es neutro), de un solo bretel en diagonal (da dinamismo), cuadrado (da carácter estricto, estructurado), espejo (da perfil antiguo pero atrevido), buche de pavo (drapeado, da aspecto señora mayor), Mao, alto (polera), profundo (Blanche), Napoleón (cuello separado de la solapa), con cartera, marinero, bebé (“Alicia en el País de las Maravillas”), Isabelino (alto e importante), sastre (cuello y solapa), pañuelo, palomita (de camisa, hacia arriba y con las puntas dobladas, moño, solapa -vista que gira y se convierte en solapa)
De confección: vista (tela que da la vuelta y termina antes del forro, o terminación), costura, pespunte, termo sellado, vácum (empujado con calor), inyección (colado a presión), pinza, cartera con avío de acceso, fruncido, tabla, tabla encontrada, tajo, dobladillo, botamanga (alforza en el bajo), bajo (dobladillo del pantalón), sisa (manga pegada, ranglan, japonesa), tiro (alto, bajo, super bajo), drapeado, godet, desagujado, tejido, collareta, volado, canesú (pieza de refuerzo en la altura en el torso), cambrado (en curva), bastilla, calderín, solapa, bolsillo plaqué (chato y por fuera), tapa bolsillo, presilla (pasa cinto), bragueta, quilla (pieza triangular incrustada en un tajo o entre la unión de dos paños), procesos de tintorería, plisados, tableados, mosca, atraque, remiendo, parche, remache, tacha, martingala, alforza, etc.
Forros: pieles/matelaseados o tafetas, bolsillos de seguridad, entretelas, miriñaque, refuerzos interiores (hombreras, sobaqueras, taloneras, fundillos), Etc.
De adorno: flecos, madroños (flecos anudados con efecto de pequeñas esferas en línea, típico de los sombreros españoles), pasamanería (galones trenzados en hilos brillantes), puntilla, bordado, estampado, pintado, aplicación, etc.
Recursos de conformación textil:
Formas de corte: bies (al sesgo, en 45 grados del hilo, al caer hace godets, genera mucho desperdicio pero da una caída única), hilo, medio bies, láser, tijera, encimadas, tijera eléctrica, desgarro, etc.
Molde o patrón: distintas piezas planas (de papel cartón o madera) desde las cuales se pasa de la forma al género, para luego cortar, unir y conformar un indumento que es tridimensional, que no es autoportante (que se sostiene a sí mismo), para eso necesita del ser humano o un émulo (maniquí, pelele, humanoide).
Telas o géneros simples o popularmente conocidos: los hay duros, blandos, traslucidos, pesados, livianos, opacos, brillantes, lisos o trabajados; lo importante además del color y el presupuesto es la textura (calidad de materialidad y superficie que deben ser acordes a los personajes). Para referirnos inequívocamente sobre una tela debemos tener tres aspectos a considerar: ligamento, materialidad y color. Ejemplo: raso de seda blanco, terciopelo de algodón negro, bouclé de ántron verde mélange (tres matices bien distintos de un mismo color, mezclados).
Rapport: dibujo a repetición con calce horizontal y vertical (continuidad); puede ser estampado o jacquard. Cuanto más grande el dibujo mayor desperdicio.
Tafetán (ligamento básico de trama y urdimbre), raso, arpillera, fieltro y paño lenci (tejidos no tejidos, pelusa presionada), batista, encaje, broderie, corderoy, estampada, jacquard (el ligamento hace el dibujo, generalmente usadas en tapicería), loden (paño de lana austriaco liviano muy abrigado impermeable de fórmula y procesos secretos), organdí (tejido transparente y rígido de ligamento tafetán, generalmente blanco, muy usado para cuellos), voile (lisa translúcida muy usada en cortinas y camisería fina), satén (lisa lustrosa brillante y muy suave al tacto), imitación de (emulación manual o de fabricación en serie), casimires: Príncipe de Gales, gabardina (ligamento de diagonales), sal y pimienta, ojo de perdiz, cuadrillé o pie de poule, tweed (tela rugosa de aspecto telar manual tejida con títulos gruesos), espigados, paños, etc. Son las telas con las que se confecciona la sastrería. A rayas, cloqué (ligamento que produce ondas por diferencia de tensión al tegerlo), crepé (tela rugosa), tartán de los Mac (a cuadros, escocesas), tul, crinolina, gasa, sarga, tafetán, poplin, mezclilla (fibras naturales y artificiales mezcladas), chantú, panamina (parecida a la arpillera pero más dura y clara, imita la materialidad del sombrero panamá), cretona, chintz (algodón brillante), gros, terciopelo, pana, brocato, bouclé (textura de pequeños rulitos), polar, gasa cristal (sintética dura y brillante), chiffon (parecida al terciopelo pero de pelo más corto duro e irregular, no tan plana), devoré (proceso de comer con ácido una pelusa pegada y así conformar un rapport. etc.
Telas inteligentes: de última generación, tejidos con prestaciones especiales que superan las conocidas. Dryfit, antimanchas, antibacterianas, de fibras huecas rellenas con microcápsulas, termosensibles, termocontraibles, con trama y urdimbre como conductores electrónicos, etc. Se logran por el uso de nuevos materiales/tecnología y por innovadores procesos de tintorería.
Procesos de tintorería: arrugado, teñido, oxidado, lavado a la piedra, muaré (tafetán con ondas que dan distintas luces), cardado (da rugosidad y opacidad), bondeados (pegados), impermeabilizado, almidonado, parafinado, etc.
Ligamento: punto en el que se teje la tela. El tafetán es el básico (telar simple).
Título: grosor de la del hilo con que se teje la tela. Que puede ser de 1, 2, o más cabos, con o sin torsión. Se clasifica por números, los gruesos son más grandes.
Materialidades posibles: para la totalidad o la parcialidad o también para el proceso de fabricación.
Naturales:
Animales: plumas (edredones/almohadas o camperas rellenas de las plumas del pecho del ganso), cuernos y caracoles (botones), huesos (botones, agujas), gusano de seda, camellos, guanacos, llamas, vicuñas, alpaca, ovejas, crin (pelo de caballo), cueros, pieles (zorro, nutria, conejo, liebre, ante, armiño, carnero, chinchilla, gato, leopardo, mono, vaca, pecarí, nonato, cebra, cocodrilo, serpiente, jacaré, caimán, peces, oveja, gamuza, ciervo, caballo, perro, conejo, chancho, etc.). Plumas (decorativas de pavo real, gallinas, gallos, faisanes perdices, avestruces, etc.), cochinilla y tinta de calamar o pulpo como tintes naturales, pezuñas como cascabeles o botones, etc.
Vegetales: algodón, yute, lino, cáñamo, madera, sisal, roble (imitación seda), remolacha/cúrcuma/azafrán y cebolla para tintes, arroz (antiguos almidones), caucho (goma, antes de los elásticos), baquelita, látex, etc.
Minerales: amianto, aluminio, hierro, bronce, cobre, oro, plata, piedras preciosas, semipreciosas y comunes, mármol, alabastro.
Artificiales:
Derivados del petróleo: fibras o tejidos o superficies o materiales para inyección, sintéticos. Rayon, poliamida, poliéster, nylon, bánlon, antron, viscosa, polipropileno, seda artificial, plásticos, charolados, acrílico, acetato, microfibras, cueros reconstituidos y/o sintéticos, elastómero (lycra), anilinas aldehídicas, fibra óptica, fibras huecas, etc.
Tipologías comunes: que cubren el cuerpo entero: impermeable, catsuit o malla entera, overall, sobretodo, tapado, capa, mortaja, toga, túnica, mono o enterito, osito, hábito, sotana, kimono, deshabillé o salto de cama, robe de chambre, etc.
De trabajos específicos: barbijo, uniforme, astronauta, mecánico, ambo, delantal (de cintura, cadera, con pechera, cuerpo entero), máscara para soldar, máscara anti-gas, jardinero, casulla (pieza exterior, puede ser muy decorada, típico del indumento eclesiástico de la religión católica, cachiporra (policía), cofia (enfermera), guante de argollas de metal (carnicero), zapatos descartables de fliselina (lugares esterilizados o de riesgo de contaminación), Etc.
Tipos de saco: sinónimos: blazer, chaqueta y americana. Derecha o cruzada, de 1,2, 3, 4, 6, 8 ó 10 botones. Levita (saco largo), frac (saco con cola que no se abrocha, se complementa con chaleco bajo claro y moño, nunca con corbata), smoking (un solo botón, solapa brillante), bolero (muy corto), caza (lleva refuerzos de cuero en el hombro para amortiguar el culatazo del arma de fuego y en los codos), urbano, sport (generalmente nunca es liso), verano (medio forro o sin él), con abrigo desmontable, safari (con bolsillos plaqué con fuelles y cinturón), tirolés, (cuello Mao, cintura marcada, martingala, tabla encontrada, botones de asta, madera o cuero), militar, gamulan (de cuero de oveja con la piel hacia adentro), cárdigan generalmente blando, sin forro y con vivos (muchos son matelaseados o de paño de lana muy cardado), robe de chambre (saco largo con cruce de bata con cuello y puños importantes, cinturón con remate de importantes borlas (generalmente de seda para usar dentro de casa o ante la presencia de personas de suma confianza), etc.
Tipos de falda: evasé, al bies, al hilo, en gajos, recta, campana, plato (1950), medio plato, con quillas, entubada, larga o maxifalda (de los 60), corta, super corta (minifalda, 1960), intermedia, pollera/pantalón, fruncida, con volantes o volados, de flecos (años locos charlestón), con polizón (1900), globo, sirena, cruzada, etc.
Tipologías de pantalones: usado como pantalón sólo después de la revolución francesa (antes eran calzas o culotes, y cada pierna estaba por separado. Recto, mal llamado pinzado (son tablas), palazzo, vaqueros, tejanos o jeans, pescador, bermuda, shorts, chupitos (de tela con rebote), entallados, cortos, largos, ¾, bombachon, greguescos, con talonera, tiro bajo o alto, tiro superbajo (oriente, en la cintura tiro muy largo o raperos, tiro normal, cintura en la 2da cadera ), súper bajo (años 2000), Oxford o pata de elefante, britches (montar/Hitler), cargo (muchos bolsillos con fuelle), de golf (amplio hasta las rodillas y después ajustado, Tintín), marineros (con bragueta de dos cortes con o sin botones pero con un puente que une la cintura cortada), náuticos (cintura sin cortar, elastisada, rectos, generalmente sin bragueta).
Tipologías de vestidos: varían según su corte/forma/ocasión de uso/características especiales, etc. En la antigüedad las piezas se hacían y usaban por distintas combinaciones: las mangas, la falda, el corset, la blusa, las enaguas, el miriñaque; son todas piezas independientes y separadas unas de otras, en su evolución se transformaron en una sola pieza. Chemise (con botones al frente), soirée o fiesta (muy importante, sólo para la noche en una ocasión muy especial), baton (entre casa), corto, largo, infantiles, new-look (Dior, cintura ajustada y falda campana), strapless (sin breteles), entubados, línea sirena (Morticia Addams, vestidos “Delphos” de Mariano Fortuny, 1907) urbanos, Jacqueline Kennedy (sencillo, pinzas de entalle y busto unidas), soleros (verano con breteles), cóctel (importante, no es largo y se usaba desde las 18 a las 21 horas aproximadamente), charlestón o rectos (1920/30 con breteles), corte princesa o imperio (cintura abajo del busto, tipo Josefina o Remedios de Escalada), robe manteaux (vestido con mangas hecho por un sastre, generalmente con cuello y solapas), sastrería (indumentos muy estructurados de tres capas: tela base, entretelas y forro), Etc.
Sobretodo: abrigo masculino generalmente usado sobre el traje, por lo tanto es amplio y de grandes sisas. Loden (abrigo generalmente verde, característico de de Austria y la zona del Tirol: norte de Italia, Austria, Alemania, con gran tablón encontrado en la espalda de línea levemente evasé. Clásico: oscuro, derecho, largo y de sastrería). También puede ser claro, en cuyo caso es de pelo de camello, gabán (abrigo corto hasta la altura de la mano aproximadamente -1960- línea recta cruzada o derecha y simple, Etc).
Mujer: se los llama tapados, suelen ser amplios con o sin grandes cuellos y puños. También pueden tener sobre capas cortas. Redingote (muy entallado en la cintura con o sin cinturón del mismo género y de línea evasé (típicos de 1950, para poder usar encima de las grandes faldas). Trench (saco recto o cruzado, unisex con cinto del mismo género, de tela impermeable o gabardina de lana).
Camperas: Burberry de algodón encerado (muy inglesas con interior desmontable a cuadros, con cremalleras en los laterales para poder andar a caballo y cuellos hechos de corderoy), motoqueras tomadas de los modelos de los pilotos aéreos ingleses y norteamericanos de la segunda guerra mundial desde los años 1950 (James Dean). La reviven los teddy-boys, punks, skinheads y los leather desde el `80, de jean (cortas y con fuelle entre la espalda y las mangas), deportivas (muy simples, de tela sintética liviana o de frisa de algodón), para los polos (impermeable con capucha e interiores de piel, suele ser naranja), cazadora (amplia larga y con grandes bolsillos para los cartuchos), impermeables (plegables de siré o tela plástica liviana que se guardan en uno de los bolsillos de la misma campera y se portan con un elástico sobre la cintura, Montgomery (camperon largo y amplio cuya característica son los alamares con traba de madera o plástico o punta de cuerno, natural o imitación de plástico, etc.)
Impermeable: recto, evasé, corto o largo con o sin capa. Uno típico es el de Sherlock Holmes (con capa intermedia y cinto) da muy bien en personajes detectivescos y/o enigmáticos/intrigantes. Otro es el de Humphrey Bogart en “Casablanca” (cuello y solapa clásico, con cinto, canesú suelto adelante/atrás y bolsillos delanteros) llamado gabardina.
Traje: desde mediados del siglo XX es un conjunto de 3 piezas: saco, chaleco y pantalón o falda, también llamado terno. Las tres piezas de la misma tela. Los sastres se especializaron en su confección. También se hacen más económicos en grandes series a través de la sastrería de confección (sistema normalizado, no a medida de un usuario).
Ambo: para la sastrería, chaqueta y pantalón o falda, conjunto de dos piezas de la misma tela. También se usa para designar las dos piezas de uso hospitalario (pantalón náutico y chaquetón amplio sin cartera todo de algodón verde/celeste/blanco o rosa, el color identifica la sección. también los hay de fliselina descartable.
Prêt á porter: quiere decir “listo para usar”, también llamada ropa de confección. Antes la gente hacia a mano la ropa en sus casas, luego las compraba por catálogo. Después de la revolución industrial se vendió en negocios a talles normalizados. Hoy se pueden comprar en los supermercados o vía Internet y muchas veces está totalmente confeccionada por máquinas.
Tailler: dos piezas de sastrería femenina, chaqueta y pollera confeccionadas en la misma tela. Término francés para ambo de mujer con falda, realizado por un sastre.
Moda: al modo de, es efímera, no superficial, responde a cuestiones sociológicas (se basa en el destaque de personalidades de distintos ámbitos: políticos, artísticos, deportivos, etc. Surge por querer lo que usa otro, como si usándolo nos convirtieran en él, o perteneciéramos a un grupo social por usar determinada marca de indumentaria. Se da por primera vez en el medioevo durante las cruzadas religiosas donde grandes multitudes se desplazan viendo indumentos desconocidos para ellos. También se basa en distintos hechos científicos o descubrimientos arqueológicos de mucha trascendencia internacional (estilo imperio, lo toma Napoleón III, luego del descubrimiento de las ruinas de Pompeya), además de las producciones de materia prima disponibles (si hubo una superproducción de anilina verde loro, ¿Qué color se usa la próxima temporada?). En el año 2000 se cambió por un sistema de tendencias menos dictatorial y más abierto. La moda ya no existe, salvo para los que no se enteraron del cambio y siguen hablando y opinando de la moda. Para que algo nuevo cambie, la costumbre anterior ya arraigada, pasan por lo menos 10 años, a veces 20.
Tendencias: reemplaza al sistema de la moda desde los 2000 aproximadamente. Es para que dure de 5 a 7 (o más) años cada tendencia. Hay varias tendencias en paralelo, surgen de los mismos motivadores de la moda (se les sumaron las tribus urbanas: darks, neo románticos, skins, etc.) pero son varias e interconectables. Una persona puede adscribirse a una tendencia determinada o armar su propio look mezclando varias.
No es un cambio de nombre. Yo supongo que se da por las mayores libertades adquiridas, personal y políticamente hablando, además de la comunicación global inmediata que posibilita Internet. Ya no es tan fácil imponer lo mismo para todos, cada persona es más consciente de lo que quiere o le queda bien. Además de los ciclos de la moda cada vez más cortos, pasando muy rápidamente a las clases sociales de bajo poder adquisitivo, ¡quemándose! rápidamente. Las personas de buenos recursos y que se dedican a cuidar su aspecto indumentario ahora optan por indumentos clásicos de extrema calidad. Si lo expresamos en términos de marcas comerciales, los nuevos ricos se visten en Versace (para que se note su presencia) y los que tuvieron dinero desde su cuna lo hacen en Hermes o Armani (para pasar desapercibidos). El dinero hoy cambió de manos y la cultura ya no está junto a él, ni es necesario para “triunfar” o “lograr éxito”. El buen gusto y la educación son otra cosa, que no están extremadamente relacionadas con el poder adquisitivo.
Disfraz: no es vestuario espectacular, a menos que sea la intención. Es de menor rango que el vestuario o la ropa, tiene un carácter lúdico y muy superficial, usa caretas y no máscaras. Va encima de otra cosa y se percibe desde la actitud a lo visual. Es de estudiantina, carnaval barato o cotillón para fiestas.
Retro: del francés, que toma elementos nostálgicos del pasado y los reelabora actualizándose. Aggiorna: del italiano, nunca es igual al original. Revival en idioma inglés.
Grunge: mugre. Retro de los hippies. Estilo pobre y ecléctico algo desalineado.
Colección: grupo con unidad, conjunto de varias prendas ideadas por un diseñador/marca para una temporada, que abarca las necesidades indumentarias desde la mañana hasta la noche. O de una sola tipología o para una sola actividad. Tiene un estilo característico, si no sólo sería un grupo de indumentos.
Conjunto o ensamble: prendas combinadas o complementarias (de distintas telas y colores) que logran una buena unidad. Sólo se da con lógica de continuidad y armonía (para lograr armonía tiene que haber diferencias).
Antimoda: rompe los principios de unidad y complemento, pero conserva los de armonía. También es una moda. Aproximadamente en el año 1999 en oposición al lujo imperante en temporadas anteriores.
Figurín: dibujo o pintura del conjunto.
Refrito: término en general despectivo que se le da a una tarea de rediseñar sobre distintos existentes, modificarlos (si nos dejan) y así hacer el trabajo. Reformar siempre es más complicado que hacerlo; es más económico si no pagamos la mano de obra y no nos excedemos en los agregados.
Postizo: todo lo que no sea natural o propio, agregado (se debe notar sólo si es la intención) si no debe pasar inadvertido.
Vestuarista: diseñador de vestuario espectacular, no para uso cotidiano. Está bajo las órdenes e ideas del director escénico. Destacados en Argentina y el mundo: los argentinos Hugo de Ana, Graciela Galan, Renata Shusheim (para mencionar algunos contemporáneos y vivos).
Fisique du rôle: cuerpo carnal del actor que encaje con el esperado por el común de las expectativas. Un muy buen actor. Con un buen vestuario y caracterización adecuados, al personaje lo superan si le es adverso.
Significación:
Los vestuarios no son reconstrucciones de época (a menos que sea esa la intención en alguna obra historicista) si no que deben hablarnos de los personajes y sus intenciones.
Color, forma y textura son los ingredientes fundamentales a considerar. Todo lo que tenga ángulos agudos es agresivo, masculino y penetrante “Mefistófeles”, Diablo, “Drácula”, ”El Pingüino”. Las horizontales transmiten calma, quietud, serenidad, remanso, paz, pero también muerte. En cambio las diagonales nos provocan sensación de movimiento y dinamismo (arlequín), que se exageran más con curvas/contracurvas y espirales. Las verticales son estables y nos hablan de lo vivo, en crecimiento; si son regulares en distancia y altura, dan sensación de militaridad u orden estricto.
Las direccionalidades son importantes a considerar ya que pueden alterar los principios anteriores, no es lo mismo una vertical ascendente que una descendente ya que presenta otra energía. En cuanto a los colores hay demasiadas teorías y modos de operar, lo mejor es recurrir a la sensibilidad y no a la racionalidad pura. De todas formas hay algunas generalidades de valor (intensidad de luminosidad) que hay que respetar. Lo oscuro siempre se ve como negativo y dramático y lo claro da más positividad y jocosidad, por supuesto que hay excepciones que rompen la regla.
Las texturas (calidad de materia y superficie) pueden transmitir rápidamente al espectador muchos datos acerca de las características de los personajes. Es posible hacer un excelente vestuario sólo con la textura como elemento expresivo/significante y mantener la forma/color neutra y poco expresiva.
Todas las combinaciones son válidas en la medida que las sepamos controlar para una correcta valoración, es una cuestión de dosis y de proporción entre los ingredientes. Muchos ingredientes: más difícil, con pocos y bien seleccionados: más seguro de tener un resultado feliz.
Tipos físicos posibles: más allá de los gordos/flacos o mixtos (mucha cadera poco hombro / mucho hombro poca cadera), altos o bajos. Podemos hacer una clasificación de tipos físicos: fuerte (muy derecho sólido) denota seguridad, jorobado (giba en la espalda, se arquea hacia delante) denota cierta timidez o sumisión, doble-curva I (lordosis y giba combinadas, la cintura tiene mucha curvatura en la espalda y las vértebras cervicales caen hacia adelante) denota rigidez mental, doble curva II (pecho y pelvis avanzados) denota sensualidad o enfrentamiento/superioridad.
Materialidades alternativas:
Es posible con talento, y mucha imaginación diseñar vestuarios partiendo de casi cualquier material, ¿Cuáles?, dependerá de nuestra habilidad y conocimiento, además de muchas ansias de experimentación. Los resultados pueden ser desastrosos o inmejorables, como en cualquier materialización.
También es posible la creación de un vestuario partiendo de piezas compradas/alquiladas/o recicladas o no, con modificaciones o agregados. Partiendo de tipologías del siglo actual podemos hacerlas lucir como del siglo XVIII, solo hacen falta la incorporación de algunos accesorios con un postizo y algo de pintura.
Para producciones de bajo presupuesto, es muy habitual el canje con algunas empresas que nos dan lo que pidamos solo por mostrar en los créditos sus datos. No es una situación de diseño muy feliz, pero es una realidad existente. Es posible hacerla muy bien si elegimos nosotros los proveedores de acuerdo al temperamento de cada personaje y la acción transcurre en una época no muy lejana a la actual. Casi nunca se dan estas condiciones, porque nos imponen a determinados proveedores, llega también el caso donde se elimina el vestuarista y las figuras van al local comercial a elegirse algo (noticieros, programas periodísticos, novelas, cortos, etc.), a veces figura como asesor de vestuario que nunca se llevo a la práctica o es inexistente. O contraría al asesoramiento realizado por el vestuarista.
Otra situación laboral nada agradable son los infantiles, musicales o no; que se arman con piezas de disfraces de cotillón para componer el vestuario, compradas por el productor, directo o figura principal, sin la participación de diseñador alguno. Por mucha experiencia y oficio acumulado, en el resultado prima el rédito comercial sobre el estético.
Generalidades por género teatral:
Ópera y Zarzuela gran profusión texturas y muchas telas pesadas, nunca corsés ajustados o con ballenas, ni cuellos muy ajustados. Respiración diafragmática baja, cintura floja. Los cuerpos de los cantantes han mejorado mucho últimamente y sus condiciones actorales también, lo cual posibilita explorar nuevos campos en el vestuario.
Musicales: sean comedias o tragedias suelen tener varios cambios de vestuario que no deben confundir al espectador para poder seguir al personaje. El roce y los tiempos para los cambios serán factores muy importantes a considerar. El vestuarista combina problemas técnicos de la ópera y el ballet ya que los cantantes también bailan.
Teatro infantil: mucho color (no todos, ni muchos saturados) y grandes dosis de fantasía. Suele tener mucho movimiento, por lo tanto telas que dejen respirar la piel o que salga el calor corporal, no sintéticos puros.
Ballet: cuanto menos mejor, telas livianas y translúcidas. Ningún accesorio muy pesado, todo debe probarse y si es de quita y pon (practicable) aun más. Se puede usar corona y capa para la presentación del personaje, más luego se le quitará en el transcurso del baile. El roce y los enganches son constantes a solucionar.
Teatro de prosa o verso: no tiene tantas complicaciones técnicas. Respiración intercostal, nada muy ceñido al torso. Costuras francesas o reforzadas son importantes ya que puede haber forcejeo y lavados entre funciones. Las interrelaciones de géneros varían las condiciones (hoy dentro de este género se baila y canta).
Cine/video/cortos/publicidad: al ser filmado por escenas no es tan complicado. Salvo la continuidad. Permite el lucimiento de primerísimos planos donde los materiales se lucen en todo su esplendor. Tener cuidado que no se vea algo inconveniente. Permite hacer sutilezas y mostrar detalles.
Una característica de este nuevo siglo (el XXI) es el borrar los límites y prescindir del autor del texto. Las obras de autor y fusión están en varios diseños: musicales, gastronómicos, educativos, televisivos, indumentarios y por supuesto espectaculares. Los resultados no siempre son felices pero el panorama posible es más amplio y enriquecedor; al desaparecer los límites y divisiones estrictas se ampliaron las posibilidades y la experimentación.
Algunos consejos:
Una cosa importante en reconstrucciones realistas en las puestas, es el mes del año en que transcurre la acción, hemisferio y país, ciudad, suburbio o campiña. Si los personajes vienen de un exterior hay que hacer la entrada con abrigos (guantes, sobretodos, capas, bufandas, gorras o sombreros) o sin ellos, cerrando un parasol o quitándose un sombrero de verano. Estos recursos complementan a la escenografía y la puesta en escena, ayudando al público a que todo sea más creíble.
Un truco muy habitual en ópera o cine y no tanto en teatro de prosa, es vestir a los personajes mayores de edad con la moda anterior a la época de la acción. Generalmente la gente queda tildada con lo que usó en su juventud. También pasa con gente que emigra, no solo la indumentaria se congela, también el idioma.
Es importantísimo que los vestuarios estén en los primeros ensayos en la escena. Si no es posible, algo de forma y textura similar. El hábito, la indumentaria, modifica los movimientos del cuerpo restringiéndolos o liberándolo y genera en los actores un cierto garbo (parada, actitud) característico. Incluso es interesante que los actores usen el vestuario en sus casas cuando este es muy distinto al de la actualidad diaria, esto genera un acostumbramiento que dará mayor naturalidad (salvo que se quiera mostrar lo contrario).
La luz varía los colores modificándolos y mucha distancia con el espectador elimina detalles. Al hacer elección de telas considerar estos aspectos. No olvidar el ámbito o marco en el cual el personaje se desenvuelve, (mimetización o contraste). Colores que en la vida real nunca usamos juntos en escena y con la luz adecuada dan muy bien. Lo mismo pasa con los brillos, con los cuales hay que ser moderado porque pueden producir destellos o encandilamientos no deseados.
El vestuario, la escenografía, la iluminación, deben combinarse para ser una sola unidad expresiva acorde a los pedidos del director. Lo más habitual es que no se amalgame la escena con el vestuario y se recorten mutuamente. Una manera de evitarlo es trabajar con materialidades y colores afines. La luz puede ayudar a unificar o separar aún más.
Siempre que un mismo personaje tenga varios vestuarios hay que lograr una unidad en la diversidad, que el público pueda entender quién es pese a su cambio de apariencia conservando algo: el peinado, estilo, color, moldería, o cambiarlo en escena ante el público. Por supuesto que los cambios deben estar justificados desde lo teatral, si no serán decorativos y ridículos.
No olvidemos que el vestuario puede no ser realista y expresar el estado de ánimo del personaje, ejemplo: tres actos con vestidos idénticos pero de colores distintos para el mismo personaje, o construirlos con materiales atípicos (no tradicionales).
Si el vestuario no es significante puede estar uniformado y casi neutro.
Enfatizar diferencias entre clases sociales y grupos de personajes o enemigos/contrafiguras.
No hacer grandes diferencias entre protagónicos y comprimarios en las materialidades, salvo que se tenga que hacer por clase social.
Armar las parejas por colores complementarios o adyacentes; es un viejo truco pero que sigue dando resultados.
No usar una paleta de color muy amplia ayuda a la significación y al tono general. Adecuarla al tipo de teatro y pieza que se aborda: no es lo mismo una ópera bufa (cómica) que una tragedia wagneriana; el autor también pauta: Mozart generalmente se pone con una estructura visual general escénica simétrica, en los vestuarios también.
En prosa, o cualquier otro género, no da igual un vestuario sobre cámara blanca que en una negra. La luminosidad y la significación varían radicalmente.
Como formulas de color yo sugiero: una dominante (a mayor superficie), una intermedia y un acento como menor, es una receta sencilla que siempre da buenos resultados. La utilización de muchos colores es posible y se adecua muy bien a los infantiles o circenses, pero hay que saber mucho para controlarla. Otro recurso posible es trabajar en grises y/o neutros y colorear con filtros de color en las luminarias: da mayor flexibilidad y unidad pero es mas difícil de lograr un buen resultado, además hacen falta muchas luminarias (los secretos son no usar mas de cinco valores en los planos generales y pequeñísimos matices dentro de cada uno); si no se ablanda mucho, no usar negro ni blanco puros (recortan).
En vestuario espectacular: se hacen etiquetas con el nombre de la obra, del personaje y apellido del artista, acto y número de traje (según orden de entrada en escena).generalmente van cosidas en la espalda. Algunas incluyen medidas de altura, pecho, cintura y cadera (para eventuales ajustes y o cambios).
En telas planas se deja MUCHO margen en las costuras, para futuros ajustes a otros cuerpos.
Los protagonistas suelen tener cambios de vestuario y camarines exclusivos con un vestidor.
Si hay dos artistas que interpretan un mismo personaje en distintas representaciones, se confeccionan dos trajes.
Si la obra permanece en cartel mucho tiempo, además del mantenimiento de función a función, prever un nuevo vestuario, réplica del original.
Los personajes comprimarios (generalmente contrafiguras) suelen compartir camarines en teatros pequeños.
Los coros y personajes secundarios generalmente comparten camarines, en teatros grandes están separados por sexo.
Los vestuarios al final de función quedan en lugares y órdenes inimaginables, por lo tanto hay que pensar en que alguien tendrá que re-ordenarlos y revisar costuras y avios, además de poner la utilería de mano en bolsillos o accesorios junto a ellos (catas, bastón, abrigo, sombrero, etc.).
Las costuras que tendrán tracción mecánica en peleas/arrastres/forcejeos serán reforzadas o francesas. Se revisarán función a función, generalmente lo hace el vestidor.
Los vestidores son personas que ofician de algo parecido a un valet, ordenan y preparan los conjuntos, ayudan a ponerlos según las indicaciones del vestuarista, teniendo en cuenta las modas y costumbres de los personajes y sus targets. Los de oficio suelen ser muy útiles con vestuarios de épocas pasadas hace siglos, ya que las formas, cortes y tipologías varían mucho y se visten en otros órdenes distintos a los actuales. También ofician de estimulador del ego y levantadores de autoestima. Muy útiles en los estrenos donde el vestuario llega antes de la función y está compuesto por tipologías complicadas no habituales en la actualidad (miriñaques, carajeras, greguescos, hopalandas, mangas sueltas, corseletes, bigotera, etc., un ejemplo magnífico se puede ver en “The dresser” (película) “El vestidor” de Peter Yates.
Los vestuarios pueden variar la forma general y las apariencias corporales. La moda sube y baja la cintura o la elimina. Comprime o exagera partes del cuerpo. El vestuario espectacular también tiene esos recursos y más aún, ya que la distancia con el espectador salva desprolijidades y permite trucos que en la vida diaria serían obvios.
Esta clasificación y consejos pueden ser de gran ayuda para la elección de las distintas tipologías a usar por los personajes( o usuarios) al momento de armar o diseñar un vestuario
(o colección).
Esc. Rupert Brocher:
Prof. Titular de la Facultad de Arquitectura
Adjunto del Instituto Universitario de Artes Dramáticas
Prof. Invitado en la Universidad de San Andrés
Prof. de la Universidad de Palermo
Prof. de comercialización visual en Nueva Escuela y El Taller
Escultor/Escenógrafo/Caracterizador/Inventor
Guía de Museos y Centros Culturales.
PINTURA: ADAPTAR PARRA INDUMENTARIA, NO ES TAN COMPLICADO.
Se llama paleta de color al grupo de colores puros (colores formados por un solo pigmento y un médium, tal vez con un estabilizante de secado como tercer componente, pero no más que esos componentes en su composición química- generalmente en su envase están las especificaciones, como en un medicamento, de las sustancias de las que está compuesto).
Los colores que tienen un solo pigmento en su composición, de una lista dada de colores estables, generalmente Cadmios, Phtalos, colores de Alizarina, y blancos de y con Titanio , son estables, significa que, además de permanecer en el tiempo, pueden ser aplicados en cualquier capa, y no se transforman al ser mezclados, de un rato al otro, es decir, que son al estar frescos en la paleta, lo que serán cuando sean aplicados y estén secos. Los colores estables más comunes son :
Blanco de titanio.
Amarillo de Nápoles.
Amarillo de Cadmio.
Ocre amarillo. Anaranjado de Cadmio.
Tierra Siena Natural.
Tierra Siena Tostada.
Tierra Sombra Natural.
Rojo de Cadmio.
Rojo Indio.
Laca Carminada de Alizarina.
Verde de phtalocianina.
Verde de Cadmio.
Azul Ultramar.
Azul Cerúleo.
Azul de Phtalocianina.
Celeste Cerúleo.
Gris de Payne.
Negro de Humo.
Ya sea en Acrílico , Óleo o lápices, es conveniente que las cartas de colores tengan ésos colores en su existencia.
En la historia de la imagen a través de los tiempos, hay paletas de colores.
Paleta naturalista: Blanco de titanio, Amarillo de Cadmio, Ocre Amarillo, Tierra Siena Natural, Tierra Siena Tostada, Tierra Sombra Tostada, Tierra Sombra Natural, Rojo Indio, Laca Carminada, Azul Ultramar, Verde de Cadmio, Negro de Humo. (para pintar la naturaleza, paisajes - Monet)
Paleta renacentista: Blanco de Titanio, Amarillo de Nápoles, Tierra Siena Natural, Tierra Siena tostada, Tierra Sombra Tostada, Rojo Indio, Verde de Cadmio, Negro de Humo. (para pintar bodegones, desnudos, interiores clásicos - Rembrandt) Paleta de grises coloreados: Blanco de Titanio, Amarillo de Nápoles, Tierra Siena Natural, Tierra Sombra Natural, Laca Carminada, Azul Cerúleo, Azul Ultramar, Gris de Payne, Negro de Humo. (para pintar paisajes urbanos – Antonio López García)
Paleta moderna: Blanco de Titanio, Amarillo de Cadmio, Rojo de Cadmio, Azul Ultramar, Negro de humo. (para pintar arte de las vanguardias –Mondrian)
En las que , como en todas las paletas posibles de armar, están presentes el rojo, el amarillo y el azul, en diferentes “acepciones”, es decir, con diferentes intensidades y temperaturas, así como el blanco y el negro, para poder trabajar el valor , es decir, el claro y el oscuro de dichos colores.
Podemos armar cualquier paleta que se nos ocurra, siempre y cuando asignemos un color a lo luminoso, para trabajar con ello todos los otros colores , que generalmente es blanco, porque es más versátil, y un color a la oscuridad, que generalmente es negro, porque es más intensamente oscuro que el resto.
En algunos materiales (óleo) no es conveniente su utilización en estado puro, ya que la composición química del negro de Humo no es muy estable, y tiende a fugar hacia un gris empobrecido con el tiempo, sobre todo en grandes superficies pintadas con una sola capa de color. Generalmente, las zonas muy oscuras se obtienen mezclando dos colores intensos y opuestos, como Azul Ultramar, y Tierra Sombra Tostada, aunque si la pintura está bien compuesta, nada es en mucha superficie blanco liso, y nada es en gran superficie negro puro. También, además de éstos colores, usaremos un amarillo, un rojo y un azul, son interesantes las paletas en las que uno de los tres primarios (rojo amarillo o azul) es muy saturado (puro, intenso), y los otros dos no tanto. Ejemplo: Amarillo de Nápoles, Tierra Sombra Tostada, y Azul Ultramar, como color intenso. Vinculados tres colores entre sí, generalmente uno “trabaja” de amarillo, otro de rojo, y otro de azul. Siempre que armemos una paleta por nuestra cuenta, es conveniente que hagamos una cuadrícula en una superficie, y la llenemos de los colores puros y sus mezclas, porque si con la paleta que armamos, luego no nos alcanza para representar lo que queremos, porque ni aún mezclados los colores nos dan algo que necesitamos, será muy engorroso agregar sobre la marcha un nuevo color, todo lo que hagamos con él, sobresaldrá, tal vez de un modo indeseable. (Continuará…)
MONICA CARRO.
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Bibliotecas digitalizadas:
http://m.xataka.com/otros/46-museos-y-bibliotecas-que-han-digitalizado-todo-su-conocimiento-humano?platform=hootsuite
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comercialización y mercado: vidrieras/comercialización visual
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Elementos a tener en cuenta para definir el recurso
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EL VESTUARIO EN LOS PLANOS CINEMATOGRÁFICOS
Por Dis. Estela Sens (JTP Cátedra Brocher).
PLANO DETALLE:
La genialidad oculta de 2001: cómo Kubrick impulsó el product placement en su obra maestra
Dis. Estela Sens, JTP Cátedra Brocher
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Vestuario Espectacular:
La humanidad y sus vestimentas la podemos clasificar en civil, militar, religioso, disfrazado y vestuario.
Vestuario espectacular es un término acuñado, abarca todos los géneros teatrales y afines en derredor del espectáculo (callejero, formal, informal, estatal, privado, con o sin argumento; también para la Danza, Circo o Carnaval. Va desde un simple espectáculo en un subterráneo, hasta la gran Ópera, pasando por los Recitales de música de cualquier género y por supuesto también el Cine /Video y TV.
Cada espectáculo: depende del género, obra, puesta (que depende del director de escena, salvo en un unipersonal, sin dirección) plantea infinitas posibilidades de diseño.
Vestuario espectacular no se refiere al brillo, lujo o grandes despliegues volumétricos; solo se refiere al espectáculo.
Escenografía: diseño del espacio escénico (abarca la escenografía de trastos, vestuario e iluminación, como una totalidad. cuando no es así, no hay sincronía y se dan los habituales desfasajes.
Formas de encarar:
Rigor historicista: de 1 o varias épocas pre-determinadas.
Costumbres, formas, colores y texturas se recrean con minuciosidad.
Libertad poética con una idea base: del director, escenógrafo, vestuarista, diseñador lumínico, actor, cantante, bailarín, Etc. o del consenso de algunas de estas disciplinas (atemporalidad, futuro decadente, sardónico, Etc.).
Según didascálicas: textos que acotan el espacio y la forma de vestir de los personajes desde la misma pieza literaria (zapatos rojos, físico contrahecho, gigante, halo místico, Etc).
Con la idea/estética de un director: para un determinado proyecto. Un director puede tener varias, no necesariamente usa siempre la misma.
Estilo particular.
Interpretación con licencias: re- escritura/relectura/re-innovación. Se parece muchísimo al plagio encubierto.
Refrito: transformar algo existente en lo que necesitamos. Recurso que especula abaratar costos a cuesta de la explotación de la mano de obra.
Por canje de cartón: se da en tv/video y algunas películas, se trabaja con lo que los auspiciantes quieren vender en el mercado. Comercialmente poderoso, artísticamente muy limitante.
Múltiple: búsqueda/préstamo/alquiler/confección/refrito.
Con un solo material: alternativo o no, da impresionantes resultados, sobre todo si se usa también en la escenografía.
Distintas paletas y/o estéticas: pueden convivir en un mismo espectáculo, justificadas por actos, cuadros, tomas, escenas; que así lo requieran o admitan desde el texto, música o coreografía. Pero deben mantenerse bajo una misma idea.
Se aconseja participar en el proyecto desde sus orígenes. Asistir a los primeros ensayos. Documentarse y tener claras las premisas con el director para aunar criterios.
Ante una partitura musical, coreográfica o de desplazamientos, hay elementos que no debemos alterar o dificultar: tiempos, movimientos, temperamentos, espacio físico, y la interacción con la luz y la escena.
Más allá de nuestras ideas, siempre debemos adaptarlas a la realidad. Podemos diseñar y fantasear un vestuario X, pero al confrontarnos con el cuerpo físico que le dará vida, hay que re-diseñar adaptándolo a ese soporte.
Los vestuaristas y realizadores de vestuario tenemos, si podemos o es necesario: educar, instruir, enseñar a portar algunas tipologías indumentarias que no son de uso común a los demiurgos, sobretodo en ámbitos no profesionales. Como así también sugerir al director no cometer errores que alteren la época que se emula con errores de etiqueta y costumbres culturales que no sean acordes.
Los vestuarios(al igual que su psicología) de los personajes poseen características que mantienen y/o evolucionan durante el transcurso de las acciones.
No toda la significación pasa por el vestuario, lo portara un intérprete que le aportará vida, solo podemos hacer guiños sutiles, y sobretodo no adelantar datos del transcurso de las acciones.
Importante es poder salir de nuestro propio estatus social, conocer todos los targets y no hacer juicios de valoración o crítica (salvo que el director lo proponga).
El vestuario casi nunca es protagonista de lo que se cuenta o expone, salvo excepciones (donde es el kit o tema de lo que se expresa). Casi siempre es un elemento más de una totalidad mucho mayor, es solo un pequeño porcentaje del total, “ególatras abstenerse” el espectáculo es un trabajo en equipo, hay que saber ceder y consensuar.
R. Brocher
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19/10/2015
Texto de R.B.
COMERCIALIZACIÓN Y MERCADO: 15/10/2015
Artículo, tipología, rubro, sección, colección, series, líneas, conjunto, juego, combo, kit, set, modelo, grupo, pack, proveedor, repositor:
- Artículo: lo que se vende y lleva precio y está en los inventarios, no es instalación del local, lo que los clientes compran, objetos en venta. También existen los servicios (intangibles) que complementan la venta de artículos tangibles. O como un servicio en sí mismo.
- Tipología: lo que hace que sea eso y no otra cosa, un término preciso que caracteriza individualizando, determinado por la forma y la función, puede ser de varios o diversos colores y materiales. Cartera, sobre, mochila, bolso. Todos son contenedores y sirven para cosas muy similares pero se los denomina distinto (son del rubro marroquinería). Un chaleco, nunca tiene mangas, pero puede o no ser abierto delante, con botones, alamares o cierre relámpago; o también sin ellos. Calzado: muchas tipologías posibles: botas, sandalias, chatitas, Guillerminas, zapatillas, pantuflas, ojotas, alpargatas y muchas excertas.
- Rubro: categoría que permite reunir entidades (tangibles y/o intangibles) que comparten ciertas características. Mantel es un artículo (mantel redondo de 1,20 Mts. es una tipología de mantel) de la sección blanco, del rubro textil, donde puede haber conjuntos de mantel y servilletas. O como ejemplo de rubros intangibles: un Banco Nacional, peluquería, medicina; Etc.
- Sección: sub particiones de un todo. Un rubro puede tener o no distintas secciones.
Dentro de un supermercado hay distintas secciones: panadería, pescadería, bebidas, Etc. Dentro de una sección hay subdivisiones que ordenan y separan distintos artículos. Textiles de varón mujer y niños; dentro de esta división puede haber subdivisiones: deportivo, trabajo, tiempo libre, a su vez por marcas, y dentro de esta por series (partes de una colección), dentro de esta por tipologías colores y talles.
- Colección: varios artículos de uno o más rubros de una marca, fabricante o diseñador, generalmente se da por temporadas. Los hay en todos los rubros. Algunas colecciones duran años; si tienen buena aceptación comercial, deja buen margen de ganancia y son requeridos por el público Ej. pleats please de Issey.
- Serie: subdivisiones de una marca o colección, serie dorada, serie económica, serie mariposa, Etc. Etc. Etc.
-Línea: puede ser igual a serie o tener la designación de forma (en indumentaria) o locación u ocasión o de uso (mesa, cocina, baño en bazar. O mañana, tarde y noche, también para indumentaria.
- Conjunto armado: 2 o más elementos que tienen relación entre ellos y que no fueron pensados juntos para combinarse para formar un todo. No da opciones salvo que sea abierto, no repite tipologías. Lleva precios separados cada pieza.
Conjunto abierto: da opciones para elegir si va con A o B. Se puede vender las piezas por separado. Ej. a un ambo sumarle un chaleco, los precios serán 2(uno del ambo y otro del chaleco). Ej. Collar, pulsera y 2 opciones de aros (largos o cortos).
Conjunto cerrado: diseñado fabricado y embalado para venderse como una unidad. No da opciones, es lo que se ve muestra o agrupa, lleva un solo precio, no se vende separado. Ejemplos: Terno o traje de saco, chaleco y pantalón. Conjunto de corpiño y bombacha.
- Juego: juego cerrado o abierto, el cerrado es así y no varía el abierto puede o no ser así, tener más o menos componentes de acuerdo a la necesidad del cliente. Ej.: cama, mesa de luz y cómoda. Ej. Juego de porcelana inglesa de 125 piezas para 6 personas (así se describe al colocar el precio y solo se exhibirá 1 pieza de cada). Ej. Juego de sábanas de 4 piezas (en los lineales se exhibe cerrado, en las exhibiciones se desembala, plancha y pone de alguna manera que lo ponga vivo e in-situ).
Que hace juego no es lo mismo que es del juego o a juego con. Si es del juego tiene la misma o similar decoración o combinaciones de decoraciones pre pautadas con distintas combinaciones posibles (coordinados).
Nunca engañen, en su casa él cliente se dará cuenta y será contraproducente para futuras ventas. Dos piezas: casaca y pantalón hospitalario (que no son un ambo) pero parece (tiene una pequeña diferencia en el color de la tela, los botones y el hilo con el que están confeccionados) dentro del sobre plástico no se nota.
- Combo: papas fritas, hamburguesa y gaseosa. No repite tipologías, es un grupo cerrado, generalmente más económico que comprar sus componentes por separado, no es exclusivo del rubro alimentación, también se denomina así en turismo y servicios spa.
- Kit: en general son elementos que arman algo, o sirven para algo común. Ej. Junta de tapa de cilindros y su pegamento. Sal y pimienta. Avión para armar, pegar y pintar (trae todos los elementos para hacerlo).
- Set: 2 o más artículos que servirán para una acción o servicio. Tiene que tener cierta lógica: no podemos armar un set de tres manteles: uno redondo, otro rectangular, y 6 servilletas. O un set de vaso peine y cepillo de dientes de calidades y estilos totalmente diferentes. Si podemos crear un set de tabla de corte y cubiertos para trinchar carne de distintos proveedores y procedencias de calidades y estilos similares. También un set de 4 individuales de mesa iguales o similares. Elementos que funcionan juntos en un set: taza, cucharita y plato bajo taza. Toallón, toalla, pantuflas y bata (mismo color y materialidad). Suelen resolver o servir para una actividad o función. Ej. Set de 12 vasos, 12 platos, 1 mantel, 12 cucharitas, 1 posa torta; todos descartables y con unidad estilística, dentro de una caja de fácil transporte (al momento de exhibirlos ponemos 1 de cada a la vista fuera de su packaging original, y aclaramos con un pequeño cartel cuales son las cantidades y su precio total, Lleva un solo precio). No se vende por piezas separadas, si se diera así, debiera ser más caro. Ej. Canasta con crema de afeitar, brocha, afeitadora y pequeña toalla. Resuelve la situación afeitada. Canasto de picnic para 2, 4 ó 6 personas (tiene platos, cubiertos, servilletas, sal y pimienta, vasos y un lugar extra para llevar comida y bebidas. También los hay para té o champán.
Popularmente al cambio de detalles formas o estilos se lo llamaba modelo, hoy diseño.
- Grupo: no necesariamente combina ni tiene unidad, más de 2 elementos, puede haber más de uno de lo mismo (repite tipologías). Ejemplos: grupo de artículos varios dentro de un carro de supermercado, seleccionados por el cliente para comprarlos. Cajas de té de distintos tipos de una misma marca. Grupo de gaseosas distintas en un pack. Pueden ser casuales o creados (por el fabricante o local de venta) para sacar sobre existencia de stock, vender lo invendible, generar supuestas ofertas.
-Pack: unidad de embalaje que agrupa una X cantidad de productos iguales para su compra en bloque, facilitando su traslado, en medias y calzoncillos. Para cigarrillos lo llamamos cartón, muy frecuente para cervezas, gaseosas o agua mineral, es sumamente desagradable para el cliente que en varios supermercados rompan su packaging para marcar el precio en caja. Igual en las cajas con varias botellas de vino.
Proveedor: puede o no ser el fabricante, el local le compra determinados productos, que tal vez se agrupan en varias secciones distintas. El orden del depósito no necesariamente coincide con los mismos artículos en el salón de ventas (eterna discusión con los repositorios internos/encargados de los depósitos, ellos buscan su comodidad y nosotros (comercializadores visuales) buscamos la optimización de ventas y lógica del cliente, todo lo que sea repostería va en la mismas sección no importa el proveedor ni la materialidad. El mismo fabricante o proveedor hace o nos vende artículos que debemos colocar en varias secciones distintas.
Cada rubro tiene su especificidad, vocabulario, generalidades específicas que tenemos que conocer y valorar para poder exhibir. No podemos exhibir algo que no se pueda vender de la manera en que lo sugerimos. Ej. Un chaleco de un traje con una camisa de un kit de 3 camisas, con un pantalón de un ambo, con un moño de un set que trae pañuelo y faja. Por más bonito o espléndido que se arme el conjunto, no es comercialmente aceptable, creará problemas confusiones y entorpece las ventas.
Si puedo armar conjuntos o ensambles tomando piezas que se venden por separado. Ej. a un traje combinarle su camisa, corbata, cinturón, pañuelo, bufanda y sobretodo más paraguas y sombrero.
En los supermercados o tiendas por departamentos con diversas secciones al momento de pensar el concepto (idea) de las exhibiciones podemos y debemos mezclar elementos de diversas secciones combinado funciones, estilos y aplicaciones. Crea cierto caos o pérdida de tiempo de los clientes pero genera mayores ventas. Si los vendedores son hábiles y no tienen cajas separadas es muy redituable. Pensar como el potencial cliente o ponernos en su target y piel ayudará a vender mucho más. Somos como actores interpretando un personaje agrupamos lo que vestiría y/o usaría. Si desconocemos el rubro, hay que pedir ayuda a un vendedor experimentado y con buena onda y amplio criterio (existen) que nos ayude a unir el riel con la caña con la línea + un porta caña que sean coherentes de precio estilo y función, si no sabemos nada de pesca lo más probable es que mezclemos una caña de mosca con un riel de mar abierto con un soporte terrestre (lo cual para cualquier aficionado será ridículo).
- Repositor: interno o externo no se limitará a poner más , debe respetar el dibujo (diseño de lineal) del comercializador visual, no hacer cambios por comodidad o velocidad de la reposición. Un repositor astuto pone más cantidades de los artículos que más se venden (talle, fragancia, tipología o color). Un repositor haragán pone todo el stock posible en el salón de ventas haciendo que los clientes tiren los artículos al piso al tratar de agarrarlos o caminar por los pasillos. También tendrá en cuenta la limpieza. No se puede bajar stock del depósito al salón sin previamente sacar el polvo acumulado, tal vez la limpieza será al día siguiente o en la noche y quedará esa exhibición a la vista del público todo un día comercial.
Set, kit, conjunto, pack: no siempre están bien armados o denominados, adaptarse si ya están establecidos. Crearlos (después de un año de estar trabajando) si no existen, corregirlo si no está bien entendido o no muy instalado, cada negocio es un mundo, no podemos corregir todos los errores, solo algunos, será suficiente para que nos tomen confianza y credibilidad. Una caja arroja resultados inequívocos y reales. Preguntarle un vendedor es muy subjetivo y no siempre nos dirá la verdad, hoy en día las cajas computarizadas pueden arrojan datos de cuál fue el artículo más vendido de la semana, mes o temporada, si estos artículos están en la primera línea (vidrieras) o exhibiciones internas parte del éxito de las ventas es nuestro. Si supera la venta de esos artículos a la del año pasado, el incremento es totalmente nuestro. En la Argentina no se suele hacer pero en Europa y EE.UU. hay un porcentaje de estos incrementos de ventas que se suman al sueldo del comercializador visual si es exclusivo y de planta, si es free lance, no.
En cada provincia/distrito o departamento de un mismo país pueden existir diferentes denominaciones, estas son las más consensuadas en Baires Argentina. Mucho más allá de las palabras usadas, este pequeño escrito pretende establecer diferencias y clarificar objetivos.
Finalmente de acuerdo al rubro se acomodan los productos según un plan previo que evalúe y optimice el lucimiento (tamaño, precio, forma, altura, color, target y función) en muebles, góndolas, paredes ranuradas, estantes y demás lineales verticales, horizontales o diagonales. Con vecindad lógica de otros artículos complementarios de distintas calidades y precios. Una buena regla es poner todas las tipologías que son iguales, juntas; saltando la división marcas. Agiliza la búsqueda mejorando la venta al poder tomar la decisión de compra por comparación en un solo sector de la tienda. Es híper resistida por comerciantes y representantes de marcas; cuando salen de vacaciones aprovecho a experimentar y al regreso: primero se enojan y luego me dan la razón por los resultados en las ventas. Estéticamente es más caótico, pero comercialmente arroja un rédito indiscutiblemente mejor.
De acuerdo al target, rubros y subrubros que el local venda o tenga en existencia se arman las distintas secciones con un recorrido lógico y ameno. Hay sectores fijos que no podemos rotar por su necesidad de sector húmedo o cercanía a las cámaras frigoríficas o pasillos técnicos. Pero hay otros que rotarlos siempre arroja buenos resultados, sobre todo con los clientes habitué que creen que un artículo que nunca vieron, es nuevo por su locación o por estar mezclado con la última novedad.
En el rubro indumentaria se varían los agrupamientos de tipologías por color, talle, conjunto, unidad y precio en los percheros y lineales varias veces al año de acuerdo a un estudiado cronograma anual que desarrollan los comercializadores visuales, junto a marketing y compras.
Rupert Brocher.
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| “Blanca Nieves y la leyenda del cazador” |
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| “Maléfica” |
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| “101 Dálmatas” |
Película: “Esperando la Carroza”-Alejando Doria. Argentina, año 1985.
Es importante entender la distancia que hay entre el espectáculo y el espectador.
[1] Fragmento tomado del apunte “Acerca del vestuario espectacular”. Ver en el blog de la cátedra, pestaña “Apuntes” http://rupertbrocher.blogspot.com.ar/p/apuntes.html
Si tuviésemos que comenzar a plantear los organigramas de acuerdo a estas paletas resultantes, podríamos por ejemplo dividirlo en tres organigramas. Siempre tener en mente que cada organigrama tiene por función contar un momento particular de la historia, y al observar la totalidad de los organigramas debería haber coherencia y un relato a través del color:
Organigrama 3:
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Parece ser que este color se obtenía recolectando la orina de las reses a las que se alimentaban con ciertos frutos y hojas. En la actualidad, es una mezcla de pigmentos sintéticos.
Este color era muy apreciado por los pintores holandeses y flamencos del siglo XVII y XVIII.
- Malaquita: Usado en el siglo XV y XVI con una tonalidad verde intensa. Es tóxico.
- Tiza: Ha sido de gran importancia en la producción artística de todos los tiempos.
- Carmín: (rojo intenso): Se obtenía a partir de insectos secos y triturados (cochinillas). Este pigmento alcanzó gran popularidad en la Europa del siglo XVI, tanto que pintores como Tiziano y Tintoretto lo usaron para darle drama y vibración a sus obras.
- Tierra verde: Pigmento muy usado por los pintores barrocos para lograr los tonos apagados de la piel.
- Amarillo y naranja de cadmio: Se obtienen del metal cadmio y fueron descubiertos en el siglo XIX.
- Verde esmeralda: Se usó desde el siglo XIX al siglo XX. Se obtuvo disolviendo el verde de Grecia con vinagre e hirviéndolo.
- Blanco de Zinc: Reemplazó al blanco de plomo, fue muy usado en el siglo XIX, hasta nuestros días.
Autor| Rosa Mª Huertas Franco
Vía| Técnicas y secretos en Dibujo, Pintura y Restauración de Narciso Casas,Técnicas y materiales del arte de Antonella Fuga
Imagen| Wikipedia
http://www.solosequenosenada.com/2011/02/14/tipos-de-planos-cinematograficos-ejemplos-con-fragmentos-de-peliculas/
Aportado por Dis. Estela Sens.
CAMBIOS:
Aceptar cambios es evolucionar. Educar con las mismas reglas que nuestros mayores usaron con nosotros es una involución inaceptable que no generara ningún respeto autentico, ni propicia una educación de buena calidad.
05/09/14
25 AÑOS:
Escrito y foto, pedidos por la dirección de la carrera
También suelen instalarse dentro de grandes tiendas por departamento.
https://www.youtube.com/watch?v=3bLgbVSu5aE
https://www.youtube.com/watch?v=PPzTZpFpWqk
TINCAN POP-UP RESTAURANT
LONDRES.
RUPERT
Consejos para mis alumnos:
LA MATERIALIDAD NO GENERARA UN BUEN RECURSO EN TU MENTE, SÍ EN TUS MANOS( JUGÁ EXPLOTANDO SUS CARACTERÍSTICAS).
MIREN LOS RECURSOS EN LAS FOTOS DE LOS EJERCICIOS, recuerden que tiene que dar y quitar a voluntad para dominarlo y conformar la linea.
Durante el proceso de enseñanza/aprendizaje algunas cosas se dejan inmóviles para poder trabajar sobre ellas.
R.B.
UBA - FADU
DISEÑO DE INDUMENTARIA
CÁTEDRA BROCHER
Targets:
Los targets están compuestos por varios indicadores: edad, sexo, nivel educativo, poder adquisitivo, raza, ubicaron geográfica, ideas religiosas, pensamiento político partidario, país de residencia, etc.
Básicamente los podemos dividir en alto intermedio y bajo.
Estos datos están extremadamente caracterizados para una fácil y comprensible categorización, por supuesto que hay excepciones y personajes que no encajan, se trata de una media standard, extremadamente caricaturizada. Para enseñar y que se pueda aprehender de los ejemplos, se exageran las diferencias.
Los targets altos generalmente compran mensualmente artículos perecederos en su país. Anualmente o semestralmente en el exterior la mayoría de los artículos y servicios que consumen. Semanalmente compran alguna cosa que no posean para ellos. Para regalar no suelen hacer grandes gastos, salvo por amor o interés. Toman muchas mini vacaciones durante todo el año. Poseen varias residencias. Son bastantes amarretes, buscan ofertas y promociones.
Pueden llegar a contratar un cantante popular y masivo para festejar su cumpleaños de 50, porque les parece divertido o para parecer más populares. O comprar una imitación, usarla y mofarse de los que la ponderan, y así medirlos. Suelen tener mucho pudor.
Los podemos dividir en dos grupos:
1) los que siempre tuvieron dinero (aristócratas, familias patricias, dueños de las tierras y propiedades, relacionados con grupos de poder). Se vestirán de un discreto Armani, Hermes o a medida. Son: clásicos, religiosos, conservadores, tradicionalistas, simétricos, controladores, medievales y/o victorianos, moderados, rígidos, inflexibles, les espanta hacer el ridículo o que sean señalados por algún exceso, hablan susurrando. Les interesa la cultura, la difunden y admiran poseerla. Juiciosos, clasistas, falsos, no muestran sus emociones en público. Usan y consumen colores desaturados de una paleta media, muy pocos estampados pequeños, telas jackard de pequeños dibujos, les interesa muchísimo la calidad y las materialidades naturales o inteligentes de excelencia mundial.
Mente cerrada, obtusa y nada flexible. No alardean de lo que poseen. Si se empobrecen se suicidan o enloquecen, o dejan morir sin luchar. Su intolerancia no les permite resurgir o acomodarse a una nueva realidad más austera. Al varón no le preocupa su indumento, la mujer lo critica y reta, ella estará impecable a toda hora aún en la intimidad. Suelen tener grandes colecciones, heredadas e incrementadas por ellos si les apasiona el tema, si no empezaran otra, la cuidan celosamente pero no la exhibirán mucho.
No necesitan ahorrar, tienen más dinero del que gastaran en sus vidas.
2) los nuevos ricos: personas que obtuvieron mucho dinero en poco tiempo. Se vestirán con un escandaloso Versace (para que se note). Son: barderos, gritones, sinceros, llamativos, abiertos, desprejuiciados, derrochones. Usan muchos colores saturados con alto contraste. No les interesa la cultura ni valoran quien la posea. “Son” porque tienen. Desprejuiciados, mente abierta de amplios criterios posibles. No compran imitaciones.
Disfrutan regalar. Alardean de lo que tienen y van a adquirir. Coleccionaran muchas cosas y las tendrán en exhibición pública y/o privada. Si por alguna razón pierden su fortuna, se pueden rearmar con menos.
Los de clase media compran semanalmente artículos perecederos, y cada mes destinan una parte de sus ingresos a darse ciertos gustos. Salvo en fechas que tengan otros compromisos (viajes, muchos cumpleaños, festividades religiosas, inicio de clases, Etc.).
Semestralmente o anualmente se toman vacaciones. Pueden gastar uno o varios sueldos en un artículo suntuario (cartera, abrigo, celular Etc.) que se ocuparan de exhibir frente a las narices de quien sea. Tratan de no comprar imitaciones, si lo hacen tratan que no se note. Poseen una limitada capacidad de ahorro.
Targets bajos: compran artículos perecederos diariamente, no pueden hacer gastos en objetos superfluos. No pueden ir de vacaciones pero hacen su fin de semana en familia.
Compran muchos bienes de bajo costo. A veces compran artículos de targets medios y también altos, para lo cual gastan lo que no tienen (zapatilla, televisor, smartphone, etc.). No tienen capacidad de ahorro. Usan grandes estampados de colores. Suelen tener hábito de desgracia adquirida. No poseen cultura y no pueden adquirirla aunque quieran. Se alimentan muy mal por la falta de dinero.
Son soñadores e imaginativos. Ocupas o alquilan, no son dueños. Les preocupa mucho su ropa. Tratan de estar a la moda limpios y muy prolijos para ir a trabajar. Se cambian al llegar a casa para aumentar la durabilidad de la indumentaria. Acumuladores. Compran elementos de segunda mano. Si se hacen de algún dinero, lo gastan rápidamente.
Como diseñadores indumentarios tenemos que ser muy conscientes a qué grupo nos dirigimos, para tomar las decisiones correctas.
Un diseñador tiene que conocer y tratar con todos los targets, para no limitar sus rangos, poder elegir y no equivocarse.
Rupert Brocher
Apunte que surgió por sugerencia de alumnos de distintos diseños que solían asistir a las mini clases en UBA-FADU
Agudizar la observación y cultura general son conceptos a tener en cuenta.
• Hay que tener claro que queremos o debemos diseñar, unidad, conjunto, serie, colección. Hacerlo a partir de una idea en sinergia con la forma/color, el significado, la función y la tecnología.
• Si estamos diseñando una serie o colección, tenemos que hacerlo sobre un organigrama pautado, para no perdernos en el proceso y llegar a fin con unidad y las cosas necesarias.
• Por supuesto que de una unidad puedo generar una serie o colección, pero sobre un organigrama. Salvo que sea una serie cerrada (solo con pequeños cambios).
• Los comunes denominadores que se van presentando a través de los años en los trabajos de un diseñador independiente son lo que podríamos denominar estilo, es muy importante que se de solo, no forzarlo.
• También es posible que un diseñador pueda trabajar para distintos comitentes en paralelo o sucesivamente y logre independencia o unidad.
• Si la empresa / marca para la cual trabajamos tiene un manual de imagen corporativa, este se tiene que transformar en nuestro único abecedario, la marca es más importante que el diseñador. ¿Paradigma roto por varios diseñadores?. Karl Lagerfeld para Chanel, Oliviero Toscani para Benetton, Galiano para Dior, artistas plásticos para Swatch.
• Si trabajamos de forma independiente tenemos relativamente mas libertad, siempre estamos influenciados por nuestros maestros y nuestros propios paradigmas.
• Es bueno tener cierta continuidad entre nuestros diseños ya que potencia el armado de nuevos conjuntos y hace que nuestros diseños sean reconocibles.
• Existen dos tipos de diseñadores creativos: 1 implementa cambios drásticos con sus predecesores/contemporáneos/coetáneos, tiene repercusión casi inmediata que tendrá que sostener. 2 cambios lentos y de ensayo y error hasta lograr sus objetivos, resultados muy lentos que se sostendrán sin problemas durante mucho tiempo. Al primer grupo pertenecen: Chanel, Picasso, Orson Wells, Motzart, Gene Moore, Alexander Calder y al segundo: Dior, Cézanne, Alfred Hitchock, Beethoven.
• Se debe analizar, y luego sacar conclusiones, sobre las cuales trabajar.
• La curiosidad es la nafta de un diseñador creativo.
• Hay que dividir, para poder estudiar, y luego sumar. El hombre es cuerpo y espíritu. En anatomía estudiamos su cuerpo pero en metafísica estudiamos su espíritu. Separados no hacen un hombre vivo. Hay que sumar.
• Un buen proceso de diseño va de lo general a lo particular. De lo más grande a lo más pequeño.
• Un buen diseño = armonía de proporciones y contrastes, dentro de una estructura. Que responda a su función con excelencia, sacando el máximo resultado de las materialidades. Si es significante, original e innovador = mejor.
• Un buen diseño nos debe invitar a que lo recorramos, a verlo/tocarlo/ en su alrededor, en su totalidad. Olerlo, usarlo (si no sabemos como = será un diseño innovador).
• Los buenos diseños perduran en el tiempo transformándose en un clásico. Lo demás fue moda o es tendencia.
• Un buen diseño soluciona problemas y hace la vida más llevadera. Da placer.
• Un buen diseño puede ser totalmente distinto a sus antecesores. Por incorporación de nuevas tecnologías o por su originalidad e innovación.
• Un buen diseño puede entrar en el terreno de la invención.
• Los buenos diseñadores piensan muy parecido a los inventores.
• El buen diseño no es moda.
• La moda es más difícil que el diseño, requiere un diseñador más atento, que esté en contacto con la realidad del momento, que perciba lo que va a suceder mediante la lectura e interpretación de diversos indicadores. (PROSPECTIVA).
• Un buen diseño debe basarse en una estructura geométrica. De lo contrario, será un simple dibujito.
• Las estructuras son la base virtual sobre la cual se proyecta un diseño.
• Debe haber una coherencia de unidad, sino, el diseño se lee como un rejunte de partes sueltas.
• Todos los elementos de un diseño se deben fusionar entre sí.
• Nada es rápido, un buen proceso tiene que poder comparar opciones, descartar y sólo quedarse con lo mejor, que suele ser la más simple de las opciones.
• Para encontrar, hay que saber qué es lo que buscamos, no hay que quedarse con lo primero. Encontrar… es un largo proceso.
• Los diseñadores no encuentran, más bien provocan, producen, hacen, no copian ni recrean (no les sale por carambola o casualidad, la calculan).
• El diseño no es algo que se escapa o encuentra en algún lugar oculto. No sale, se gesta ad-hoc.
• No podemos decir me salio así (excusándonos), por que somos nosotros que así lo hicimos.
• Siempre se puede mejorar un diseño existente. Actualizándolo/ incorporando/quitando nuevos elementos o conceptos.
• Si vas a probar otra opción o modificar una parte, no borres o tires, si no es imposible comparar con lo anterior, diseña-compara-elige.
• Compara: poné tus diseños uno al lado del otro a buena distancia, tomá un buen tiempo para seleccionarlos (evalúa los aspectos que tiene que cumplir, además del estético) y elegí.
• Elegí: ante muchas opciones siempre es conveniente optar por la más sencilla. Para ello nunca me tengo que quedar con lo primero. No significa facilidad, sino una buena elección de diseño, simplicidad.
• Al elegir siempre descarto cosas que me interesan (guardarlas para otra vez).
• Elegir es descartar cantidad para quedarse con calidad.
• La depuración nunca termina, pero hay un grado de maduración que es óptimo para dar por terminado el diseño.
• Muchos ingredientes, difícil resolución. Pocos ingredientes, algo más seguro. Cuantos más elementos hay es más complicado el equilibrio entre las partes.
• Algunos diseñadores consagrados: Erté, Cristian Lacroix, los Missoni, John Galliano, trabajan con muchos elementos al mismo tiempo (muchos contrastes-formas-colores-texturas) y es posible, pero para dominarlos hace falta mucho estudio y una gran dosis de talento. Por eso recomiendo trabajar con pocos elementos en una etapa de estudio y formación.
• Al elegir voy descartando lo que no responda a mis objetivos e idea generadora, también puedo rescatar distintas partes y combinarlas para logra mas opciones y hacer una segunda depuración.
• Limpieza: es corrección de la línea, depuración esmerada de un fino mas acabado, antes de empezar con detalles más pequeños.
• El dibujo o la maqueta son la respiración del cuerpo del diseño.
• Los diseños constan de un proceso que puede comenzar en la bidimensión pero sí o sí tienen que saltar luego a la tridimensión.
• Materia prima simple = diseño más complejo. Materia prima complicada (muy vibrada, no lisa, muy texturada) = diseño más simple.
• Simple = Bueno.
• Bueno = casi siempre “parece” muy simple.
• Hacen falta varios prototipos para llegar a un tipo definitivo sobretodo para hacer producción en serie.
• Los clásicos, o lo que hace siglos se viene fabricando en serie, son las síntesis de varias pruebas y errores con sus correcciones.
• Los prototipos deben pasar por un proceso de uso real para luego analizar y corregir errores. Cosas no calculadas que el desgaste al usarlo nos comunica. Datos particulares de usuarios que tendremos que normalizar.
• Las distancias entre las partes tiene una estrecha relación no sólo con la estructura sobre la que se diseñada, sino también con la textura de los materiales, y la distancia del producto con el soporte y/o usuario.
• Cada forma tiene su color, así como cada color tiene su forma.
• El diseño siempre comunica un mensaje, aún sin proponérselo.
• Un diseño simple (minimalista), requiere una materialización impecable.
• Un diseño complicado (muy vibrado) puede tener una materialización no tan precisa (porque se pierde en la totalidad).
• Es importante escuchar lo que la materialidad nos dice. Es “ella” quien decide qué podemos hacer y qué no; no nosotros.
• El diseñador es uno solo, los distintos diseños (industrial, grafico, indumentario, arquitectónico etc.) solo tienen una diferenciación de materialidades o uso. Por supuesto que existen especificidades.
• Cada material tiene su avio (herraje, técnica, soporte, tecnología) perfecto, es decir, el que le va mejor a nuestro proyecto. Si no lo encontramos hay que diseñarlo.
• “Un solo recurso explotado al máximo” es mejor que muchos recursos, y ayuda a lograr simplicidad y unidad.
• Dos ejemplos magistrales de rediseño a ultranza y de buen resultado son Picasso e Issey Miyake. Aun los muy grandes también toman de otros. Copia es otra historia.
• El diseñador que copia textualmente, siempre esta involucionando. Salvo en un periodo de formación y/o estudio.
• La originalidad se consigue siendo auténticos a sí mismos. No se busca… sale sola.
• Un buen equipo de trabajo divide responsabilidades, pero no descuida las ajenas.
• Siempre la tecnología debe estar al servicio de la creatividad, y no a la inversa.
• Las nuevas tecnologías y materialidades por lo general copian las formas anteriores hasta encontrarla que le es propia y afín.
• La forma general (línea) del diseño es algo que nos cuesta abandonar, pero vale la pena tratar de ignorarla, garantizándonos así una gran dosis de innovación.
• El cliente suele ser un bicho salvaje a domesticar lentamente… seduciéndolo de a poco.
• Recordar el conocimiento adecuado en el momento preciso, y saber implementarlo: Ser inteligente.
• Las ideas buenas casi siempre son abstractas.
• Las ideas se bajan según los sentimientos que nos provocan, mediante sensaciones (tacto, olfato, gusto, vista, oído).
• Las ideas son transmitidas por acciones que las traducen adecuadamente según las medias (normas).
• Equilibrio de las dosis, es parte fundamental del éxito, proporción de tamaños, cantidades, texturas, colores, partes de las formas etc.
• Un buen equilibrio entre las opciones da resultados fértiles.
• La humildad es el camino más lento, pero el más seguro.
• Los usuarios de buen poder adquisitivo, los podemos dividir en dos sectores bien diferenciados: 1- Los nuevos ricos, que no aspiran a ser cultos y les gusta que se note su presencia y visten en un Versace muy colorido (Maradona, Caniggia, Gimenez). Suelen ser espontáneos y demasiado sinceros y 2- los que siempre tuvieron dinero, son cultos y tratan de pasar desapercibidos, ser discretos y no llamar la atención, casi siempre son muy tímidos y le tienen espanto a hacer el ridículo, vestirán en un acético Armani (dueños de las tierras-familias patricias- grandes empresarios-grupos de poder ). Suelen ser reservados y herméticos y poco demostrativos.
• Hasta bastante después de la segunda guerra mundial dinero y cultura iban juntos. Si alguien de golpe poseía mucha plata, trataba de adquirir cultura. Parecer era más importante que ser (Monzón- Campeón Mundial de Box).
• Antes la gente valía por lo que era o sabía / hoy vale por lo que tiene y posee. Pareciera que los valores humanos se miden con un parámetro distinto: tengo entonces valgo (M. Tinelli).
• Desde las cruzadas (donde surge la moda) y aún antes, los que menos tienen imitan a los que más.
• El cartonero tendrá el mejor calzado deportivo y un teléfono celular de última generación. ¡Pero cuidado! por que hoy la empresaria famosa poseerá un copia trucha de alguna cartera de marca y contratara a un cantante popular y malo para su fiesta de cumpleaños (y le parecerá divertido).
• Todo se mueve, nada está fijo. El cambio es constante y cada vez más rápido.
• Las reglas están hechas para romperse, antes debo experimentar lo que se me enseña, una ves aprendido y experimentado puedo detectar errores o disentir y proponer mi propia regla, que tendré que comprobar que sirve antes de implementarla y ajustarla si es necesario, para luego usarla o volver a romper. Y también admitir que otro la reformule o rompa.
• No hay una sola verdad. Tampoco son eternas. Las verdades son algo hacia lo cual nos direccionámos, Pero que por suerte jamás alcanzamos.
• Estilo: es lo que se supone que un diseñador moderno desarrolla sin proponérselo. La única forma de lograrlo es siendo fieles a nosotros mismos. La autenticidad y la superación constante son claves para conseguirlo. (no se busca, se da por el temperamento personal, refinado por la educación y el aprendizaje sistemático).
• Trabajo: es lo que la gente hace para sobrevivir.
• Si realmente disfruto de lo que hago, no lo siento como un trabajo.
• Diversión: es hacer lo que a uno le gusta y con eso vivir.
• Dinero: es otra cosa. (si nos divertimos en nuestro hacer es muy probable que ganemos dinero.)
• Si uno puede generar ideas e implantarlas es absurdo trabajar en relación de dependencia, ésta nos aplasta, achancha, nos hace sentir cómodos, y eso nos mata.
• Que la idea sea afín al rubro, que no lo mate o contradiga.
• Todo se mueve, nada está fijo, solo para el proceso de enseñanza/aprendizaje congelamos las cosas, para poder trabajarlas.
• El proceso de enseñanza/aprendizaje sólo se da si las dos partes ponen lo mejor de sí. De lo contrario, sólo uno de los dos crece a medias.
• El feed-back es imprescindible porque solo con él podemos saber si enseñamos y/o aprendimos.
• Las palabras innovación, diseño, originalidad y creatividad están siendo usadas y sus resultados pretendidos por varias personas de distintos ámbitos y disciplinas. Si bien es cierto que la creatividad se puede incentivar en cualquier área hay ámbitos que le son propios.
• Creo que seria mejor incorporar diseñadores creativos en distintos proyectos a tratar de que un egresado de una carrera “llamada dura” trate de incorporar la manera de pensar de un creativo.
• He tenido resultados increíbles que contradicen el punto anterior, pero creo que son excepciones de profesionales o estudiantes que están mal insertados en su Metiere. O tal vez personas increíblemente flexibles e inteligentes.
• Sustentabilidad, reciclado, ecológicamente amigable, cadenas de valor : no son términos ni conceptos nuevos. Los buenos diseños a los cuales les interesaron esos temas ya los tuvieron en cuenta en el medioevo.
• Venta masiva o grandes producciones: no necesariamente es un diseño feliz. Sino todo lo contrario.
• Paciencia: para que algo cambie son necesarios por lo menos 10 á 20 años.
Antes se denominaban con letras: "A" para evasé, "I"para líneas sin cintura marcada, "S" (VISTA DE COSTADO) cuando resalta las lolas y la cola(polizón), "X" si se comprime la cintura Etc.
La palabra línea tiene dentro del diseño y de la indumentaria varias significados posibles:
-Línea: grupo de indumentos con algunas características comunes (Ejemplo: serie abierta de una colección de blusas). El nexo puede ser la tipología y calidad.
-Línea: indumentos coordinados entre sí con variantes de color y estilos (Ejemplo: serie cerrada, sólo es una combinación de telas, modelos y largos modulares).
-Línea: grupo específico que abarca un rubro cerrado de indumentos (Ejemplo: línea deportiva).
-Línea: grupo de indumentos con algún adorno agregado, que no le es propio y que le da nombre (Ejemplo:línea mariposa, distintos indumentos que por poseer este elemento conforman "comercialmente" una línea).
-Línea: grupo de indumentos que responden a una idea general y generadora de estos.
Pueden o no poseer características comunes a varios o todos sus integrantes. Una colección suele estar conformada por varias líneas.
-Línea: forma general común entre varios indumentos distintos con unidad.
Nosotros dentro de esta cátedra usamos generalmente los últimos dos
De la misma manera que en el CBC dentro de proyectuales hicimos
cortes, plantas y vistas, aquí haremos: frentes, perfiles, espaldas, intersticios (de frente y perfil).
Equivalencias:
-Corte = laterales o perfiles (dos si la línea es asimétrica).
-Vista = frente, y/o espalda.
-Intersticios: espacios entre el o los indumentos y su soporte
(el cuerpo u otro indumento) se ven en los metámeros y en el o los laterales, de costado.
Y en el frente desde adelante y/o espalda.
¿Cómo conformar una línea? ¿Qué forma general tiene? ¿Una sola forma para todo el ejercicio?
Sí, esto ayuda a la unidad y simplifica el proceso de diseño y molderias.
En principio, sobre el cuadro de idea (donde la solemos poner de frente y en el color seleccionado); y antes de eso ¿cómo la hago?
Selecciona racionalmente dentro de las direcciones posibles
(abecedario de letras: vertical, horizontal, diagonal y curvas) una ó dos, a lo sumo tres,
que guarden relación de significación con tu idea.
Con este repertorio de letras posibles, conforma tu línea
Recordá dosificarlos en mayor, menor y media. De frente y laterales, trabajarlas con el color significante general.
No empieces por el contorno: limita y es un alambrado relativamente
fácil de correr hacia afuera pero complicado para mover hacia adentro.
A escala sobre un cuerpo real, hasta 8 cabezas. Hacé muchas y recorda al hacerlas que la forma debe ser significante (contener tu idea, expresarla, comunicarla).
Trabajar con tintas planas con algún material que te ayude a expresar, que vos domines,
si sos bueno con la tempera hacélo en tempera. Si tu idea da para hacerlo con recortes de papel, hacélo, la técnica es libre.
Aprovecha, la elección de la técnica también tiene que ayudarte a bajar mejor tu idea.
Otra opción, si manejas bien la técnica 3D es hacerlo en plastilina sobre un soporte
(muñeco de madera articulado).
Alejarlas poniéndolas en el piso o contra una pared de la cual puedas tomar distancia y
elegí tres que luego consultaras con tu docente para la elección final, tener claro
porqué se selecciona la que se elige y recordarlo para poder tomar solo esa decisión la próxima vez.
Pensá y termina de conformar de costado en la misma escala con un figurín
de aproximadamente 25 cm. de alto (por el momento es plana (sin volumen).
Luce igual de adelante que de atrás. Si se apoya en el piso, hacela de arriba.
¿Cómo determino el color? ¿Siempre lo triangular es amarillo, lo cuadrado azul, Etc ?
NO, es una guía general para la significación básica que podes usar pero cada idea modifica y transforma los postulados generales pudiendo re interpretarse.
Para la línea también podés buscar escultores que respondan a tu idea,
sino los conoces o no se te ocurre ninguno consultar con tu docente o un artista plástico
Establece un buen contraste entre la figura y su fondo (soporte).
¿Qué es rectificar línea? Acomodarla según las leyes de la Gestalt
(la buena curva, cerramiento, continuidad; agrupamiento, Etc.) si no las recuerdas
o las desconoces, buscarlas, son de la Bauhaus (la teoría de la forma), y ningún diseñador puede trabajar sin incorporarlas. Seguramente lo aprendiste en el CBC (no es para dejarlo allí).
Prolija los bordes, mejora curvas y rectas para que sean limpias y lógicas, buen pasaje de curvas a rectas, que no tengan accidentes ilógicos. Que haya un solo lenguaje.
Equilibrio entre curvas y rectas, o sólo rectas, o sólo diagonales, o curvas. O que predomine una sobre las otras (en una dosis mayor).
Decidí si será simétrica o asimétrica, sutiles diferencias parecen errores. Adaptarla al cuerpo calculando adherencias (más cerca o más lejos del cuerpo u otro indumento).
Pensar si lleva forro, entretelas, hombreras y de qué tipo, calculando esos espacios.
Pensar en que luego sea posible crear accesos y si va poder caminar, sentarse, subir a un auto o colectivo: ¿hace falta un tajo o subir el tiro? Comprobar si puede levantar los brazos:
¿Hace falta levantar un poco más la sisa o… ¿cavar más? Es un procedimiento sutil ya que lo estamos trabajando en una escala muy reducida. Otro elemento que compone esta acción es comprobar si el frente se corresponde con los perfiles y la espalda, ya que es necesario que los largos modulares, cuellos y estructura tengan buena y lógica continuidad, y si se adaptan al target, rubro, temporada, cuerpo.
Fijáte si tiene algo que sobra o se puede limpiar para proporcionar o definir más sintéticamente.
Es un paso muy importante porque con esta forma general quedarán todos los indumentos,
salvo algunos que serán más pegados al cuerpo y otros más holgados pero con esa forma.
¿Apoya en los hombros cintura o segunda cadera?; si no se caen las prendas a diseñar..
La línea es un molde de cocina que se puede rellenar con distintas cosas pero siempre va a ser con esa forma, también una torta se puede recubrir con un baño que la hará más grande o hacerla de algo que se contraiga en la cocción y quedará más chica. Línea y forma para este método son sinónimas. Primero la pienso con los brazos pegados al torso y las piernas juntas, luego separó un brazo para poder visualizar la forma de la sisa y después separó las piernas para conformar el tiro. Esta parte del proceso puede alterarse si los indumentos a diseñar son para un rubro en el cual el cuerpo se encuentre en otra posición la mayoría del tiempo, o mientras realiza la función para la cual se diseñó (Ejemplo: ciclista).
Las líneas sólo tienen formas generales, sin pequeños accidentes. Hacelas traslúcidas para poder ver los espacios que hay con el cuerpo.
La estructura se hace en base a la línea rectificada y sobre la maqueta.
Sobre la estructura, o con un recurso innovador se diseña.
Rupert Brocher
UBA-FADU - Cátedra Brocher
Idea/método de diseño sobre estructuras:
De acuerdo al tipo de persona que seamos podemos generar ideas. Estas serán de componentes que estén en nosotros, no fuera. Podemos estudiar un tema, estilo o necesidades. Al ver revistas o navegar la web, ante la pregunta ¿Qué hacen?, contestan busco ideas. Para encontrar hay que saber qué buscan. Si no tienen en claro esto, es raro que la idea se nos presente. Pero es muy factible que la idea se devele si buscas en vos mismo, en tu revista interior. Para alimentarla hay que observar, no ver o mirar, hacerlo con vehemencia y extrema curiosidad. Hacerlo sobre la naturaleza u obras de arte que en general siguen las mismas reglas que los diseños. Nunca dejar de hacerlo. Jugar como cuando éramos chicos nos da resultados altamente positivos. Recordarlo y usarlo cuando cuadra.
Cada uno de nosotros tiene un temperamento, forma de ser y actuar; es con ese material que queremos trabajar. La familia o lo que la suplió, fue acumulando en nosotros distintos elementos que nos caracterizan como seres únicos. Nuestra interacción con la sociedad fue modelando este temperamento hacia distintas necesidades propias y ajenas.
Así generamos ideas que podemos clasificar en distintas tipologías que variarán de acuerdo a nuestra forma de pensar y actuar con nuestro entorno.
Trabajamos con un cuadro de idea que está compuesto por cuatro elementos que giran en torno a uno central. Este elemento central es la idea, que tiene distintos pre-condicionantes para no caer en lugares comunes o no productivos, no: cosa, metamorfosis de 1er o 2do grado, no tema, toma de partido standard, fuente de inspiración, no algo que ataque al rubro o ejercicio.
Sí sentimiento, adjetivaciones, componentes olfativos, táctiles, gustativos; algo abstracto, no visual real, de nuestro mundo circundante que pueda ver con la vista normal de mis ojos. Sí a elementos emotivos, emocionales, humanos, no materiales. La idea tiene que poseer cierta magia o poesía. En arte no se dicen las cosas directamente, están enmascaradas para que nosotros las develemos y entendamos, podamos comprenderlas. El arte del siglo XX abrió el juego y ya no es necesaria la comprensión exacta del artista. La observación y nuestra sensibilidad juegan un papel preponderante, el disfrute, el goce son el Kit. El diseño fue el arte del siglo pasado. Les recuerdo que estamos en el siglo XXl, ya pasó mucho tiempo desde el cubismo y el futurismo o los eventos performáticos y también de las ambientaciones, todo eso ya fue, aunque siga existiendo, no es innovador su formato.
Principalmente la idea no debe ser cosa, objeto concreto. Ni tampoco ser negativa, seamos positivos, es más fácil y mejor. Podemos ser críticos o irónicos pero positivos. Solo un reducido grupo de personas consumen indumentos con significación negativa; por lo tanto tratemos de trabajar desde el SÍ.
Entorno a esta idea central se encuentran girando e interactuando los cuatro componentes básicos. Partes en que una idea se subdivide para ser tal:
Significación, forma/color, tecnología y función.
De acuerdo a los elementos que tengamos dentro de nuestro cerebro y el grado de desarrollo, generamos ideas desde distintos lugares del cuadro. Algunos empezarán por el centro y otros tal vez lo hagan por algún otro elemento constitutivo. Algunos gajos hasta quizás queden huecos, sin develar.
Si durante mi desarrollo tuve herramientas a mi alcance, es muy posible que mi idea surja desde el gajo tecnología. Soy hijo de un psiquiatra tal vez empiece por la significación y parta de lo emotivo para generar la idea. Si tengo apetencia por la escultura, tal vez comience por el binomio forma/color. Tengo un poeta muy cercano a mí, lo más seguro es que cree una metáfora como idea o significación. Un colorista lo hará desde allí, pero recuerden asociar con una forma geométrica simple: triángulo, cuadrado o círculo para comenzar a formar el binomio inseparable forma/color. También puede ser con el proceso inverso: primero la forma, lo mejor es trabajarlas juntas pero es más fácil al principio pensarlas a partir de una y agregarle la otra.
Sabemos que puede haber una predisposición natural física de cada ser humano hacia el desarrollo de algún sentido sobre los otros. De acuerdo al campo donde se desarrolle esta especial semilla resultará más fértil su crecimiento.
Si tomamos el ojo de una persona que desarrolló y educó su vista y lo analizamos quirúrgicamente con un microscopio, el resultado será que la proporción de bastoncillos y conos; células especiales para la percepción de la luz y los colores, es muy distinta al de un ojo de una persona que no potenció esas características. El ojo, al igual que otros sentidos, se puede educar. Por supuesto que no piensa solo, hay una importante interacción con el cerebro; además los sentidos también trabajan entre ellos combinando informaciones.
Puede haber una predisposición natural física y/o un trabajo de educación sensible para su desarrollo. El estudio radiológico de los órganos auditivos de algunos músicos famosos develó una posición de los pequeños huesos: yunque, el soporte de resonancia, martillo, el percutor y estribo, el soporte o articulación; totalmente distinta en su inclinación a personas sin esas dotes. El ritmo, componente de pulsión, distinto a la afinación está alojado en nuestro sentido del tacto y que sufre variaciones con las distintas razas humanas, los más desarrollados son los de las personas de tez oscura. Todo esto apunta a que tengamos o no un buen aparato receptor y la combinación con el decodificador, la memoria y la educación pueden mejorar los resultados en el desarrollo de la inteligencia, que ya sabemos las hay de muchos diversos tipos y ámbitos, podemos ser nulos en algún campo y brillantes en otros. La cultura, si bien es otra cosa, ayuda a que el trabajo de los diseñadores llegue a buen puerto. No puede salir algo de donde no hay nada.
¿Cómo lleno mi cerebro de información útil? Como hacerse culto si desde la infancia esto no se incentivó, es más complicado pero no imposible. Básicamente creo que las personas curiosas son cultas, también las que tienen mucha capacidad de análisis e investigación. Se puede llenar el cerebro con la excelencia de los quehaceres del hombre. La calidad y variedad de la información es fundamental. Y un organismo inteligente sabe cómo interactuar con esta información e implementarla. Puede ser una persona o un equipo de varias.
Analicemos los componentes de la idea para comprenderlos mejor:
Idea: corta y concisa. Una o dos palabras, a lo sumo 4. No es una poesía. Abstracta, no visual pero proyecta imágenes. Interactúa todo el tiempo con los demás elementos. Propias, no ajenas. Si tomás un tema, debés dominarlo, no estudiarlo.
Forma/color: 1 ó 2 figuras geométricas básicas con las cuales conformar mi línea: forma general que tendrá mi indumento, conjunto o colección y un color general. Forma y color significantes de la idea. Bien elegidos y explotados nos garantizan beneficios. No es para producir la misma prenda en muchos colores distintos. Eso era antes, en el reinado de los modelistas, hoy es el reinado de los diseñadores: si pienso una camisa azul no la puedo producir también en rojo y amarillo. Porque estaría contradiciendo mi idea, salvo que lo que me interese sea una gran producción para la venta, con poca significación. Diseñar indumentos ya no es una combinación de molderias y telas; sí una astuta elección entre los textiles, sus características y las conformaciones morfológicas usadas.
Tecnología/Recurso: elementos técnicos que usaré para conformar el o los indumentos. Pueden ser de varios tipos; recursos textiles: tabla, frunce, pinza, Etc. O máquinas. O recursos creados que no tienen nombre aún, creados por vos. Herramientas: overlock, recta, ojalilladora, corta collareta, Etc. Formas de corte: al bies, al hilo, medio bies, láser, tijera Etc. Tecnologías de conformado: termo-sellado, ojalillos, Etc. También puedo crear mi recurso en función de mi idea, material, forma o significación. Este tipo de recurso requiere de pruebas de factibilidad para constatar su real y correcto funcionamiento, se deben hacer varias con rectificaciones hasta lograr la excelencia de funcionamiento, o una sola y desecharlo. También es bueno que sean significativos pero no es una condición absolutamente necesaria.
Cuidado en la elección, porque algunos recursos dan un look muy ad-hoc. Cuantos menos use, mejor. Es altamente innovador minimizar los recursos para mejorar la calidad creativa de los productos diseñados. Un solo recurso técnico constructivo explotado al máximo de sus posibilidades y en distintas dosis, proporciones y sus variantes; garantiza un resultado feliz.
Uso o función: está relacionado directamente con el fin último de la o las prendas. Abrigo: protegerse del frío, función que pueden cumplir varias tipologías distintas: un echarpe, una campera o ropa interior térmica, Etc. Tiene estrecha relación con las materialidades y los elementos anteriormente analizados. No debe entorpecer la actividad a desarrollar sino optimizarla. Una malla para playa de lana de camello sin cardar, grande y pesada impide nadar y asolearse, además de picar y absorber mucha agua y caerse por el peso acumulado.
Significado: es lo que queremos expresar, comunicar, decir al otro que ve el o los indumentos. Lo que queremos que el usuario sienta y/o transmita al portarlos. El indumento comunica. Estrechamente relacionado con los elementos anteriores. Todos conforman una sinergia. Concertado con la idea. Connota o denota. Acuérdense del placer y el goce. Usamos distintos recursos para lograr objetivos o expectativas de logro.
Para qué llenar el cuadro de idea con sus propios contenidos tenemos una guia y tres preguntas que los ayudarán a resolverlo o comprobar si lo que pusieron es correcto.
Para forma/color partir de un predominio de verticales o diagonales u horizontales o curvas; figuras o cuerpos geométricos básicos para la forma:
Para el color: ¿valor oscuro o claro? tintes básicos: negro, blanco, rojo, azul, amarillo, verde. En relación a las formas y su significado. Textura lisa, vibrada, rugosa, resbaladiza, calada, pulida y brillante, ¿con qué materialidad y ligamento textil funciona mejor? Etc.
Para recurso/tecnología la pregunta es ¿Cómo lo hago? De qué manera, con qué herramientas y medios técnicos constructivos.
Para uso o función la pregunta es ¿Para qué? Optimiza algo: movimiento, destaque, mimetización, Etc. ¿Qué hace? ¿Para qué sirve? Ejemplo: para bailar tango.
Para significación: la pregunta es ¿Qué digo? ¿Qué comunico? Ejemplo: majestuosidad, libertad, musicalidad, practicidad, Etc.
Para comenzar cada ejercicio tenemos que hacer nuestro propio cuadro de idea. A veces podemos aplicar técnicas que aprendimos en otras disciplinas como parte del proceso para despejarla; muchas veces tenemos lo que llamamos idea trampolín, algo anterior a la idea. Antes de desarrollarla, verificar si responde a las preguntas. Al principio parece complicado pero después de hacerlo varias veces se va comprendiendo y perfeccionando cada vez mejor hasta internalizarlo de tal manera que ya no es necesario desglosarlo tanto. Incorporación del método. No es que no lo hagas, sólo que no se racionaliza tanto.
¿Las ideas se pueden pensar entre varios? No, se pueden alimentar por varias mentes pero una sola la conforma. Este método no es la realidad del mercado laboral en el mundo, solo una astuta preparación para ello. Este camino no pauta el hacer, sí el cómo. Fomentar en el alumno una metodología de proceso de diseño con una gran carga en la creación y desarrollo de la idea. Para que su futuro laboral sea más fructífero.
Con el cuadro de idea y una estructura geométrica tridimensional, se desarrolla el o los procesos de diseños. Apoyando las partes sobre las cuerdas o sus intercesiones, logrando unidad y continuidad entre las partes y un armado automático de conjuntos con mucha unidad y continuidad entre los distintos indumentos. Las distintas partes se distorsionan por la cercanía a las cuerdas, que funcionan como imanes súper poderosos.
La estructura:
Es el anclaje virtual de las distintas secciones que componen el todo. La estructura no es la moldería, es un andamio invisible que da unidad. Ayuda a la composición a ser coherente y lógica, sin caprichos y alteraciones inexplicables. Da armonía y concertación. Se materializa en formato maqueta 3D y graficada de manera 2D para crear el dibujo del diseño: figurín. Cuanto más puntos de anclaje haya entre las partes con la estructura virtual, mayor será el grado de pregnancia entre las distintas tipologías.
Cerca del plano de corte, para intercambiar líneas, la cintura, conviene trabajar con el concepto de ley de cerramiento para evitar desfasajes en la continuidad.
Las cuerdas de la estructura pueden tomar cualquier forma que no sea caprichosa o antojadiza, que respondan a la lógica morfológica donde se dan las mayores y menores proporciones de la línea. Con recorridos sin cambios abruptos. Como si fueran carreteras. Se pueden agregar subestructuras para anclar necesidades especiales.
Con 2 líneas y sus respectivas estructuras se logran hacer 4 líneas distintas, ya que se programan con puntos fijos de intersección que están en la cintura permitiendo intercambiar partes y seguir teniendo continuidad en las distintas combinaciones de prendas para armar conjuntos en una misma colección.
Se logra así poder vestir distintos tipos de cuerpos físicos, posibilitando que varias tipologías físicas de usuarios adquieran prendas del diseñador o marca. No limitando la marca a un determinado tipo físico.
Ya que las 2 líneas de partida son opuestas en su conformación morfológica. Una será chica arriba y grande abajo, la otra, su contrario y sus combinaciones darán los demás tipos físicos.
Después de programar un organigrama de grilla, donde tendremos las distintas tipologías a diseñar con las muestras de textiles y las líneas a las que corresponderán, se comienza a diseñar de manera sistemática y ordenada, sin preocuparnos por la unidad o continuidad o armado de conjuntos.
Beneficios al enseñar a diseñar con el método:
Reduce muy significativamente el tiempo de diseño, estructurando analíticamente el pensamiento proyectual.
Da seguridad durante el desarrollo que no se producirán diseños que no encajan con el resto.
Reduce y simplifica la moldería de una colección ya que trabaja con variaciones sobre un mismo molde básico de cada línea.
Permite agregar prendas que no se planearon de antemano por omisión, o cambio repentino climático, o necesidad del mercado creado por la competencia; de manera rápida, sencilla, seguridad de integración perfecta.
Admite ser usado por muchas temporadas y que los usuarios logren formar nuevos conjuntos concertados con las prendas de temporadas anteriores.
Un mismo diseñador o marca puede usar este método y hacer indumentos totalmente distintos durante muchos años. Con la misma base estructural.
Los recursos técnico constructivos innovadores en distintas dosis crean un lenguaje fresco y creativo.
Ordena y simplifica el proceso de diseño que varía por las alteraciones de temperamento, ya que una colección se desarrolla durante varios meses por uno u varios diseñadores.
Subdivide el diseño de tal manera que propicia el trabajo con equipos de varios diseñadores, sin el riesgo de perder la unidad de la serie o colección, optimizando el trabajo con varios diseñadores externos o de planta.
Prof. Sup. Rupert Brocher
UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
FACULTAD DE ARQUITECTURA, DISEÑO Y URBANISMO
DISEÑO DE INDUMENTARIA
CÁTEDRA BROCHER
ABC
El ABC del diseño son sus elementos conformadores, todo lo que está diseñado o no, está hecho con estos elementos básicos: un buen diseñador no debe desconocerlos, tiene que dominarlos y usarlos en consecuencia.
ANALOGÍA CON EL ABECEDARIO: con letras hacemos palabras, sabemos cómo suenan las vocales y consonantes y cómo combinarlas para formar palabras, frases conceptos, ideas. ¿Sabemos cuáles son las letras de los diseñadores y qué significan?
A = verticales (quietas, ascendentes, descendentes o ambas)
B = horizontales (quietas, ascendentes, descendentes o ambas)
C = diagonales (ascendentes o descendentes)
D = curvas, contra curvas, espirales, circunferencias (centrífugas, centrípetas o ambas)
Significaciones básicas: que devienen de lo cinético /corporal (actitud expresiva física) que se transfiere a todo lo visual expresivo (no solo el cuerpo)
¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo se configura en una línea vertical?
Estoy atento, alerta, vivo, quieto pero tenso.
¿Qué sensación me da algo vertical?
Vida, hacer, hombre, yo, erecto, estabilidad, construcción, futuro, crecimiento, desarrollo, si es regular y en serie: orden, militar.
¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo se configura en una línea horizontal?
Estoy descansando, muerto, nada, quieto y relajado
¿Qué sensación me da algo horizontal?
Muerte, tranquilidad, paz, serenidad, quietud, relax, spa, horizonte del mar, estabilidad, deconstrucción.
¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo configura una o varias líneas diagonales?
Corriendo, cayendo, impulsándome, moviéndome
¿Qué sensación me da algo diagonal?
Velocidad, movimiento, inestabilidad, dinamismo, futurista, acción, hacer.
¿Qué estoy haciendo cuando mi cuerpo describe curvas o espirales?
Nadando, acrobacia, gimnasia, jugando, bailando, sexo.
¿Qué sensación me da algo que tiene espirales, curvas, contra curvas?
Exacerbación de las diagonales. Dosis más alta de diagonales. Mucho dinamismo.
LA PERCEPCIÓN SERÁ EN CONSECUENCIA, lamentablemente muchos de los que se llaman diseñadores desconocen estos principios o simplemente no los consideran al momento de trabajar, MAL, no se los puede omitir por que son el ABC del diseñador.
LAS FORMAS COLORES Y TEXTURAS DENOTAN Y CONNOTAN
DENOTAR: Indicar, anunciar, significar objetivamente. Se opone a connotar.
CONNOTAR: Conllevar, además de su significado propio o específico, otro de tipo expresivo.
Con letras hacemos palabras. Varias palabras pueden armar frases. Algunas frases dicen conceptos. Expresamos ideas. ¿Cómo hago esto en el campo del diseño?, me enseñaron a escribir pero ¿te enseñaron BIEN a configurar diseños?
Solemos creer que por el solo hecho de poseer dos ojos sabemos mirar, pero tal vez solo veamos y no seamos capaces de observar (con ojos y mente).
También pensamos que podemos escuchar pero somos un poco más conscientes acerca de las acciones de nuestros oídos. ¿Escuchar es lo mismo que oír?
Casi todos somos conscientes de que poseemos habilidades especiales en algún campo específico (que generalmente está relacionado con algunos de nuestros sentidos, tacto- vista- olfato- gusto ¿Etc.?)
Yo se si tengo habilidades musicales o no, y se que para mejorarlas es preciso estudiar incorporar técnica y racionalizar lo que tengo innato, para poder mejorarlo y progresar. Los diseñadores que trabajan con los sentidos y sobre todo la vista. ¿La han educado?
En eso estamos ahora, tomando conciencia de que tal vez nos falta algo de base en nuestra formación y estamos a tiempo de reforzar nuestros cimientos. Cuando explico esto a mis alumnos me suelen decir, si esto ya lo vimos, parecido no tan así, pero… ¿Pero que? ; ¿Yo me puedo olvidar como suena una vocal?, si y usarla por memoria refleja. Puedo hacer eso cuando la tengo incorporada y ya no me es necesario racionalizar cada sonido para armar palabras. Puedo hacer lo mismo en el campo del diseño, si cuando lo comprenda y lo tenga incorporado. Para esto alumnos y profesores diseñamos un método que es lo que les enseñaremos.
FIGURAS BÁSICAS: primeras palabras
Mamá horizontal y papá vertical tuvieron un hijo (tiene los ojos de la madre pero la boca del padre) conservan características de sus progenitores. En el mundo del diseño también.
Con 2 horizontales y dos verticales conformo un cuadrado
Con 1 horizontal y 2 diagonales puedo hacer un triángulo, o con 3 diagonales.
Con una curva continua tengo un círculo
¿Cuál de estas tres figuras básicas es más masculina y por qué?
Triángulo (por agresivo y penetrante)
¿Cuál más femenina? Círculo (por: la matriz, las 9 lunas, la luna, el abrazo)
Lógicamente entre el cuadrado y el círculo este último nos resulta más femenino.
¿Se pueden tridimensionalizar estos conceptos?
Si. Círculo = esfera, cuadrado = cubo, triángulo = pirámides
Se mantienen sus características aún en variantes cercanas como ovoides, cilindros, media bocha. Pirámide de base triangular, cuadrada, circular, ovoide. Prismas.
¿Es verdad que conservan las características de sus progenitores? Si, ¡demuéstralo!
Haz rodar: un cubo, una esfera, un cilindro, una pirámide de base circular y otra de base cuadrangular o triangular. ¿Qué pasó?, saca tus propias conclusiones.
¿Qué colores primarios asignar a cada figura?
Triangulo amarillo, si ¿Porque? Por qué es el primario más hiriente y el que más avanza
y por lo tanto penetrante, ¿En oriente es igual? Si
Círculo rojo, Si ¿Porque? Por asociación con lo sanguíneo ¿En oriente es igual?, No
¿Por qué? Porque se asocia a lo esférico con el cosmos, el universo y el mundo. Ellos son más espirituales que venales.
Cuadrado azul, Si ¿Porque? , En occidente por ser el color más estable y consensuado. ¿En oriente es igual? No. Los orientales asocian la construcción con lo rojo y la mayoría de las construcciones tradicionales japonesas tienen planta cuadrada (pagodas) o rectangular. Oriente y occidente están acercándose cada vez más, nosotros comemos sushi y hacemos yoga e ikebanas (1 tipo de arreglo vegetal japonés) y ellos bailan tango, comen asado y se tiñen el pelo de rubio porque quieren ser como los estadounidenses. ¿Para que me sirve saber todo esto?, para diseñar, es totalmente distinto hacerlo para oriente que para occidente, pese a los acercamientos culturales que son solo de forma y no de fondo. El mercado más grande y poderoso ya no es EEUU sino Oriente.
HAY QUE CONOCERLO COMPRENDERLO Y ACEPTARLO.
Desde estas apreciaciones básicas parten los diseños sus formas y colores lógicos, puedo planear (en base a una idea) una prenda o una colección roja/ovoide y después durante el proceso se modificarán algunas cosas pero nunca llegar a cambiar los conceptos regentes. Tal vez tenga bordo, naranjas, rojos varios, algo en poca dosis de otros colores pero la dominante será rojiza (para que la significación funcione. Del mismo modo la forma ovoide original se podrá modificar pero conservará su esencia.
Antes de subir un escalón más en nuestra analogía recordemos algunos conceptos (también básicos) del espacio. Nuestros diseños son espaciales tridimensionales y generados casi siempre a partir de planos laminares (elementos textiles en rollos)
Las dimensiones posibles en un plano de vida normal son dos, la bidimensión (concepto abstracto inexistente) y la tridimensión. Los diseñadores de indumentos casi siempre diseñamos nuestras construcciones a partir de la bidimensionalidad textil. Para luego conformar un objeto que no es autoportante y que cubre nuestro cuerpo de manera tridimensional.
2D = ALTO Y ANCHO 3D = ALTO ANCHO Y PROFUNDIDAD
Alto es siempre una direccionalidad vertical
Ancho es siempre una direccionalidad horizontal
Profundidad corta los dos planos anteriores (va de la cosa hacia mi o de mi hacia la cosa o también me puede atravesar)
Acostumbrémonos a usar estas palabras con estos significados para evitar confusiones sobretodo si nuestro interlocutor está al teléfono sin la vista de un geometral. No usemos sinónimos que generan muchas confusiones.
Perspectiva: ilusión de profundidad, en un plano bidimensional.
Retomemos nuestra analogía:
Tenemos un abecedario posible de nuestros elementos constructivos: vertical, horizontal, diagonal y curvas, contracurvas (espirales circunferencias).
Tenemos un repertorio de 4 donde elegir racionalmente
Un repertorio de letras para construir palabras para armar frases para decir cosas que expresan nuestras ideas.
¿Con que repertorio básico de formas están diseñados?
“AHORA ESTÁN INICIADOS EN EL MUNDO DEL DISEÑO Y CREO QUE COMPRENDEN MEJOR NUESTRA TAREA”
La incorporación de este método les facilitará el proceso de diseño.
No es bellas artes ni artes aplicadas, es diseño: un poco de ingenio y otro poco de arte, un poco de racionalidad y otro de intuición.
MÉTODO BROCHER
UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
No hagas ecos o ramificaciones parecidas muy cercanas. Simplifica.
Es a escala no a ojímetro. La manera mas sencilla es hacerla sobre un cuerpo articulado de madera de un alto de 20 a 25 Cm. Que tenga un canon de 7 y 1/2 cabezas u 8.
Como si fuera un molde de flan que puedo rellenar con distintos ingredientes.
Sin ningún detalle, adornos, avíos, escalones chicos. No es una tipología ni conjunto, es un estadio previo.
La línea se puede trabajar con plastilina, goma eva, papel, gasa de algodón, cintas; pero siempre de color blanco. Para ver mejor las luces sombras y sus distintos valores.
fijar un pie a base pesada (taco de madera) ayuda. Girar constantemente durante el proceso es fundamental, sino, gira vos. Es para verlo desde todas las visuales posibles.
Separar piernas y brazos, Para ver tiro y sisa (si son similares mejor). Pensar si precisa un tajo, o tiro más bajo, o si podrá sentarse y subir los brazos. Formas complicadas entre las caras internas de las piernas, traen problemas de roce, igual entre el torso y los brazos.
Recordar y tomar en cuenta los niveles de adherencia y tipologías que el ejercicio exige al momento de diseñar la línea.
Generalmente los indumentos se apoyan sobre cabeza, hombros y caderas y se ajustan en los puños cintura y cuello.
Si haces un gran contenedor, pensá como lo vas a sostener. Existe una gran "relación de proporción" entre la materialidad, recurso y la gravedad; que lo posibilita o no. Cuando tenés que agregar refuerzos internos en tu prototipo, pensá en achicar tu contenedor. No existen enanos que mantengan los indumentos a 6 ó 20 centímetros del cuerpo, o colchones de aire que los alejen para que floten despegados de la carnalidad.
Los intersticios y metámeros son para que tomes realidad de las distancias de los indumentos al cuerpo.
La línea será tu molde de todas las prendas que diseñes sobre ella. No es una cárcel, que todas las prendas de una serie o colección tengan igual forma es una virtud e idea de forma.
Por supuesto que en una colección o serie en el mercado laboral real, podes hacer pequeñas variaciones, al aprenderlo no.
Diseñar sobre línea y estructura, es así, parece que limita, pero en realidad si sabes usarlo; simplifica y da millones de posibilidades.
Que una colección o serie tenga muchas similitudes, es ESPLENDIDO desde el punto de vista del buen diseño.
La gran variedad no es sinónimo o síntoma de innovación y creatividad, sino todo lo contrario. Suelen decirme: pero queda todo muy parecido, muy igual, empiecen a ver que esta característica se da en las colecciones de grandes diseñadores.
También tenemos que ir aprendiendo a dosificar nuestras ideas, no poner todo en una colección. ¿Sí no?, ¿Qué pondremos en la próxima? dosificar astutamente de a una idea por ves. Tenemos muchos años de diseñar por delante, aprender a manejar la ansiedad es parte de nuestra tarea.
Una vez hecha la estructura sobre la línea. Pasar a 2D.por fotografía con el lente perpendicular a piso, a la altura ½ de la figura. De frente/espalda y laterales. Si es poco convencional, también desde arriba y abajo. Siempre con una la cartulina gris medio de fondo para contraste de valor. Sobre estos datos diseñar con papel de calco superpuesto.
La exposición en el ámbito educativo
- Definición de explicación.
- Su organización.
- Procedimientos explicativos.
- El hablar en público.
- Presentación del tema. Este punto es fundamental. La mayoría de la gente no tiene en cuenta la presentación del tema porque lo vincula al contexto (aula, clase, materia) y lo elide. Se responde a una serie de preguntas relacionadas con sus funciones básicas: presentación del tema y descripción de la organización de la exposición. ¿De qué se va a hablar? ¿Por qué se decidió ese tema? (importancia, originalidad, etc.) ¿Cómo está organizada la explicación? ¿Qué aspectos del tema se toman en cuenta?
- Desarrollo. Esta parte irá de lo general a lo particular. Lo primero que tendremos en cuenta es al auditorio. Luego se trabajará con los datos más relevantes. Se utilizarán los procedimientos explicativos que describiré en otro apartado.
- Conclusión. En esta etapa se sintetizan y se generalizan los resultados a los que se ha llegado a lo largo de la explicación, acerca del tema abordado o de las perspectivas teóricas que lo explican.
- Los oyentes deben escuchar. Module.
- No coma chicle.
- Olvídese del celular. Viva este momento.
- No se tape la boca con las manos al hablar.
- Que el material visual, auditivo, táctil, olfativo, gustativo que utilice para apoyar en la clase sea el adecuando. Y no otro parecido.
- No se detenga adelante de lo que muestre impidiendo la visión de la audiencia.
- No se vaya por las ramas.
- Hable poco y lo preciso (Máxima Gral. San Martín).
- Sea ameno.
- Sea humano.
